World Encyclopaedia of Puppetry Arts

厳密に言えば、この形を人形浄瑠璃と呼ぶべきですが、20世紀初頭から、このジャンルを記述するために”文楽”という名前が徐々に国内外で使用されてきました。 この用語の厳密な使用は、芸術を専門とする唯一の会社である文楽座のために予約されています。 この日本のジャンルは三つの要素で構成されています: 太夫や語り手が唱えるテキスト、三弦三味線が奏でる音楽、そして目に見えるアニメーターによって操作されるキャラクターの行動を実行する大きな人形。

浄瑠璃

テキストの口頭配信は、伝説や啓発の物語を広める遍歴のストーリーテラーに属していた由緒ある日本の伝統です。 すでに8世紀までに記録されているが、13世紀に盲目の琵琶法師によってブームになった。 これらのほとんどの盲目のストーリーテラーは、宗教センターの保護下にあった。 演奏者は四弦琵琶に同行した。 物語は、12世紀後半の平氏と源氏の対立をたどる平家伝説から引き出されました。 徐々にレパートリーが拡大し、浄瑠璃十二段雑話など、より幻想的でロマンチックな物語が含まれるようになった。 日本の騎士道の象徴である源義経と美しい浄瑠璃の愛を物語っています。 彼女は死から主人公を救うために仏教の戦士である薬師如来として転生しました。 この物語は16世紀後半にこのような成功を収め、この人形ジャンルのすべての物語に浄瑠璃の名前が適用されました。

三味線と太夫

16世紀後半の初めに、沖縄で人気のある撥弦楽器であるジャビセンが大阪地方に導入されました。 この楽器は、三つの編組された絹の弦、長い木製の首、そして蛇の皮（ジャビ）で覆われた小さな、ほぼ正方形の共振器を持っています。 これは、元朝（13世紀）の間に中国に現れた中央アジアの音楽の影響を受けた中国の楽器であるsanxianの地元の変種でした。 琵琶よりも軽く、扱いやすい、jabisenは、そのエキゾチックな魅力に加えて、より多くの音楽の可能性を提供しました。 それはすぐに修正を加えた日本のミュージシャンによって採用され、特に壊れやすくて見つけにくい蛇の皮を猫や犬の皮に置き換え、ミュージシャンが象牙の撥で皮膚を叩くなどのパーカッシブなテクニックに振動して保持した。 今では三味線と呼ばれ、新しい楽器は、特に歌舞伎や歓楽街の芸者の歌と踊りで、大きな成功を収めました。 三味線には大きくて重いものがあり、文楽用に作られた太刀魚三味線があります。

琵琶を新しい楽器に置き換えたのは、京都の落語家の澤住検校と滝野甲東で、そのタイトル（検校と甲東）は盲目の語り手のギルドのメンバーであったことが明らかである。 彼らの弟子たちはそれに従った。 最後に、淡路人形座の人形遣いを通じて、これらの朗読に視覚的な次元が加えられました。 文楽は、音楽家の専門家と協力して落語家や人形浄瑠璃の組合として発展しました。 このコラボレーションは、以前のナレーターが独自の伴奏を提供し、いくつかの琵琶の和音で宣言を句読点にしたり、単純な静脈で歌うリズムを示す内容であったため、大きなブレークスルーを表していた。 それぞれの芸術家が専門化すると、それぞれの芸術を磨くことができます。

公演

今日の公演は、主に異なる演劇から選択されたシーンまたは短い世話物の後に時代物からの行為で構成されています。 時には、まれにはあるが、古典的な歴史劇がより完全なバージョンで演奏されることがあります。 演劇自体は長い物語であり、対話が散在しており、太夫は年齢、性別、階級に関係なくすべてのキャラクターを演奏してソロを演奏します。 彼は、厳粛な、皮肉な、感情的な、simpering、または怒っている順番に、あるレジスタから別のレジスタに渡します。 彼は笑いから涙までの全範囲を演奏する言葉の名手です。 彼は非常に表現力豊かな顔で状況を強調しています。 声の表現には、話し言葉に近く、伴奏なしで対話に使用される”ことば”、高い詩的なスタイルで書かれ、イベントに関連し、文字の感情状態を記述し、陰謀を開発する”地合”、完全に歌われ、豊かな旋律を持つ唯一のセクションである”伏”の三つの基本的なモードがある。

ミュージシャンは、タイの音楽的解釈を装飾し、雰囲気を作り出し、物語を中断し、ナレーションの間に音楽的な通路を投げ込む。 一見無表情、ミュージシャンは支配的なtayúと競合することはありませんが、それにもかかわらず、主要な役割を果たしています。 ある意味では、三味線はグループの解釈を共同で指示し、リズムを指示します。 バランスのとれた太夫三味線のペアリングを形成するには、長年の経験が必要です。 だから、一度団結し、主要なペアは、長年にわたって一緒に再生され、めったに別のパートナーに変更されません。

語りの太夫と三味線の奏者は正装（紙下）を着て、舞台の正面と側面にあるプラットフォーム（ゆか）に座り、江戸時代から演奏してきました。 ひざまずいて、タイーは丁重にページをめくる彼の前にスタンドに本を持っています（彼はすでに心でテキストを知っていますが）。 膝の上に手を、彼は彼の解釈に伴って、彼の左にひざまずいてミュージシャンと一緒に演奏します。 太夫に対する物理的な要求は激しいので、各シーンや行為の後にお互いを綴るためにナレーションやミュージシャンの多くのペアがあります。 ナレーター間のこの転移を促進するためには彼らが坐るdaisは回転盤に取付けられる。 いくつかのシーンは、まれにしかし、複数の太夫と三味線のプレイヤーを要求します。 追加の効果音は、翼から打楽器によって生成され、時には三味線は琴または別の楽器を伴っています。

風光明媚なデバイス

国立文楽劇場の模範的な舞台は、手摺と呼ばれる木製の仕切りで三つに分かれています。 最初のものはフットライトと森林を隠しています。 このエリアは遊び場として使用されておらず、ここに入るのはカーテンプーラーだけです。 他の二つの領域は、マニピュレータをマスクし、彼らは空気の上を歩いているように見えないように数字が立っている小さなプラット 第二の仕切りは、それが船倉（船倉）の名前を取得する森林よりも低くなっています。 第三の仕切りは、インテリアシーン（家、店、寺院、または宮殿）に使用されます。 風景は人形に比例しています。 セットは、歌舞伎と同様に、視聴者が内部を見ることができる方法で開いたファサードを表示します。 時には、風景を描くために、歌舞伎の平らでカラフルなスタイルの場面絵があります。 時には風景が横方向に転がることができ、人形自身が所定の位置に歩いている間に動きの錯覚を与え、動きをミミングすることができます。

人形

17世紀全体に60-70センチメートルの小さな人形が伸ばした腕で操作されましたが、1730年から三人操作システムが採用され、人形のサイズが大きくなりました。 竹本座の人形遣い吉田文三郎によって開発された技術で、左手に木の頭とその制御を持つマスター（おもづかい）、右手に人形の右手、最初の助手（ひだりづかい）は人形の左手を持つ三つのマニピュレーターが必要であった。; 一方、二番目の助手（あしづかい）は人形の足を制御します。 通常、人形は3人の人形師によって操作され、時には人形が小さな役割を果たしているときには1人の人形師だけが操作されます。 兵士、警備員、召使、農民、時には動物などのマイナーなキャラクターは、一人の人によって制御されます。 人形遣いは黒とマスクを着ていますが、マスターの人形遣いはしばしば顔を見せて、太夫に似たフォーマルドレスを着ています。 もちろん、このようなシステムでは、長い見習いがあります。 伝統的には、ヘッドマニピュレータの身長を仮定する前に、足に十年、左腕に十年を費やすということがあります。

人形は大きく（90センチから140センチ）、特に男性で、一度身に着けた人形の体重は4-5キロです。 切り分けられた木製の頭部は首から降りる棒の端で固定される。 ハンドグリップには、人形の顔の部分（目、口、眉毛、鼻）を動かす弦のための小さなレバーがあり、ばねとwhaleboneが動きを促進するようになっています。 中央の棒は体を形成する袋を通り、キャラクターの衣装を保持する肩を表す水平の横木があります。 人形の手足は、肩の横木に取り付けられたコードから吊り下げられています。 従って構造は軽いです。 厚い紙のストリップは、腰になるように曲線竹のストリップに肩から実行されます。 これは幹を形成する。 それぞれの手にロッドは、指の関節を可能にする、コントロールを持っています。 左腕のロッドは、それを操作するアシスタントがさらに離れているので、はるかに長いです。 足のマニピュレータは、フィギュアのかかとに取り付けられたハンドグリップを介して男性のフィギュアの足を移動しますが、彼は着物の裾を操作するだけで女性のステップをシミュレートします。 彼のstompsによってフィートのマニピュレーターは人形のために歩くか、または動くことの音を作成する。 シーンが見えるようになるために女性の足が必要な場合は、必要な瞬間に切り離された足が供給されます。 役割の必要性に適するために多かれ少なかれ洗練されている各種各様の手およびフィートがある。 付属品-剣、管、ファン、等。 -人形の着物に隠されたまま人形の手に直接保持されています。 人形の頭は、特定の文字ではなく基本的なタイプに対応しています。 彼らは性別や社会的地位によって分類されます–若い鉛、戦士、老人、若い女性、看護師など。 -と”正”と”負”の文字の間に分割されています。 いくつかの頭は壮大な効果を実行するように構築されています–悪魔の性格を示すために二つの部分に分割された顔や剣の強いスラッシュで垂直に 顔が一瞬で変身できる人形の頭があります; 例えば、美しい乙女が角と牙を持つ鬼に変わるとき。 頭は漆塗りと精巧なかつらでcoiffedされています-以前の日本では髪型はすぐに人のランクと社会的地位を示したので重要です。

レパートリー

レパートリーは基本的に元禄時代後期（1688年-1704年）または少し後の新浄瑠璃のものです。 ナレーターは、作品を作成するための専門家であった台本作家を雇った、例えば竹本義太夫（1651年-1714年）は、彼の劇場のために特別に台本を注文しました。 劇作家は劇団に所属し、特に長い歴史劇では、楽屋で場面を階層的に分割して協力していたこともあった。 驚くほど多作、偉大な著者は、数が比較的少なく、レパートリーの作成に不可欠でした。 最も優れた作品は、近松門左衛門（1653年-1724年）とその直系の後継者である武田出雲（1691年-1756年、武田（家族）参照）、並木宗介（1695年-1751年）、そして最後に人形劇の著名な劇作家のほぼ最後の近松半二（1725年-1783年）である。

歌舞伎のように、一般の人々、通常は商人や芸者の場面を与える世話物と、現代ではなく壮大な過去を慎重に設定した武士や領主の偉業を伝える時代物には区別がある。 徳川政権は、現代の武士に関する事件を描いた演劇を禁じていた。 世話物にとって重要なレパートリーは、近松門左衛門の二十四の”国内の悲劇”で構成されています。 時代物では、最も人気があり、頻繁に提示されているのは、1730年から1760年の偉大な歴史劇です。 菅原伝授手習鑑、義経千本桜、仮名手本忠臣蔵などがある。 その長さを考えると、これらの演劇はほとんどその全体で提示されていませんが、最もよく知られている行為は頻繁に上演されています。 歌舞伎のように、ダンスは主要な役割を持っています：アクションに挿入された間奏や振り付けの形で。

真の文楽一座は大阪の国立文楽劇場だけですが、淡路人形座の人形劇はそれに非常に近いスタイルです。

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