L’incisione è una forma d’arte unica che unisce creatività e abilità tecnica. Attraverso i secoli, l’incisione ha richiesto un’incredibile opera d’arte e l’ingegno per creare opere d’arte visivamente interessanti e suggestive. Poco dopo che la forma d’arte è stata inventata, l’importanza della stampa si è realizzata. Offriva un valore immenso alla società come forma d’arte che permetteva di riprodurre immagini e testi. Le stampe potrebbero essere distribuite a persone comuni che non potevano necessariamente permettersi dipinti ad olio unici nel loro genere. L’incisione ha permesso alle società di diffondere informazioni attraverso libri prodotti in serie, illustrazioni religiose e mappe.
Poiché l’incisione ha servito molti scopi pratici attraverso il suo passato storico, è molto apprezzata come forma d’arte. Oggi, una stampa originale di un artista di talento è una cosa di bellezza e ha molto valore per i collezionisti d’arte e gli appassionati.
A proposito di incisione attraverso i secoli
Incisione è una forma d’arte che comporta il trasferimento di immagini da una matrice, o modello, su un’altra superficie, di solito carta o tessuto. Un incisore crea la matrice in legno, metallo, vetro o altro materiale, utilizzando strumenti o prodotti chimici per lavorare la superficie in un’immagine. L’artista inchioda quindi il modello e lo trasferisce su un’altra superficie.
I metodi tradizionali di incisione, tra cui xilografia, incisione, incisione e litografia, richiedono una macchina da stampa per fornire una pressione uniforme. Il processo di incisione consente agli artisti di creare molte iterazioni della stessa immagine. Nel corso della storia, è servito come un modo conveniente per comunicare e condividere l’arte.
La storia della stampa iniziò nella Cina della dinastia Han. Il primo esempio noto, una xilografia su seta, è stato datato durante la dinastia Han dal 206 a. C.al 220 d. C. La prima stampa su carta è stata fatta durante il settimo secolo.
La forma originale di incisione utilizzava una piccola tavola di legno come matrice. Intagliare lontano dal legno creerebbe spazio negativo sulla stampa dopo che l’inchiostro è stato trasferito su tessuto o carta. Quando i cinesi introdussero il tipo mobile tra il 1041 e il 1048 e migliorarono il design nei secoli a venire, il bookmaking divenne molto più possibile e versatile. Da allora, l’incisione si è diffusa in tutto il mondo, servendo molti scopi e artisti nel corso dei secoli.
Il 15 ° secolo
Le prime stampe europee risalgono all’inizio del 15 ° secolo, quando le stampe xilografiche sono stati utilizzati per fare carte da gioco di carta in Germania. La tecnica passò presto agli artisti, che la usarono per rendere figure audaci su sfondi vuoti. Man mano che la pratica si evolveva, gli artisti iniziarono a creare disegni più complicati, con architettura e paesaggi sullo sfondo e bordi elaborati.
L’incisione su metallo, la prima forma di stampa a intaglio, arrivò pochi decenni dopo e divenne presto la tecnica di stampa più popolare per i suoi risultati raffinati. Le immagini combinavano piccoli punti e scorciatoie perforate nella superficie. A differenza delle xilografie, le aree infossate della matrice metallica contenevano l’inchiostro, che veniva trasferito sulla carta. La prima stampa di intaglio conosciuta è la stampa tedesca del 1446, ” The Flagellation.”La tecnica ha presto viaggiato in Italia e in tutta Europa.
Forse il contributo più significativo all’incisione del xv secolo, la stampa di Johannes Gutenberg ha rivoluzionato la forma d’arte e la cultura. Pur non essendo l’inventore originale, Gutenberg perfezionò la stampa di tipo mobile intorno al 1450 e la rese popolare in Europa. Le sue opere più famose, le Bibbie di Gutenberg di 1.300 pagine, erano stampe magistrali che usavano il tipo gotico stampato progettato per assomigliare alla calligrafia a mano.
Il 16 ° Secolo
Nei primi anni del 16 ° secolo, maestri di incisione emerse. Il più notevole fu Albrecht Dürer, un artista tedesco i cui viaggi in Italia gli permisero di influenzare il mondo della stampa in tutta Europa. Il suo lavoro ha portato grande dettaglio al suo soggetto, tra cui la religione, la storia, il folklore, la mitologia e la ritrattistica. Ha lavorato in xilografie, acqueforti, punti a secco, e incisioni su metallo.
Un altro notevole maestro dell’epoca, Albrecht Altdorfer, fu il primo a stampare paesaggi come soggetti piuttosto che come sfondi. L’incisore fiammingo, Hendrik Goltzius, ha usato i suoi tagli per imitare diverse superfici e trame. In Italia, l’ascesa di Marcantonio Raimondi segnò una svolta nella forma d’arte dell’incisione. Maestro tecnico che rivaleggiava con Dürer, divenne l’incisore di Raffaello. Stampò riproduzioni del famoso pittore e fu influente nel ridurre l’incisione da una forma d’arte originale al mestiere di riprodurre opere famose.
Durante la seconda metà del XVI secolo, case editrici e abili artigiani hanno assunto il mondo della stampa. Le mappe stampate sono diventate sempre più popolari quando le persone hanno iniziato a viaggiare più frequentemente. Gli editori comprerebbero anche le lastre dai loro artisti originali e le stamperebbero in grandi quantità, a volte rovinando le lastre originali nel processo.
Il 17 ° secolo
Mentre l’incisione divenne sempre più commercializzata e riproduttiva, gli artisti del 17 ° secolo si rivolsero all’incisione. L’incisione acida è stata vista come più creativa, flessibile e onorevole. Mentre l’Italia divenne un centro per la tecnica, l’incisore Guido Reni sviluppò il caratteristico stile italiano di linee e punti delicati.
L’artista francese Jacques Callot, con sede in Italia, ha ottenuto il maggior successo come primo incisore ad utilizzare ripetute bitings acid per creare variazioni tonali. Ha anche usato il suo ago per incisione su misura per ricreare le linee di rigonfiamento e affusolamento caratteristiche dell’incisione.
Nei Paesi Bassi, l’incisione ha visto un’altra esplosione creativa. Hercules Seghers, un vero sperimentatore, ha creato molte stampe non ortodosse, come la stampa su tele colorate o l’immissione di linee bianche su sfondi scuri. Ha sviluppato uno stile unico dominato da paesaggi rocciosi. Mentre molti artisti in Olanda hanno creato incisioni magistrali, il famoso Rembrandt ha superato la prova del tempo. Attraverso i suoi circa 300 piatti, ha reso tutto, dai soggetti religiosi e storici alle attività più banali. Ha esplorato ogni possibilità della linea incisa e successivamente sperimentato combinando acquaforte e puntasecca.
Durante questo secolo, la forma d’arte giapponese ukiyo-e emerse, segnando una pausa dalle opere fortemente influenzate dalla cultura cinese. Queste xilografie raffinate e altamente stilizzate raffiguravano la vita di tutti i giorni. Il primo maestro della forma fu Hishikawa Moronobu, che usava scene di strada, venditori ambulanti e folle come soggetto.
Il XVIII secolo
L’Italia rimase il centro dell’incisione europea per tutto il XVIII secolo. Uno dei primi maestri del secolo, Giovanni Battista Tiepolo, era famoso per i suoi delicati motivi ritmici. L’uso inventivo di linee e texture di Canaletto imitava il colore e la luce attraverso la sua grafica stampata. Come maestro incisore di architettura, Giovanni Battista Piranesi fu prolifico, con 3.000 grandi incisioni a suo nome.
Il satirico William Hogarth inaugurò l’incisione in Inghilterra con la sua scuola nazionale. La sua influenza ha rapidamente scatenato opere dal collega caricaturista Thomas Rowlandson. Il poeta William Blake ha preso l’incisione in nuove forme sperimentali nelle sue illustrazioni del libro. Nel frattempo, il primo grande incisore spagnolo, Francisco de Goya, usava la satira per commentare la follia umana, la guerra e la persecuzione religiosa.
Il 19 ° secolo
Il 19 ° secolo ha iniettato molti stili estetici nel mondo dell’arte. Ogni rivoluzione artistica ha portato i suoi rispettivi maestri di incisione. L’invenzione tedesca della litografia ha presentato un nuovo mezzo agli artisti, mentre l’influenza francese ha dominato il mondo della stampa europea. Dopo alcuni decenni di produzione di litografie magistrali, il paese ha visto una rivoluzione artistica a metà del secolo con la scuola di Barbizon. Gli stampatori della scuola di Barbizon crearono acqueforti paesaggistiche che gettarono le basi per gli impressionisti a venire. Altri accoliti della scuola di Barbizon raffiguravano la vita contadina.
Sebbene noti per il loro uso del colore, impressionisti come Édouard Manet, Edgar Degas e Camille Pissarro crearono acqueforti, litografie e monoprint nei loro stili distinti. Nel frattempo, le xilografie giapponesi si fecero strada nella coscienza occidentale. L’esotismo, la semplicità e le astrazioni delle opere giapponesi influenzarono Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec e l’impressionista americana Mary Cassatt.
Con la diffusione dell’influenza del paese, gli artisti giapponesi continuarono a prosperare e sviluppare nuove tecniche di stampa. Il maestro della xilografia, Hokusai, fu prolifico, con un corpo di lavoro che comprendeva 35.000 disegni e stampe. La sua serie “The 36 Views of Mount Fuji” è forse la sua più popolare e include la famosa stampa a colori, “The Breaking Wave off Kanagawa.”Hiroshige, un altro artista giapponese, ha guadagnato fama in Europa per il suo stile impressionista.
Il 20 ° e 21 ° secolo
Dopo l’invenzione della fotografia, l’arte non era più necessaria come strumento di riproduzione, che lasciava l’incisione e altre forme d’arte tornare alla creatività e alla sperimentazione. Mentre l’arte esplose per tutto l’inizio del 20 ° secolo, molti degli artisti più famosi dell’epoca esplorarono l’incisione. Mentre noto per i suoi dipinti, Pablo Picasso ha anche creato oltre 1.000 stampe da xilografie, linoleum, litografie, acqueforti, punti a secco e incisioni.
Altri artisti francesi, tra cui Georges Braque, Henri Matisse e Georges Rouault, sperimentarono la forma. Nella seconda metà del secolo, gli artisti crearono più stampe e introdussero più innovazioni tecniche che mai.
Mentre l’incisione tradizionale fioriva come forma d’arte, nacquero anche le moderne tecniche di stampa. La stampa come la pensiamo oggi è iniziata quando Chester S. Carlson ha inventato la fotocopia nel 1938. In seguito reso popolare dalla Xerox Corporation, la tecnologia ha coinvolto polvere di toner a secco piuttosto che inchiostro. Le macchine utilizzavano elettricità statica per legare la polvere alla carta. Nel 1969, l’inventore Gary Starkweather introdusse la stampa laser, che utilizzava un laser per legare il toner secco alla pagina.
La stampante a getto d’inchiostro è venuto sulla scena nel 1976, ed è ancora oggi il metodo preferito utilizzato per la stampa fine art. L’inventore giapponese Ichiro End ha sviluppato la tecnologia mentre lavorava per Canon. La tecnologia funziona spruzzando piccoli puntini di inchiostro su una pagina per formare un’immagine. Nel 1985, la stampante IRIS è arrivata sul mercato, diventando la prima stampante digitale di grande formato. È stata la prima stampante commerciale adattata per la stampa fine art alla fine degli anni 1980 e all’inizio degli anni 1990.
La stampante Jack Duganne ha coniato la parola “giclée” nel 1991 per commercializzare la stampa a getto d’inchiostro nel mondo delle belle arti. Ha reso la tecnologia ancora non testata più raffinata e dignitosa. La stampante IRIS è rimasta la stampante fine art più popolare fino agli anni 2010, quando le aziende di stampa Epson e Canon hanno sviluppato tecnologie più recenti e più economiche che ospitavano inchiostri d’archivio.
Il processo di stampa digitale
Mentre l’incisione tradizionale utilizza una delle diverse tecniche per trasferire un’immagine scolpita su carta o stoffa utilizzando una matrice di stampa o una lastra, la stampa digitale moderna trasferisce le immagini direttamente sul substrato utilizzando un file di immagine digitale.
Le tecniche di stampa digitale possono rendere le immagini su molti materiali ortodossi e non ortodossi, tra cui carta fine art, tela, alluminio e acrilico. Mentre il prodotto finale varia con la tecnica di stampa, ogni metodo inizia con la stampa di un’immagine utilizzando una stampante a getto d’inchiostro. A Tribeca Printworks, usiamo la stampante di grande formato Epson 11880, che ci consente di stampare immagini con definizione e profondità senza rivali in molti formati personalizzati.
Come parte del processo di stampa, selezioniamo il giusto tipo di tecnologia di inchiostro per il substrato scelto. La stampa su carta o tela fine art di qualità museale priva di acidi richiede inchiostro acquoso. A Tribeca Printworks, usiamo un inchiostro pigmentato, il che significa che le particelle pigmentate sono sospese all’interno delle molecole di acqua liquida. L’utilizzo di un inchiostro pigmentato consente al pezzo finito di durare più a lungo e di resistere allo sbiadimento quando esposto alla luce solare.
La tecnica di stampa a getto d’inchiostro impiegata nella carta giclée e nella stampa su tela utilizza un piccolo ugello di inchiostro per spruzzare microscopiche goccioline di inchiostro sulla pagina. Il termine “giclée”, che deriva dalla parola francese per” spruzzare”, si riferisce a questo processo. La stampante Epson 11880 che usiamo in Tribeca Printworks può espellere le goccioline sulla pagina con una precisione sorprendente. Gli ugelli dell’inchiostro contengono cristalli piezoelettrici, che vibrano, causando l’espulsione dell’inchiostro dall’ugello.
Quando si stampa su alluminio, usiamo un processo chiamato sublimazione piuttosto che stampa a getto d’inchiostro da solo. La sublimazione si verifica quando l’inchiostro solido si converte in gas e torna in un solido, saltando il suo stato liquido. Quando si utilizza la sublimazione per l’alluminio, per prima cosa stampiamo l’immagine utilizzando una stampante a getto d’inchiostro. Quando usiamo una pressa di calore per trasferire l’immagine su alluminio, le temperature diventano calde da 350 a 400 gradi. Queste condizioni causano la sublimazione del colorante e, dopo alcuni minuti, l’immagine viene permanentemente apposta sull’alluminio.
Tipi di stampa digitale di Fine Art
In Tribeca Printworks, utilizziamo inchiostri a pigmenti d’archivio e substrati di stampa insieme a stampanti a getto d’inchiostro digitali ad alta risoluzione per ottenere stampe artistiche e fotografiche di qualità museale. Le moderne tecniche di stampa di oggi includono i seguenti quattro metodi di stampa:
Fine Art Giclée Paper
I fotografi e gli artisti raffinati spesso vogliono che le riproduzioni su carta delle loro opere vengano appese nelle gallerie o vendute ai loro clienti. La stampa fine art su carta consente a questi creatori di creare molte copie dei loro pezzi ad un prezzo accessibile. Allo stesso modo, permette ai loro clienti di godere della bellezza dell’arte nelle loro case senza il prezzo elevato di un dipinto originale. Le tecniche coinvolte nella stampa giclée su carta producono una stampa di qualità gallery in colori vivaci, dettagli definiti e notevole profondità.
Al contrario della normale carta fotografica, la carta da stampa fine art incorpora fibre di cotone o cellulosa e ha un pH neutro. La carta stessa è spessa e resistente, bloccando la pigmentazione pur mantenendo chiarezza e dettaglio. Gli artisti possono scegliere tra molte opzioni di carta dei marchi Hahnemühle e Epson per ottenere effetti lucidi, opachi, testurizzati o metallici.
Canvas Giclée
I pittori hanno a lungo usato la tela tesa per le loro opere d’arte originali, e la stampa fine art su tela consente sia agli artisti che ai fotografi di creare riproduzioni su questo materiale. La sua texture naturale aggiunge profondità e la cornice in legno offre un’alternativa alle tradizionali foto incorniciate. È possibile scegliere tra bordi non stampati o specchiati o aggiungere una cornice galleggiante per un aspetto più finito.
Come la carta da stampa fine art, la tela è 100% priva di acidi, che, accanto a una vernice post-stampa di livello museale, conferisce alle stampe la loro qualità d’archivio. A Tribeca Printworks, possiamo allungare a mano la nostra tela attorno a barelle personalizzate o fornire servizi di sola stampa per le tue tele allungate a mano.
Alluminio HD
La stampa di foto e opere d’arte su alluminio HD offre un’altra interessante alternativa a una cornice tradizionale. Il substrato di stampa in metallo crea un effetto elegante con colori vivaci e dettagli incredibili. Con l’alluminio, puoi scegliere tra finiture bianche lucide e opache, ideali per la fotografia a colori e le opere d’arte. Le fotografie in bianco e nero e altre immagini ad alto contrasto possono ottenere un effetto unico sull’alluminio argento. Le aree chiare della foto riveleranno la texture argento spazzolato sotto per un effetto accattivante e drammatico.
Di tutti i processi di stampa a vostra disposizione, l’alluminio è il più durevole. Il metallo resiste ai graffi e può essere pulito con un panno umido, se necessario. Reggerà anche meglio all’umidità e ad altri elementi.
La stampa su alluminio è un processo diverso dalle tecniche a getto d’inchiostro appropriate per le stampe su carta e tela. Il processo di sublimazione inizia con un .piastra in alluminio da 045 pollici con rivestimento bianco o trasparente. Per prima cosa stampiamo l’immagine su carta transfer usando inchiostri d’archivio a getto d’inchiostro. Successivamente, fondiamo la carta di trasferimento sull’alluminio usando una pressa di calore ad alta temperatura. Per i supporti senza telaio, fissiamo la piastra a un supporto in legno da 3/4 di pollice. Possiamo anche usare una cornice galleggiante nera o bianca per un look più finito.
Supporti per il viso in acrilico
Supporti per il viso in acrilico conserva opere d’arte e fotografie sotto plexiglass trasparente per creare una stampa moderna e senza cornice. Realizziamo queste stampe prima rendendo la tua opera d’arte su carta fotografica lucida o metallica. Quindi apponiamo permanentemente l’immagine stampata su un pannello acrilico opaco o lucido utilizzando un adesivo biadesivo trasparente. Appoggiamo l’immagine con una piattaforma in legno per sostenere la stampa durante l’inquadratura. Successivamente, lucidiamo a diamante il supporto per il viso acrilico attorno ai bordi per aggiungere lucentezza e bloccare l’immagine in posizione.
Oltre a fornire un look pulito e l’effetto galleggiante, acrilico viso monti impermeabile la vostra arte, proteggerlo dalla polvere e offrire protezione UV.
Confronto tra stampa commerciale e incisione
L’incisione è una forma d’arte di lunga data che è stata utilizzata nel corso dei secoli sia per scopi commerciali di produzione di massa che per l’arte. Lo stesso si può dire per la stampa fine art commerciale. L’avvento delle stampanti digitali rende le riproduzioni perfette più possibili e convenienti per gli artisti. Come la fotografia, la foto giclée e la stampa fine art hanno permesso all’incisione tradizionale di servire la sua vera vocazione come mezzo artistico. Gli stampatori tradizionali non devono più preoccuparsi di riprodurre altre immagini e hanno la libertà di esplorare e sperimentare con il loro mestiere.
I metodi di stampa giclée e i prodotti finali sembrano molto diversi dalle immagini disegnate a mano immortalate in inchiostro e lastre di stampa. Tuttavia, la tecnica richiede esperienza e un occhio attento per catturare l’intento artistico e l’effetto visivo di un pezzo. Per creare stampe di qualità galleria come facciamo in Tribeca Printworks, iniziamo selezionando i materiali di stampa giusti.
Ad esempio, i nostri fotografi spesso stampano su alluminio. Con l’incisione tradizionale del metallo o l’incisione del metallo, l’immagine è scolpita o bruciata in una superficie di alluminio e poi trasferita a carta. Quando stampiamo su alluminio HD, il processo è invertito. Innanzitutto, stampiamo la foto su carta transfer usando inchiostri pigmentati d’archivio. Quindi, uniamo la carta a una superficie in alluminio spazzolato, producendo una stampa elegante con colori brillanti. A seconda della finitura scelta, il metallo grezzo può essere visibile o invisibile nel prodotto finale.
La stampa digitale di oggi deve molto ai metodi tradizionali di stampa che l’hanno preceduta. Artisti e maestri stampatori hanno studiato diversi inchiostri e la scienza del trasferimento di immagini su lastre da stampa, carta e tessuto per secoli. Le prime forme di incisione permisero agli artisti di produrre rapidamente copie del loro lavoro.
I progressi come la litografia hanno permesso alle stampanti di sovrapporre più colori e stampare una più ampia varietà di immagini. Mentre la tecnologia ha visto molti miglioramenti dopo la litografia e altre forme di incisione precoce, beneficiamo di questa tecnologia ogni volta che creiamo una stampa giclée digitale utilizzando una stampante a getto d’inchiostro.
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A Tribeca Printworks, portiamo artigianale attenta e abilità tecnica per ogni servizio di stampa che forniamo. Come fotografi e pittori noi stessi, collaboriamo con voi per rivedere i file d’arte e discutere i materiali di stampa fino a trovare la combinazione che tira fuori il meglio nel vostro lavoro. Una volta che siamo pronti a stampare, ossessioniamo ogni dettaglio fino a quando non otteniamo i colori giusti.
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