royaal ondersteund door RBC
Fabiola Carranza
Fabiola Carranza ‘ s praktijk houdt zich bezig met het ruimtelijk herkaderen van taal. Recente projecten hebben de vorm van lokale bewegwijzering in het Spaans en Engels, die zich presenteren als droge, in situ tekstwerken. Maar wat droog is, is niet per se opgedroogd. In een 2016 public art commission, Seven Signs, Carranza verspreid mock verkeersborden op basis van spraak fragmenten uit vintage stripboeken op de Seattle waterfront. Deze gedecontextualiseerde uitingen – ” lucht!”Muiterij!, “”ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL,” onder andere-geplaatst anders onbewogen narratieve aanwijzingen langs de routinekoers van een toeristisch pad. Carranza recontextualiseert taal uit historische bronnen die voortkomen uit haar onderzoeksaanpak van lezen, schrijven en vertalen. “Ik zou zeggen dat het schrijven gebeurt eerst, of is de eerste stap in het bedenken van een project, “zegt ze,” maar de vergelijking is vloeibaar.”Carranza’ s kant-en-klare gedicht, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetiseert de 20 mogelijke antwoorden aangeboden door een magische 8-Ball. De titel van het werk is een knipoog naar de voorloper van fortuinetelling toy uit de jaren 50, uitgevonden door Albert C. Carter en gebaseerd op een spirit-writing instrument ontwikkeld door zijn helderziende moeder tijdens de Tweede Wereldoorlog. Deze geschiedenis wordt gedestilleerd door Carranza in een index van ondoorzichtige reacties ingesteld in zwart-Getinte cyanotype. Lees in vers, de vrijblijvende toon van de 8-Ball ‘ s stock answers onthult zijn dubieuze oorsprong in oorlogstijd angst. Tegelijkertijd wijst het werk op de kneedbare aard van taal om het geloof vorm te geven, wat misschien suggereert dat waarheid uiteindelijk zowel een kwestie van overtuiging als van toeval is.
Tiziana La Melia, Page of Vapours (detail), 2012. Fotokopie met unieke inkt op perkament covers en risograph insert door Ryan Smith, 42 pagina ‘ s.
Tiziana La Melia
“I was been oscillating between focusing on writing or visuals, and somehow arrived at the point that I didn’ t have to choose one about the other, ” says Vancouver artiest Tiziana La Melia
of her digressive approach. “Schrijven was nooit iets waar ik me bijzonder sterk of goed in voelde, maar het was iets dat nodig voelde voor mijn geestelijke gezondheid.”Het is ook een uitbreiding van haar visuele werk, waarin verschillende aspecten van haar onderzoek en denkproces worden weergegeven. La Melia ‘ s schrijven combineert correspondentie, intimiteit en bezweringen in een poging om verlangens en klachten beter te begrijpen. Nice Poem (2017) maakt een indexische studie van vleierij, sociale instrumentalisatie en liberaal feminisme; ze legt uit dat “deze werken zeer direct en emotioneel zijn geweest, en documenteren kleine gevallen van structureel geweld, bijbedoelingen, narcisme en ga zo maar door.”Naast een 2012 show op oefening in Vancouver, La Melia ingehuldigd Page of Vapours, een publicatie waarvan de titel leent een archaïsche term voor vrouwelijke melancholie. “Ik verzamelde schrijven dat is geproduceerd of neemt vorm in noodzakelijkerwijs digressieve manieren. Verwijden in en uit focus.”Haar medewerkers kregen twee vragen: een parafrase van W. G. Sebald,” When you release a dog into a field, it never goes in a straight line, “en een non sequitur in a dream that Freud misembered:” I am fed hapjes of cake, strawberries and lepels of pap. La Melia won in 2014 de RBC Canadian Painting Competition. Ze verzamelt nu bijdragen voor Page of Vapours 2 en bereidt een dichtbundel voor met Talon Books.
Juli Maier, Leg (detail), 2017. Stripboek. Met dank aan DDOOGG.Juli Majer
Juli Majer ‘ s strips kunnen lezers kennis laten maken met andere levensvormen en andere werelden, maar ze levert geen escapisme. “Ik ben niet zo geïnteresseerd in utopieën”, zegt Majer. Hoewel intergalactisch reizen grandioos is, zijn Majers genuanceerde verhalen geïnteresseerd in de pragmatische details van deze andere werelden. “Wat zijn de dagelijkse levens van de personages in andere werelden? Wat wordt genormaliseerd op andere planeten?”Haar praktische vragen gaan uiteindelijk over hoe een sociaal onderwerp wordt gevormd. Deze nieuwsgierigheid dwong haar om te beginnen met het ontwikkelen van een onderwijssysteem voor de samenleving geportretteerd in Leg (2017), die werd gepubliceerd door DDOOGG, een kleine pers ze loopt in Vancouver met Tylor Macmillan en Cristian Hernandez. Terwijl er stromingen van speculatieve antropologie in haar werk, Majer ‘ s verhalen zijn ook bezig met hoe we kunnen mediteren op persoonlijke relaties. Mensen hebben deze planeet verlaten om er vanuit de ruimte naar te kijken in een poging om het te meten en te begrijpen; Majer zegt dat “mensen zijn net als planeten, we kunnen ze bestuderen, proberen met ze te communiceren, maar we zullen nooit echt begrijpen wat er aan de hand is.”En voor haar kan de onbekendheid van mensen-als-planeten bevrijdend zijn als we bedenken hoe dit de mogelijkheid van expressie vergroot. “Publiceren creëert persoonlijke ruimte en stelt me in staat om in contact te komen met verhalen die oprecht en eerlijk voor mezelf zijn”, zegt ze. “Het verdiept een gat, en maakt een ruimte groter.”
Gabi Dao, opgerold in een spiraal, 2017. CNC-gefreesd polystyreen, hars, houtvuller, micas, pigmenten en natuurlijke klei. Afmetingen variabel.
Met Dank Aan Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
Vancouver kunstenaar Gabi Dao schrijft om zich te engageren met de sociale context die haar kunstpraktijk informeert. In haar schrijven over muziek beoordeelt ze de hedendaagse omstandigheden van haar circulatie, met inbegrip van de individuen en identiteiten, betrokken bij en gearticuleerd door de muziekindustrie en mediaplatforms. “De meeste muziekschrijven dient om de ervaring van de muziek,
op te blazen, maar het spreekt nooit direct over de onderliggende omstandigheden waarin de muziek werd geproduceerd,” vertelde ze me. In Whitney Houston, et al., een recente verzameling van essays over populaire muziek bewerkt door Casey Wei, Dao schrijft over M. I. A. door de lens van Trinh T. Minh-ha en Hito Steyerl. Ze heeft ook geschreven over een fantasie in Surrey, een album gecomponeerd door Ellis Sam (Same Same) volledig in de Openbare Bibliotheek van Surrey. “Voor mij was schrijven de meest directe manier om deze nevelige dingen aan elkaar te knopen om Ellis en zijn werk wat zichtbaarheid te geven, waar ik echt in geloof.”Als resident aan het westelijk Front van Vancouver lanceerde ze een podcast-serie genaamd Here Nor There. Ze beschouwt het als een experiment in mondelinge publicatie dat gesprekken over geluidsontwerp en muziek tussen kunstenaars, schrijvers en producenten aanmoedigt. “Het was mijn manier om te zeggen: ‘Kijk, niet alle kunst leeft in een galerie, niet alle kunst wordt in een atelier gemaakt’, legt Dao uit. “Waarom blijven we deze ruimtes bevoorrechten?”Ze verdeelt regelmatig tijd die normaal gesproken aan haar sculpturale praktijk wordt gewijd om aan discursieve projecten te werken, waarbij ze een verschuiving onderstreept in wat een kunstenaar ontvankelijk, wendbaar en aanwezig maakt in zijn werk en artistieke gemeenschap. “Het is niet genoeg om alleen in mijn studio te oefenen.”
Stacey Ho en Julia Aoki, How to Dig a Hole, 2015. Optreden, 15 minuten.
Stacey Ho
niet zo lang geleden las Stacey Ho over gras: “beschrijft gras als vroege kolonisatoren, die mijn hersenen was flipping rond in een anti-koloniale metafoor-gras als een ‘vroege remediator’ van de impact die mensen hebben gehad op het land, een nederige genezer.”Dat spel op gras veeleisende vergelding voor menselijke inmenging in de natuurlijke wereld was een gunstige lead voor Ho, wiens recente werken in de vorm van conversatie gebaseerde optredens ontworpen om de interpretatieve resonantie van taal te rekken. In Bird is Bird (2016), Ho gehost gesprekken in het Duits die deelnemers vroeg of ze spraken vogel, paars, groen of steen. How to Dig a Hole (2015), een gezamenlijke tekst en performatieve lezing met Julia Aoki, breidde de geometrie van een gat uit om een verhaal te vertellen door het schrijven van vormen. “Val door het ene verhaal om bij het andere te komen, om een andere raaklijn te vinden die een onzichtbare vorm vormt,” schrijft Ho. Afgelopen winter publiceerde de Capilano Review Ho ‘ s korte verhaal “Green House”, waar haar gras motief uiteindelijk zijn plaats vond. Het verhaal portretteert de oscillatie tussen Marlene ‘ s alledaagse leven de zorg voor haar zieke man en haar relatie met een seksueel assertieve maar zorgzame voortvluchtige, Al. Ho ‘ s schrijven roept het vertrouwde landschap van een wegrestaurant of een met planten beladen huiselijke ruimte op met een filmische precisie voor detail, vooral in het kader van lichamen. “Green House” is echter ook doordrenkt met magisch realisme. Ho ‘ s beeldspraak representeert hoe menselijke lichamen gelijkmatig worden beïnvloed door de krachten van de natuur en de bovennatuurlijke, en het gewicht van de interactie met het onbekende.
Sharona Franklin, Missing WoMans, 2016. Draad van wol, acryl, hout en katoen, 1.49 x 1.18 m. Courtesy / foto: Hyoin Bae.Sharona Franklin
de kunstenaar van Vancouver Sharona Franklin gebruikt de woordenschat van bureaucratie en biotechnologie om de geleefde ervaring van een lichaam gevormd door deze krachten te verwoorden. “Het ding over biotechnologie is dat het voor iedereen belangrijk moet zijn”, legt ze uit. “Het idee dat we gescheiden zijn van de chemische wereld heeft geen zin.”Franklin’ s 2016 boek verhuur Bod is een accumulatie van mobiele telefoon foto ‘ s en tablet schetsen, verzamelde beelden, sumi-e inkt en Sharpie tekeningen, digitale scans met iPhone notities en scans van geschilderde tekst. “Ik werk aan de verspreiding van persoonlijke mythologieën van biomedische, gender, plantkunde en retorische, theologische en bureaucratische systemen,” zegt ze. Voor Franklin kunnen de anatomieën van dit boek worden gelezen als analoog aan een lichaam: veel delen maken een geheel en beelden kunnen een buitenste schil zijn, terwijl de woorden onder de beelden lopen om de visuals te activeren. Het is een strategie die streeft naar het bevorderen van toegankelijkheid en begrip op holistische manieren die vouwt in haar leven als een vrouw met een handicap: “Ik zou graag willen dat mijn eigen ideeën en schrijven op zichzelf staan van het feit dat ik een handicap heb,” zegt ze, “maar ook om de invloed van mijn eigen ervaringen binnen deze systemen te erkennen, en hoe vervreemdend handicap kan zijn voor vrouwen.”Franklin registreert vaak haar prozawerken voor visueel gehandicapten en hoopt ze te laten vertalen in Braille.
Alexandra Bischoff, Herleading Room: The Vancouver Women ‘ s Bookstore (1973-1996) (detail), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.Alexandra Bischoff
afgelopen zomer vond Alexandra Bischoff de eerste inventariscatalogus van de Vancouver Women ‘ s Bookstore. Een centraal punt van het feministische netwerk van de stad toen het in 1973 werd geopend, overleefde de boekwinkel drie inbraken, een brandbom en twee verhuizingen, waarna het in 1996 werd gesloten. Voor Herleading Room (2016-18) brengt Bischoff de originele voorraad van de winkel zo dicht mogelijk bij elkaar, waardoor kunstenaars en activisten een levende geschiedenis kunnen bezetten en herinterpreteren. Een verklaring op de laatste pagina van de projectcatalogus luidt:: “het doen van deze catalogus was verschrikkelijk, tho ik kreeg / meer lezen gedaan dan in de afgelopen 2 jaar: / lezen in bed op toilet aan tafel op de bus. / werkte krankzinnige stukken van de tijd, / overleven op koekjes & yoghurt & groene / erwten eierdril soep met kakkerlakken erin. ik sliep niet, behalve af en toe, op de vloer van mensen, opgerold in de zakken onder mijn ogen. mijn naam is jeannine mitchell ik zou er niet van dromen om alles te vergeten wat ik kan verdienen met dit verdomde ding. ik beloof het nooit meer te doen.”De passage was voor Bischoff formatief in het denken van lezen als een oefening in uithoudingsvermogen in plaats van plezier, en als tekst als een podium voor de uitvoering. Bischoff doet momenteel onderzoek naar het leven van Joanna Hiffernan—vooral bekend om het afwijzen van Whistler na het poseren voor Courbet ‘S L’ Origine du monde (1866)—voor een duurzame performance die het beperkte begrip van model en muze ondermijnt. Het is een daad van belichaamde herinnering die een diep gevoelde tekstuele intimiteit aan onderzoek onthult. “Er is een tederheid die ik voel”, zegt ze over het project. “Het is niet noodzakelijk nostalgie, maar behoud voor iets dat voorheen onzichtbaar was.”
Byron Peters and Tyler Coburn, Resonator< / em (detail), 2016-17. Zip-bestand, afhaalmaaltijden en diagrammen, variabele afmetingen.
Byron Peters
Byron Peters beweert een traag schrijver te zijn. Niet vanwege zijn letterlijke schrijfsnelheid, maar omdat zijn schrijven vaak voortkomt uit een langdurig gezamenlijk onderzoek, of “thought experiment.”Veel van de schrijfprojecten waar ik aan heb gewerkt, zijn samenwerkingen die zich soms over jaren ontvouwen”, zegt Peters, die in Vancouver werkt. Resonator (2016-17), een meerdelig project met Tyler Coburn, is gebaseerd op een anekdote over Nikola Tesla die bijna een gedeeltelijk gebouwd gebouw vernietigde tijdens het testen van zijn aardbevingsmachine op Wall Street. Gedurende een lange e-mail correspondentie, genereerden Peters en Coburn een zip-bestand met gerelateerde afbeeldingen, liedjes, GIF ’s en twee teksten: een gedicht geënt over de schema’ s voor een highspeed trading computer en een kort verhaal. Het verhaal, dat vorige zomer werd tentoongesteld als een stapel gratis posters in “the House of Dust d ‘Alison Knowles” bij Darling Foundry in Montreal, portretteert een werkkamer in een fabriek die resonantiefrequenties produceert waardoor werknemers flauwvallen en visioenen krijgen. Tijdens de tentoonstelling werd ook het zip-bestand van de kunstenaars toegevoegd aan de nieuwsbrief van de galerie, waardoor de listserv van het museum met hun kunstwerk werd gespamd. Resonator is een werk dat samentrekt en breidt op vele voorwaarden: decomprimeren van jaren van dialoog in een zip-bestand, het uitpakken van een e-mailbijlage, het oppakken van een poster in een galerij, het lezen van een kort verhaal. Het circuleert als een polymorfe veelvoud-gemakkelijk gedeeld, en daarom moeilijk te censureren.
Anahita Jamali Rad, dit is een kaart, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad wil het kapitalisme vernietigen, dus waarom is ze een kledinglijn begonnen? Angst voor intimiteit is een hybride vorm van publiceren, Kleding en publieke kunst. Het duikt een centrale vraag op uit haar poëzieboek uit 2016, For Love and Autonomy: wat betekent het om onder het laatkapitalisme soevereiniteit af te snijden? In angst voor intimiteit, de acroniemen “STFU” en “FTP” wonen waar een logo normaal zou worden versierd op een paar sport sokken. Een T-shirt leest, ” je bent niet mijn vriend—- een weigering om de munt van vriendelijkheid verhandelde op sociale media op te blazen. Als de tekst bijt en de verklaringen zich als grof of verontwaardigd registreren, kan dat zijn omdat je niet op de hoogte bent van de vervreemding die ons verschroeit, de tegenstellingen tussen politieke principes en economisch overleven, en de uitbreiding van solidariteit in elke daad van expressie. “Het gaat om het expliciet maken dat dit is wat kapitalisme, imperialisme, kolonialisme, blanke suprematie, seksisme, enz., laten we ons voelen, laten we elkaar vinden en relateren, ons een beetje beter voelen, zodat we er echt iets aan kunnen doen, ” legt Jamali Rad uit, die in Iran is geboren en nu in Montreal woont. De kleding geeft de drager een manier om hun ontevredenheid in het zicht te verbergen, maar geeft ons ook de mogelijkheid om elkaar te herkennen. “Tenzij je volledig uit het zicht bent, is er geen manier waarop je niet wordt commodified. En ik ben niet echt het off-the-grid type. Ik vind het leuk om bij andere mensen te zijn, ” zegt ze. Zoals ze schrijft op de eerste pagina van For Love and Autonomy, “‘ik’ is altijd noodzakelijk een ‘wij.”Jamali Rad is net zo welsprekend als tactisch in haar uitnodiging om samen te medelijden—of het nu door middel van poëzie of een lief t-shirt.
Casey Wei, AK002 hazy-x. o. Virgo Ox, 2016. Cassette tape en chapbook (met roze ruis door Instant Koffie).Casey Wei is een vrouw uit de Renaissance. Ze heeft gespeeld in de bands Late Spring en hazy, samengesteld voor de art rock? concert series, regisseerde een videoclip voor Destroyer als Karen Zolo, exploiteerde de Karaoke Music Video Maker Free Store, en ze runt de muziek en drukwerk label Agony Klub. Maar zoals ze me vertelde, ” alles wat ik doe komt van mijn schrijven. Agony Klub is vernoemd naar een ondergronds casino uit Een roman van Raymond Chandler. De ” K ” is een ingebedde verwijzing naar filmmaker Rainer Werner Fassbinder, en in zijn verkorte vorm roept AK ook Chris markers documentaire op over Akira Kurosawa. Dit assortiment van persoonlijke smaken in film en literatuur legt een constructie van betekenis bloot die meer lijkt op een kunstwerk dan een mandaat voor een redacteur of uitgever. Als kunstenaar schrijft Wei niet om te publiceren, maar om te articuleren hoe en waarom woorden opstapelen van organische impulsen. In December 2017 publiceerde ze een boek met meditaties over filmmaker Yasujiro Ozu, Ozu ’s Seasons, Met blanco Cheque Press, dat ze Las naast een vertoning van Ozu’ s Floating onkruid in Spare Room in Vancouver. “Toen ik mijn eerste Ozu-film zag, kwam ik bij het idee van de ‘syntaxis’ van zijn films, die fixatie op taal, structuur, de grammatica van iets, ” zegt Wei. “Ik denk niet aan wat ik doe in termen van ’teksten.’We kennen verhaal toe aan alles, het ligt in onze natuur om patronen te zoeken.”
dit bericht is gebaseerd op het hoofdartikel “Text-Based”, genereus ondersteund door RBC in het voorjaar 2018 nummer van Canadian Art. RBC is gepassioneerd toegewijd aan het ondersteunen van opkomende kunstenaars in Canada en internationaal, en is trots om samen te werken met Canadian Art op deze Spotlight serie.