von George Bozarth
Co-Künstlerischer Leiter, Musique du Jour präsentiert
Wie wir am vergangenen Wochenende gesehen haben, hat Johann Sebastian Bach während seiner Anstellung am Weimarer Hof Solo-Cembalo-Versionen von Konzerten von Antonio Vivaldi vorbereitet. Heute möchte ich uns eines der Vivaldi-Konzerte anhören, die er für die Orgel transkribiert hat.
Pier-Leone-Ghezzin-Caricature-of-Vivaldi-1723
Bach war als Interpret in erster Linie Organist. Sein erster Job war als Organist der Neukirche in Arnstadt (1703-07; wo er mit den Kirchenbehörden in Schwierigkeiten geriet, weil er seine Erlaubnis, nach Lübeck zu gehen, um Dieterich Buxtehude seine Chor- und Orgelmusik spielen zu hören, überschritten hatte. Bachs nächste berufliche Position war als Organist der Divi-Blasii-Kirche (St. Blasius-Kirche) in Mühlhausen (1707-08; dort komponierte er Orgelvorspiele, Fugen, Toccaten und Fantasien sowie seine beiden frühesten bekannten Kantaten – Aus der Tiefe rufe ich, Herr, zu dir (1707) und das bekannte Christ lag in Todesbanden (1708), zwei Chorwerke, die, einmal gehört, mit einem durch das Leben reisen.
Johann-Friedrich-Wender-Orgel-Neukirche-Arnstadt
Mühlhausen-ca.-1650
St.-Blasius-Kirche-Mühlhausen
Bachs zunehmender Ruhm als „heißer“ Organist war so groß, dass er schon im nächsten Jahr vom Herzog von Weimar als Hoforganist – sowie als Geiger, Konzertmeister und Kammermusikdirektor — engagiert wurde. An diesem Hof komponierte er Fugen über Themen von Corelli, Legrenzi und Albinoni, viele Präludien und Fugen, die Fantasia & Fuge in g—Moll, die Toccata, Adagio & Fuge in c-Dur und seine beiden berühmtesten Werke für Orgel, die Toccata & Fuge in d-Moll, BWV 565 – musikalische Rhetorik in Aktion!- und die gewaltige Passacaglia &-Fuge in c-Moll, sowie seine beiden Orgelarrangements von Vivaldi-Konzerten, von denen wir heute eines hören werden.
KONZERT Nr. 8 in a—Moll, RV 522 -> BWV 593 in a-Moll
Wie Elaine Thornburgh bemerkt hat und wir letzte Woche gesehen haben, war Bach besonders vom italienischen Stil angezogen, bei dem sich ein oder mehrere Soloinstrumente während eines Satzes abschnittsweise mit dem gesamten Orchester abwechseln. Von den Italienern lernte er dramatische Eröffnungen zu schreiben und dynamische Rhythmen und harmonische Schemata anzuwenden.
In praktisch allen Fällen, in denen Bach Vivaldis Konzerte aus L’estro Armonico (Die harmonische Laune), Op. 3 (1712), arrangierte, gab er sich nicht mit einer wörtlichen Transkription zufrieden — er machte nicht einfach eine „Tastatur“.“ Stattdessen bereicherte er, wie wir letzte Woche gesehen haben, das Original, indem er seine oft magere Polyphonie verstärkte und manchmal sogar die gesamte Basslinie neu schrieb. Das A-Moll-Konzert für zwei Violinen ist eine Ausnahme – Bach machte ihm das Kompliment, überhaupt keine Änderungen vorzunehmen. Und das Kompliment ist wohlverdient. Das Konzert hat keine Schwäche in seiner Struktur und ist sehr inspiriert und meisterhaft geschrieben. Also lassen Sie uns einen tiefen Einblick in, wie es „funktioniert.“
Erster Satz (kein Tempo angegeben)
Der Eröffnungssatz des Konzerts baut auf dem üblichen spätbarocken Ritornellprinzip auf, was bedeutet, dass die robuste erste Tutti-Aussage oder Teile davon regelmäßig im gesamten Satz und am Ende wieder auftauchen und strukturelle „Säulen“ bilden, die den gesamten Satz stützen. Normalerweise präsentiert das Ritornell ein unverwechselbares, leicht zu erinnerndes musikalisches Ereignis, aber in diesem Satz schafft Vivaldi radikal ein Eröffnungsritornell, das aus fünf Abschnitten besteht, jeder mit seinem besonderen musikalischen Zweck:
- A: Drei Akkorde, gefolgt von einem rhythmisch energetischen Aufschwung, um den Satz zu starten (00:00 für die unten verlinkte Tafelmusik-Orchesterversion)
- B: Ein kurzes Vier-Noten-Motiv (Achtel-Sechzehntel-Sechzehntel-Achtel), das viermal gespielt wird (später auch von den Solisten verwendet), um vorwärts zu schweben (00:06)
- C: Eine fallende melodisch / harmonische Folge von rhythmisch treibenden Septakkorden, um die Tonart zu wechseln (00:10)
- D: Eine schwankende Höhenlinie über einem Pedalpunkt, um uns in der Luft baumeln zu lassen (00:18)
- D‘: Die schwankende Höhenlinie in absteigender Reihenfolge zu einer tonischen Kadenz, um die aufgebaute Spannung aufzulösen (00:27)
Ja! Und das alles in weniger als 32 Sekunden! Erst dann treten die beiden Soloviolinen mit noch mehr neuem Material an (00:32).
Um sich zu orientieren, finden Sie hier eine Mini-Partitur von Bachs Version, die vom englischen Organisten Simon Preston (der die gesamten Werke Bachs für die DGG aufgenommen hat) aufgeführt wird, mit belebender Artikulation in den schnellen Sätzen und schöner Färbung des zentralen Satzes:
Im weiteren Verlauf des Satzes wählt Vivaldi einen oder mehrere der Ritornellabschnitte als strukturelle „Säule“ aus und platziert sie in verschiedenen Tonarten, während er moduliert, bevor er am Ende des Satzes zur Tonika zurückkehrt. Man weiß nie ganz, was einen erwartet. Wenn er vorwärts drängen will, setzt er B ein; Wenn er uns eine Weile in der Luft baumeln lassen will, setzt er D ein; Wenn er eine aufgebaute Spannung auflösen will, benutzt er die Kadenz D ‚usw.
Zwischen den Ritornellen spinnt Vivaldi die Solopassagen aus, die nicht nur weicher, sondern auch leichter, verspielter oder lyrischer sind und so den Kontrast von Tutti (Gesamtensemble) vs. Solo (Violinduett) scharf in den Fokus rücken. Trotz der Vielfalt der Themen bleibt die Form des Satzes bewundernswert klar, prägnant und ausgewogen – eine Freude, wenn man Vivaldis neue Methoden kennenlernt.
Zweiter Satz: Adagio – Senza Pedale a due Clav (3:22)
Die düstere Stimmung des zweiten Satzes wird durch eine kraftvolle Unisono-Aussage erzeugt, die auf einem Abwärtssprung einer Oktave zentriert ist und sich wie in einem klassischen barocken Klagebass dreimal in Abwärtssequenz wiederholt. Bach weist darauf hin, dass diese Passage Klavier gespielt werden sollte, obwohl sie in Vivaldis Original nicht als weich markiert ist und möglicherweise mutiger gespielt wurde.
Dieser starke Auftakt dient als Vorwort zu einem Mittelteil bezaubernder Zärtlichkeit, in dem die beiden Soloviolinen — in bester Tradition von Claudio Monteverdis Madrigalduetten wie Zefiro torna und Pulchra es, teils ineinander verschlungen, teils in Harmonie — über einem gleichmäßigen Hintergrund eines absteigenden Ostinato in den oberen und mittleren Saiten eine liebliche Melodie ausspinnen, die ein schwaches Echo der Eröffnungsaussage des Satzes ist. Die Zartheit dieses Mittelteils wird durch die Stille der unteren Streicher und des Continuos verstärkt – eine markante Textur, die Bach in seinen Passionen verwenden würde. Umso schärfer und dramatischer ist dann der Kontrast, wenn das volle Unisono-Tutti am Ende mit einer Wiederholung der musikalischen Eröffnungsgeste einbricht. Diese wunderschöne Elegie ist eines meiner Lieblingsstücke der Barockmusik – oder Musik jeder Epoche.
Dritter Satz: Allegro (6:15)
Wieder in Ritornellform nimmt der letzte Satz die rhythmische Energie des ersten Satzes wieder auf, mit noch mehr atemlosem Antrieb. Ein atemberaubendes Merkmal ist das plötzliche Auftauchen einer ergreifend schönen, weit gewölbten Melodie in der zweiten Violine gegen Arpeggien in den ersten Violinen — einer dieser wirklich magischen Vivaldi-Momente, die aus heiterem Himmel kommen und uns in ein anderes Reich versetzen.
Wenn Sie möchten, dass ein Organist dieses virtuose Stück spielt, finden Sie hier Ulf Norbergs Aufführung in der Hedvig Eleonora Kirche, Stockholm
Beachten Sie, wie der Organist zwischen den drei Tastaturen wechselt, um die Dynamik und Farbe zu ändern, und wie manchmal zusätzlich zu den Fußpedalen zwei Tastaturen verwendet werden.
Um einen Organisten zu hören, der keine Angst hat, Bach / Vivaldi seine eigene Pyrotechnik hinzuzufügen, schauen Sie sich Ton Koopmans feine Aufführung an. Seine improvisierten Arabesken im Mittelsatz vertiefen das Geheimnis noch weiter. Und das Tempo des Finales ist genau richtig:
Aber jetzt, um die Originalversion der Komposition zu hören! Leb wohl, Weimar! Willkommen in Venedig!
Vivaldi: Aufgeführt vom Tafelmusik Ensemble aus Toronto, einem der weltbesten Barockorchester.
Also, was wurde aus dem Mann, der so schöne Musik schreiben konnte, und war ein wegweisender Einfluss für ein Genie wie Bach? Nun, sein Leben hatte kein Happy End.
Wie die im Wikipedia-Aufsatz zitierten Wissenschaftler berichten, hatte Vivaldi den Habsburger Kaiser Karl VI. 1728 getroffen, als dieser Triest besuchte, um den Bau eines neuen Hafens zu überwachen. Charles bewunderte Vivaldis Musik so sehr, dass er während ihres einen Treffens mehr mit dem Komponisten gesprochen haben soll, als er in über zwei Jahren mit seinen Ministern gesprochen hatte. Er ritterte Vivaldi und gab ihm eine Goldmedaille sowie eine Einladung nach Wien. Im Gegenzug überreichte Vivaldi Karl eine handschriftliche Kopie einer Reihe seiner Konzerte.
Johann-Gottfried-Auerbach-Kaiser-Karl-VI
Zwei Jahre später reiste Vivaldi in Begleitung seines Vaters nach Wien und Prag, wo seine Oper Farnace vorgestellt wurde und sechs Wiederaufnahmen erhielt. Zwei seiner späteren Opern entstanden in Zusammenarbeit mit Pietro Metastasio, dem wichtigsten Vertreter der akadischen Bewegung und Hofdichter in Wien.
Aber da seine Kompositionen in Venedig aufgrund des wechselnden Musikgeschmacks nicht mehr so geschätzt wurden wie früher, entschied sich Vivaldi, nach Wien zu ziehen. Seine Hoffnung war, dass der Erfolg seines Treffens mit Kaiser Karl VI. ihm eine Position als Komponist am kaiserlichen Hof einbringen würde.
Vivaldi ließ sich in der Nähe des Kärtnertortheaters nieder, aber kurz nach seiner Ankunft in Wien starb Karl VI., so dass Vivaldi ohne königlichen Schutz und ohne feste Einnahmequelle zurückblieb. Er wurde bald verarmt und starb in der Nacht vom 27. auf den 28.Juli 1741 im Alter von 63 Jahren an einer „inneren Infektion“.“ Vivaldi wurde in einem einfachen Grab auf einem Friedhof neben der barocken Karlskirche bestattet, der sich im Besitz des öffentlichen Krankenhausfonds befand. Der genaue Ort seines Grabes ist unbekannt.
Karl-Wenzel-Zajicek-Kärtnertortheater-von-1923
Fischer-von-Erlach-Karlskirche-1737
Die Klassik und Romantik waren sich Vivaldis Kunst wenig bewusst. Erst Anfang des 20.Jahrhunderts, als Fritz Kreisler ein Violinkonzert „im Stile Vivaldis“ komponierte, das sehr populär wurde, begannen Wissenschaftler wie Marc Pincherle, Vivaldis Musik zu entdecken und zu studieren. Zu den neuen Fans, die maßgeblich an Vivaldis Wiederbelebung beteiligt waren, gehörten der italienische Komponist und Dirigent Alfredo Casella, der amerikanische Dichter Ezra Pound, der Dirigent Arturo Toscanini, der deutsche Gelehrte Arnold Schering und der amerikanische Geiger Louis Kaufman.
Im Laufe der Jahre wurden zahlreiche Vivaldi-Manuskripte entdeckt, darunter ein Cache von vierzehn gebundenen Bänden seiner Werke, die zuvor während der Napoleonischen Kriege verloren gegangen waren, aber 1926 in einem Kloster im Piemont gefunden wurden. Die Bände enthielten 300 Konzerte, 19 Opern und über 100 vokal-instrumentale Werke!
Seit dem Zweiten Weltkrieg erfreuen sich Vivaldis Kompositionen großer Beliebtheit, nicht zuletzt unterstützt durch Konzerte und Aufnahmen historisch informierter Aufführungen auf historischen Instrumenten. Und bisher unbekannte Werke werden weiterhin gefunden. Vertonungen der Psalmen Nisi Dominus und Dixit Dominus tauchten 2003 und 2006 auf, und eine ganze Oper, Argippo (1730), wurde 2006 entdeckt und zwei Jahre später in der Prager Burg aufgeführt. Das Jahr 2014 brachte eine unbekannte Triosonate für Violine, Violoncello und Continuo und das Jahr 2015 eine jugendliche Sonate für Violine in A-Dur. (Ein fröhlicher „New Discovery Teaser“, einschließlich eines Telefongesprächs mit Vivaldi (!), ist verfügbar unter https://www.youtube.com/watch?v=TfxHwqiCbPY; Achten Sie darauf, auf die englischen Untertitel zu klicken.)