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Fabiola Carranza
La pratica di Fabiola Carranza si occupa di riformulare spazialmente il linguaggio. I progetti recenti prendono la forma di segnaletica vernacolare in spagnolo e inglese, presentandosi come opere di testo asciutte e in situ. Ma ciò che è asciutto non è necessariamente prosciugato. In un 2016 commissione arte pubblica, Sette segni, Carranza sparsi segnali stradali finto sulla base di estratti di discorso da fumetti d’epoca sul lungomare di Seattle. Queste espressioni decontestualizzate— ” ARIA!, “”AMMUTINAMENTO!, “”ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL,” tra gli altri-collocato altrimenti spunti narrativi non considerati lungo il corso di routine di un percorso turistico. Carranza ricontestualizza il linguaggio da fonti storiche che derivano dal suo approccio di ricerca alla lettura, alla scrittura e alla traduzione. “Direi che la scrittura avviene prima, o è il primo passo per concepire un progetto”, dice, ” ma l’equazione è fluida.”La poesia pronta di Carranza, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetizza le 20 possibili risposte offerte da una magica 8-Ball. Il titolo dell’opera è un cenno al precursore del giocattolo di fortuna degli anni ‘ 50, inventato da Albert C. Carter e basato su uno strumento di scrittura spirituale sviluppato dalla madre chiaroveggente durante la seconda guerra mondiale. Questa storia è distillata da Carranza in un indice di risposte opache impostato in cianotipo dai toni neri. Letto in versi, il tono non impegnativo delle risposte stock di 8-Ball espone la sua dubbia origine nell’ansia di guerra. Allo stesso tempo, il lavoro individua la natura malleabile del linguaggio per modellare la credenza, suggerendo, forse, che la verità è in definitiva una questione di convinzione e di possibilità.
Tiziana La Melia, Pagina dei Vapori (particolare), 2012. Fotocopia con inchiostro unico su copertine pergamena e inserto risograph di Ryan Smith, 42 pagine.
Tiziana La Melia
“Stavo oscillando tra concentrarmi sulla scrittura o sulle immagini, e in qualche modo sono arrivata al punto che non dovevo scegliere l’una sull’altra”, dice l’artista di Vancouver Tiziana La Melia
del suo approccio digressivo. “Scrivere non è mai stato qualcosa in cui mi sentivo particolarmente forte o bravo, ma era qualcosa che sembrava necessario per la mia sanità mentale.”È anche un’estensione del suo lavoro visivo, mostrando diversi aspetti della sua ricerca e del suo processo di pensiero. La scrittura di La Melia mescola corrispondenza, intimità e incantesimi nel tentativo di comprendere meglio desideri e lamentele. Nice Poem (2017) fa uno studio indicizzato sull’adulazione, la strumentalizzazione sociale e il femminismo liberale; spiega che “questi lavori sono stati molto diretti ed emotivi, e documentano piccoli casi di violenza strutturale, secondi fini, narcisismo e così via.”Accanto a una mostra del 2012 all’Exercise di Vancouver, La Melia ha inaugurato Page of Vapours, una pubblicazione il cui titolo prende in prestito un termine arcaico per malinconia femminile. “Ho raccolto la scrittura che viene prodotta o prende forma in modi necessariamente digressivi. Dilatando dentro e fuori fuoco.”Ai suoi collaboratori sono stati dati due suggerimenti: una parafrasi di W. G. Sebald, “Quando rilasci un cane in un campo, non va mai in linea retta”, e un non sequitur in un sogno che Freud ricordava male: “Sono nutrito con bocconcini di torta, fragole e cucchiai di porridge.”Anche un pittore, La Melia ha vinto il 2014 RBC Canadian Painting Competition. Lei è ora corralling contributi per Pagina di Vapori 2 e la preparazione di un libro di poesie con Talon Books.
Juli Maier, Gamba (dettaglio), 2017. Fumetto. Per gentile concessione DDOOGG.
Juli Majer
I fumetti di Juli Majer possono introdurre i lettori ad altre forme di vita e altri mondi, ma lei non sta fornendo evasione. “Non sono così interessato alle utopie”, dice Majer. Mentre il viaggio intergalattico è grandioso, le narrazioni sfumate di Majer sono interessate ai dettagli pragmatici di questi altri mondi. “Quali sono le vite quotidiane dei personaggi in altri mondi? Cosa viene normalizzato su altri pianeti?”Le sue domande pratiche riguardano in ultima analisi il modo in cui si forma un soggetto sociale. Questa curiosità l’ha costretta a iniziare a sviluppare un sistema educativo per la società ritratta in Leg (2017), pubblicato da DDOOGG, una piccola stampa che gestisce a Vancouver con Tylor Macmillan e Cristian Hernandez. Mentre ci sono correnti di antropologia speculativa nel suo lavoro, le narrazioni di Majer sono anche occupate da come possiamo meditare sulle relazioni personali. Gli esseri umani hanno lasciato questo pianeta per guardarlo dallo spazio nel tentativo di misurarlo e capirlo; Majer dice che “le persone sono proprio come i pianeti, possiamo studiarli, provare a comunicare con loro, ma non capiremo mai veramente cosa sta succedendo.”E, per lei, l’inconoscibilità delle persone come pianeti può essere liberatoria se consideriamo come questo estende la possibilità di espressione. “L’editoria crea spazio personale e mi permette di entrare in contatto con narrazioni che sono genuine e oneste per me stesso”, dice. “Si approfondisce un buco, e rende uno spazio più grande.”
Gabi Dao, rannicchiata in una spirale, 2017. Polistirene lavorato a CNC, resina, stucco per legno, mica, pigmenti e argille naturali. Dimensioni variabili.
Cortesia Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
Vancouver artista Gabi Dao scrive di impegnarsi con il contesto sociale che informa la sua pratica artistica. Scrivendo di musica, valuta le condizioni contemporanee della sua circolazione, compresi gli individui e le identità, coinvolti e articolati dall’industria musicale e dalle piattaforme dei media. “La maggior parte della scrittura musicale serve a rigurgitare l’esperienza della musica,
ma non parla mai direttamente delle circostanze sottostanti in cui la musica è stata prodotta”, mi ha detto. In Whitney Houston, et al., una recente raccolta di saggi sulla musica popolare a cura di Casey Wei, Dao scrive su M. I. A. attraverso la lente di Trinh T. Minh-ha e Hito Steyerl. Ha anche scritto about A Fantasy in Surrey, un album composto da Ellis Sam (Same Same) interamente nella Surrey Public Library. “Per me, scrivere era il modo più diretto per mettere insieme queste cose nebulose al fine di dare una certa visibilità a Ellis e al suo lavoro, in cui credo davvero.”Come residente al Fronte occidentale di Vancouver, ha lanciato una serie di podcast chiamata Here Nor There. Lo considera un esperimento di pubblicazione orale che incoraggia conversazioni sul sound design e la musica tra artisti, scrittori e produttori. “Era il mio modo di dire: ‘Guarda, non tutta l’arte vive in una galleria, non tutta l’arte è fatta in uno studio'”, spiega Dao. “Perché continuiamo a privilegiare questi spazi?”Divide regolarmente il tempo che normalmente sarebbe dedicato alla sua pratica scultorea per lavorare su progetti discorsivi, sottolineando un cambiamento in ciò che rende un artista ricettivo, agile e presente nel proprio lavoro e nella comunità artistica. “Non è sufficiente esercitarsi nel mio studio.”
Stacey Ho e Julia Aoki, Come scavare una buca, 2015. Performance, 15 minuti.
Stacey Ho
Non molto tempo fa, l’artista e scrittore di Vancouver Stacey Ho stava leggendo di grass: “descrive l’erba come primi colonizzatori, che il mio cervello stava sfogliando in una metafora anti-coloniale: l’erba come un “rimedio precoce” dell’impatto che gli umani hanno avuto sulla terra, un umile guaritore.”Quel gioco sull’erba che esige la retribuzione per l’interferenza umana nel mondo naturale è stato un buon auspicio per Ho, i cui lavori recenti prendono la forma di performance basate sulla conversazione progettate per allungare la risonanza interpretativa del linguaggio. In Bird is Bird (2016), Ho ha ospitato conversazioni in tedesco che hanno chiesto ai partecipanti se parlavano uccello, viola, verde o pietra. How to Dig a Hole (2015), un testo collaborativo e una lezione performativa con Julia Aoki, ha ampliato la geometria di un buco per raccontare una storia attraverso la scrittura di forme. “Attraversa una storia per arrivare a un’altra, per trovare un’altra tangente che forma una forma invisibile”, scrive Ho. Lo scorso inverno, la Capilano Review ha pubblicato il racconto di Ho “Green House”, dove il suo motivo di erba ha finalmente trovato il suo posto. La storia ritrae l’oscillazione tra la vita quotidiana mondana di Marlene che si prende cura del marito malato e la sua relazione con un fuggitivo sessualmente assertivo ma premuroso, Al. La scrittura di Ho evoca lo scenario familiare di un ristorante lungo la strada o di uno spazio domestico pieno di piante con una precisione cinematografica nei dettagli, specialmente nell’inquadratura dei corpi. Tuttavia, “Green House” è anche condito con realismo magico. Le immagini di Ho rappresentano il modo in cui i corpi umani sono influenzati in modo uniforme dalle forze della natura e della supernatura, e il peso dell’interfacciamento con il non familiare.
Sharona Franklin, Missing WoMans, 2016. Filo di lana, acrilico, legno e cotone, 1,49 x 1,18 m. Courtesy / Photo: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
L’artista di Vancouver Sharona Franklin utilizza il vocabolario della burocrazia e della biotecnologia per articolare l’esperienza vissuta di un corpo modellato da queste forze. “La cosa della biotecnologia è che dovrebbe interessare a tutti”, spiega. “L’idea che siamo separati dal mondo chimico non ha senso.”Franklin 2016 book Rental Bod è un accumulo di foto di telefoni cellulari e schizzi di tablet, immagini raccolte, inchiostro sumi-e e disegni Sharpie, scansioni digitali con note di iPhone e scansioni di testo dipinto. “Lavoro per far circolare mitologie personali di biomedicina, genere, botanica e sistemi retorici, teologici e burocratici”, dice. Per Franklin, le anatomie di questo libro possono essere lette come analoghe a un corpo: molte parti formano un tutto e le immagini possono essere un guscio esterno mentre le parole scorrono sotto le immagini per energizzare le immagini. È una strategia che si sforza di far progredire l’accessibilità e la comprensione in modi olistici che si ripiega nella sua vita di donna con disabilità: “Vorrei che le mie idee e la mia scrittura si distinguessero dal fatto che ho una disabilità”, dice, “ma anche riconoscere l’influenza delle mie esperienze all’interno di questi sistemi e quanto possa essere alienante la disabilità per le donne.”Franklin registra spesso le sue opere in prosa per ipovedenti e spera di tradurle in Braille.
Alexandra Bischoff, Rereading Room: The Vancouver Women’s Bookstore (1973-1996) (dettaglio), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
La scorsa estate, Alexandra Bischoff ha portato alla luce il primo catalogo di inventario della libreria femminile di Vancouver. Un punto focale della rete femminista della città quando ha aperto nel 1973, la libreria è sopravvissuto a tre effrazioni, un bombardamento e due delocalizzazioni, poi chiuso nel 1996. Per Rereading Room (2016-18), Bischoff riassembla il magazzino originale del negozio il più possibile, creando una storia vivente per artisti e attivisti da occupare e reinterpretare. Una dichiarazione sull’ultima pagina del catalogo del progetto recita: “fare questo catalogo è stato terribile, tho ho ottenuto / più lettura fatto rispetto agli ultimi 2 anni: / lettura a letto sul WATER a tavola sul bus. / lavorato tratti folli di tempo, / sopravvivere sui biscotti & yogurt & verde / zuppa di piselli uovswirl con scarafaggi in esso. / non dormiva se non occasionalmente, sui pavimenti della gente, rannicchiata nelle borse / sotto i miei occhi. / il mio nome è jeannine mitchell & non vorrei / sogno di dimenticare di scroccare qualunque cosa / credito posso fuori questa dannata cosa. prometto / non farlo mai più.”Il passaggio è stato formativo per Bischoff nel pensare alla lettura come un esercizio di resistenza piuttosto che di piacere, e come testo come palcoscenico per la performance. Bischoff sta attualmente ricercando la vita di Joanna Hiffernan-in gran parte nota per aver respinto Whistler dopo aver posato per L’Origine du monde di Courbet (1866)—per una performance di durata che sovverte la stretta comprensione del modello e della musa. È un atto di ricordo incarnato che rivela un’intimità testuale profondamente sentita alla ricerca. “C’è una tenerezza che sento”, dice del progetto. “Non è necessariamente nostalgia, ma conservazione per qualcosa che prima era invisibile.”
Byron Peters e Tyler Coburn, Resonator< / em (dettaglio), 2016-17. File zip, da asporto e diagrammi, dimensioni variabili.
Byron Peters
Byron Peters afferma di essere uno scrittore lento. Non a causa della sua velocità di scrittura letterale, ma perché la sua scrittura spesso emerge da una prolungata indagine collaborativa, o “esperimento mentale.”Un sacco di progetti di scrittura che ho lavorato su sono collaborazioni che a volte si svolgono nel corso degli anni,” dice Peters, che lavora a Vancouver. Resonator (2016-17), un progetto in più parti con Tyler Coburn, si basa su un aneddoto su Nikola Tesla che quasi distrugge un edificio parzialmente costruito mentre prova la sua macchina per il terremoto a Wall Street. Nel corso di una lunga corrispondenza e-mail, Peters e Coburn hanno generato un file zip contenente immagini correlate, canzoni, GIF e due testi: una poesia innestata sugli schemi per un computer di trading ad alta velocità e una breve storia. La storia, che è stata esposta come una pila di manifesti gratuiti in “The House of Dust d’Alison Knowles” alla Darling Foundry di Montreal la scorsa estate, ritrae un laboratorio in una fabbrica che produce frequenze di risonanza che causano i lavoratori a svenire e avere visioni. Durante la mostra, il file zip degli artisti è stato anche allegato alla newsletter della galleria, spammando efficacemente il listserv del museo con le loro opere d’arte. Resonator è un lavoro che si contrae e si espande in molti termini: decomprimere anni di dialogo in un file zip, decomprimere un allegato e-mail, raccogliendo un poster in una galleria, la lettura di un racconto. Circola come un multiplo polimorfo-facilmente condiviso, e quindi difficile da censurare.
Anahita Jamali Rad, questa è una mappa, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad vuole distruggere il capitalismo, quindi perché ha iniziato una linea di abbigliamento? La paura dell’intimità è una forma ibrida di editoria, abbigliamento e arte pubblica. Riemerge una domanda centrale dal suo libro di poesia del 2016, Per amore e autonomia: cosa significa ritagliarsi la sovranità sotto il tardo capitalismo? Nel timore dell’intimità, gli acronimi “STFU” e “FTP” risiedono dove un logo sarebbe normalmente blasonato su un paio di calzini sportivi. Una maglietta recita: “non sei mio amico— – un rifiuto di gonfiare la valuta della cordialità trafficata sui social media. Se il testo morde e le dichiarazioni si registrano come monelli o indignati, potrebbe essere perché non sei al corrente dell’alienazione che ci vede, delle contraddizioni tra principi politici e sopravvivenza economica, e dell’estensione della solidarietà in ogni atto di espressione. “Si tratta di rendere esplicito che questo è ciò che il capitalismo, l’imperialismo, il colonialismo, la supremazia bianca, il sessismo, ecc., ci fanno sentire, quindi cerchiamo di trovare l” altro e relazionarsi, sentire un po “meglio in modo che possiamo effettivamente fare qualcosa al riguardo,” spiega Jamali Rad, che è nato in Iran e ora vive a Montreal. L’abbigliamento dà a chi lo indossa un modo per nascondere il loro malcontento in bella vista, ma ci dà anche la possibilità di individuare l’un l’altro. “A meno che tu non sia completamente fuori dalla griglia, non c’è modo di non essere mercificato. E io non sono proprio il tipo fuori dalla griglia. Mi piace stare con altre persone”, dice. Come scrive sulla prima pagina di Per Amore e autonomia, “‘ Io ‘è sempre necessariamente un’ noi.”Jamali Rad è tanto eloquente quanto tattica nel suo invito a commiserare insieme—sia attraverso la poesia o una dolce maglietta.
Casey Wei, AK002 hazy-x.o. Virgo Ox, 2016. Cassetta e chapbook (con rumore rosa da caffè istantaneo).
Casey Wei
Casey Wei è una donna rinascimentale. Ha suonato nelle band Late Spring e hazy, curata per l’art rock? serie di concerti, diretto un video musicale per Destroyer come Karen Zolo, gestito il Karaoke Music Video Maker Free Store, e lei gestisce la musica e stampati etichetta Agony Klub. Ma come lei mi ha detto, ” Tutto quello che faccio viene dalla mia scrittura.”Agony Klub prende il nome da un casinò sotterraneo da un romanzo di Raymond Chandler. La ” K ” è un riferimento incorporato al regista Rainer Werner Fassbinder, e nella sua forma abbreviata, AK richiama anche il documentario di Chris Marker su Akira Kurosawa. Questo assortimento di gusti personali nel cinema e nella letteratura espone una costruzione di significato che assomiglia più a un’opera d’arte che a un mandato per un editore o un editore. Come artista, Wei non scrive per pubblicare ma per articolare come e perché le parole si accumulano da impulsi organici. Nel dicembre 2017, ha pubblicato un libro di meditazioni sul regista Yasujiro Ozu, Ozu’s Seasons, con Blank Cheque Press, che ha letto insieme a una proiezione di Ozu’s Floating Weeds presso Spare Room a Vancouver. “Quando ho visto il mio primo film di Ozu, mi ha portato all’idea della ‘sintassi’ dei suoi film, quella fissazione sul linguaggio, sulla struttura, sulla grammatica di qualcosa”, dice Wei. “Non penso a quello che faccio in termini di ‘testi.”Assegniamo narrativa a tutto, è nella nostra natura cercare modelli.”
Questo post è adattato dall’articolo “Text-Based”, generosamente supportato da RBC nel numero di primavera 2018 di Canadian Art. RBC è appassionatamente impegnata a sostenere artisti emergenti in tutto il Canada e a livello internazionale, ed è orgogliosa di collaborare con Canadian Art in questa serie Spotlight.