Sjenerøst støttet AV RBC
Fabiola Carranza
Fabiola Carranza praksis er opptatt av romlig reframing språk. Nyere prosjekter tar form av dialekt skilting på spansk og engelsk, presentere seg som tørr, in situ tekstverk. Men det som er tørt, er ikke nødvendigvis tørket opp. I en 2016 offentlig kunstkommisjon, Syv Tegn, spredte Carranza mock trafikkskilt basert på taleutdrag fra vintage tegneserier på Seattle waterfront. Disse dekontekstualiserte uttalelsene— » LUFT!»MYTTERI!, «»ES UN IDIOMA MUY DIFÍ,» blant andre-plassert ellers ubesvarte fortellende signaler langs rutinemessig løpet av en turiststi. Carranza recontextualizes språk fra historiske kilder som stammer fra hennes forskning tilnærming til lesing, skriving og oversette. «Jeg vil si at skrivingen skjer først, eller er det første trinnet i å tenke på et prosjekt,» sier hun, «men ligningen er flytende.»Carranzas ferdige dikt, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetiserer de 20 mulige svarene som tilbys Av En Magisk 8-Ball. Verkets tittel er et nikk til 1950-tallets fortunetelling toys forløper, oppfunnet Av Albert C. Carter og basert på et åndsskriverinstrument utviklet av sin clairvoyant mor under Andre Verdenskrig. Denne historien er destillert Av Carranza i en indeks av ugjennomsiktig svar satt i svart-tonet cyanotype. Les i vers, den uforpliktende tonen i 8-Ballens aksjesvar avslører sin tvilsomme opprinnelse i krigstidsangst. Samtidig peker arbeidet på språkets formbare natur for å forme tro, noe som tyder på at sannheten til slutt er et spørsmål om både overbevisning og sjanse.
Tiziana La Melia, Side Av Damp (detalj), 2012. Fotokopi med unikt blekk på pergamentdeksler og risografinnsats Av Ryan Smith, 42 sider.
Tiziana La Melia
«jeg hadde svingt mellom å fokusere på skriving eller visualer, og på en eller annen måte kommet til det punktet at jeg ikke måtte velge den ene over den andre,» sier Vancouver-kunstneren Tiziana La Melia
av hennes digressive tilnærming. «Skriving var aldri noe jeg følte meg spesielt sterk eller god til, men det var noe som føltes nødvendig for min sunnhet.»Det er også en forlengelse av hennes visuelle arbeid, og viser ulike aspekter av hennes forskning og tankeprosess. La Melias skriving blander korrespondanse, intimitet og besvergelser i et forsøk på å bedre forstå begjær og gripes. Nice Poem (2017) gjør en indeksisk studie av smiger, sosial instrumentalisering og liberal feminisme; hun forklarer at » disse verkene har vært veldig direkte og emosjonelle, og dokumenterer små tilfeller av strukturell vold, baktanker, narsissisme og så videre.»Ved siden av et 2012-show på Exercise I Vancouver, la Melia innviet Page Of Vapours, en publikasjon hvis tittel låner et arkaisk begrep for feminin melankoli. «Jeg samlet skriving som er produsert eller tar form på nødvendigvis digressive måter. Inn og ut av fokus. Hennes bidragsytere fikk to spørsmål: En parafrase Av W. G. Sebald, «Når du slipper en hund inn i et felt, går det aldri i en rett linje», og en ikke-sequitur i en drøm Som Freud misremembered: «jeg er matet kaker, jordbær og skjeer med grøt.»Også en maler, La Melia vant 2014 Rbc Canadian Painting Competition. Hun er nå corralling bidrag Til Page Of Vapours 2 og forbereder en bok av poesi Med Talon Books.
Juli Maier, Etappe (detalj), 2017. Tegneserie. Høflighet DDOOGG.
Juli Majer
juli Majers tegneserier kan introdusere leserne til andre livsformer og andre verdener, men hun leverer ikke eskapisme. «Jeg er ikke så interessert i utopier,» sier Majer. Mens intergalaktisk reise er grandiose, Er Majers nyanserte fortellinger interessert i de pragmatiske detaljene i disse andre verdener. «Hva er dagliglivet til tegnene i andre verdener? Hva blir normalisert på andre planeter?»Hennes praktiske spørsmål er i siste instans opptatt av hvordan et sosialt emne dannes. Denne nysgjerrigheten tvang henne til å begynne å utvikle et utdanningssystem for samfunnet portrettert I Leg (2017), som ble utgitt av DDOOGG, en liten presse hun driver i Vancouver med Tylor Macmillan og Cristian Hernandez. Mens det er strømninger av spekulativ antropologi i hennes arbeid, Er Majers fortellinger også opptatt av hvordan vi kan meditere på personlige relasjoner. Mennesker har forlatt denne planeten for å se på den fra rommet i et forsøk på å måle Og forstå Det; Majer sier At «folk er akkurat som planeter, vi kan studere dem, prøve å kommunisere med dem, men vi vil aldri forstå hva som skjer.»Og for henne kan ukjennligheten til folk som planeter være befriende når vi vurderer hvordan dette utvider muligheten for uttrykk. «Publisering skaper personlig plass og lar meg komme i kontakt med fortellinger som er ekte og ærlige mot meg selv,» sier hun. «Det utdyper et hull, og gjør en plass større.»
Gabi Dao, Krøllet Opp I En Spiral, 2017. CNC-frest polystyren, harpiks, tre filler, micas, pigmenter og naturlige leire. Dimensjoner variabel.
Høflighet Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
Vancouver kunstner Gabi Dao skriver for å engasjere seg i den sosiale konteksten som informerer hennes kunstpraksis. Ved å skrive om musikk vurderer hun de moderne forholdene i sirkulasjonen, inkludert enkeltpersoner og identiteter, involvert i og artikulert av musikkbransjen og medieplattformer. «De fleste musikkskriving tjener til å regurgitate opplevelsen av musikken,
, men det snakker aldri direkte om de underliggende omstendighetene der musikken ble produsert,» fortalte hun meg. I Whitney Houston, et al., en nylig samling essays om populærmusikk redigert Av Casey Wei, skriver Dao Om M. I. A. gjennom linsen Til Trinh T. Minh-ha og Hito Steyerl. Hun har også skrevet om A Fantasy In Surrey, et album komponert av Ellis Sam (Same Same) helt I Surrey Public Library. «For meg var skriving den mest direkte måten å knytte sammen disse nebulous tingene for å gi litt synlighet Til Ellis og hans arbeid, som jeg virkelig tror på.»Som bosatt På Vancouver Western Front lanserte hun en podcast-serie kalt Here Nor There. Hun anser det som et eksperiment i muntlig publisering som oppmuntrer til samtaler om lyddesign og musikk mellom kunstnere, forfattere og produsenter. «Det var min måte å si,» Se, Ikke all kunst bor i et galleri, ikke all kunst er laget i et studio, » forklarer Dao. «Hvorfor fortsetter vi å privilegere disse områdene?»Hun partisjonerer regelmessig tid som vanligvis ville være dedikert til hennes skulpturelle praksis for å jobbe med diskursive prosjekter, og understreker et skifte i det som gjør en kunstner mottakelig, smidig og tilstede i sitt arbeid og kunstneriske samfunn. «Det er ikke nok å bare trene i studioet mitt.»
Stacey Ho Og Julia Aoki, Hvordan Grave Et Hull, 2015. Ytelse, 15 minutter.
Stacey Ho
Ikke lenge siden, Vancouver artist Og forfatter Stacey Ho leste om gress: «beskriver gress som tidlige kolonisatorer, som hjernen min flippet rundt i et antikolonial metafor-gress som en «tidlig remediator» av virkningen som mennesker har hatt på landet, en ydmyk healer.»Det spillet på gress krevende gjengjeldelse for menneskelig innblanding i den naturlige verden var en lovende ledelse For Ho, hvis siste verk tar form av samtalebaserte forestillinger designet for å strekke fortolkende resonans av språk. I Bird is Bird (2016) var Ho vert for samtaler på tysk som spurte deltakerne om de snakket fugl, lilla, grønn eller stein. How To Dig A Hole (2015), et samarbeidende tekst-og performativt foredrag med Julia Aoki, utvidet geometrien til et hull for å fortelle en historie gjennom skriving av former. «Fall gjennom en historie for å komme til en annen, for å finne en annen tangent som danner en usynlig form,» Skriver Ho. I vinter publiserte Capilano Review Hos novelle «Green House», hvor hennes gressmotiv til slutt fant sin plass. Historien skildrer svingningen mellom Marlene dagligdagse daglige liv omsorg for sin syke mann og hennes forhold til en seksuelt selvsikker, Men omsorgsfull rømling, Al. Hos skriving fremkaller det kjente landskapet til en veikant eller et plantebelastet hjemlig rom med en kinematisk presisjon på detaljer, spesielt i innramming av kropper. Men «Green House» er også peppered med magisk realisme. Hos bilder representerer hvordan menneskelige kropper påvirkes jevnt av naturkreftene og supernaturen, og vekten av grensesnitt med det ukjente.
Sharona Franklin, Savnede Kvinner, 2016. Ull, akryl, tre og bomullstråd, 1,49 x 1,18 m. Høflighet / Foto: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
Vancouver artist Sharona Franklin anvender vokabular av byråkrati og bioteknologi for å artikulere den levde opplevelsen av en kropp formet av disse kreftene. «Saken om bioteknologi er at det burde være viktig for alle,» forklarer hun. «Ideen om at vi er skilt fra den kjemiske verden, gir ikke mening.»Franklins 2016 book Rental Bod er en samling av mobiltelefonbilder og nettbrettskisser, innsamlede bilder, sumi-e-blekk og Sharpie-tegninger, digitale skanninger med iPhone-notater og skanninger av malt tekst. «Jeg jobber for å sirkulere personlige mytologier av biomedisin, kjønn, botanikk og retoriske, teologiske og byråkratiske systemer,» sier hun. For Franklin kan anatomiene i denne boken leses som analoge med en kropp: mange deler gjør en helhet og bilder kan være et ytre skall mens ordene går under bildene for å stimulere bildene. Det er en strategi som arbeider for å fremme tilgjengelighet og forståelse på holistiske måter som bretter seg inn i livet som en kvinne med funksjonshemning: «Jeg vil at mine egne ideer og skriving skal stå alene fra det faktum at jeg har et funksjonshemning, «sier hun,» men også å erkjenne innflytelsen fra mine egne erfaringer innenfor disse systemene, og hvordan fremmedgjørende funksjonshemming kan være for kvinner.»Franklin registrerer ofte hennes prosaverk for synshemmede og håper å få dem oversatt til Blindeskrift.
Alexandra Bischoff, Omlesningsrom: Vancouver Women ‘ S Bookstore (1973-1996) (detalj), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
I fjor sommer oppdaget Alexandra Bischoff Den første beholdningskatalogen til Vancouver Women ‘ s Bookstore. Et fokuspunkt for byens feministiske nettverk da den åpnet i 1973, overlevde bokhandelen tre innbrudd, en brannbombing og to flyttinger, og deretter stengt i 1996. For Rereading Room (2016-18) reassembler Bischoff butikkens opprinnelige lager så tett som mulig, og skaper en levende historie for kunstnere og aktivister å okkupere og tolke. En erklæring på den siste siden av prosjektets katalog leser: «å gjøre denne katalogen var forferdelig, jeg fikk / mer lesing gjort enn i de siste 2 årene: / lesing i seng på toalett ved bord på buss. / jobbet sinnssyke strekninger av tid, / overlevende på cookies & yoghurt & grønn / ert eggswirl suppe med kakerlakker i den. / sov ikke bortsett fra noen ganger, på / folks gulv, krøllet opp i posene / under øynene mine. / mitt navn er jeannine mitchell & jeg ville ikke / drømme om å glemme å scrounge uansett / kreditt jeg kan av denne jævla tingen. jeg lover / aldri å gjøre det igjen.»Passasjen var formativ for Bischoff i å tenke på å lese som en øvelse i utholdenhet i stedet for glede, og som tekst som et stadium satt for ytelse. Bischoff forsker for Tiden På Livet Til Joanna Hiffernan-hovedsakelig kjent For å spurning Whistler etter å ha posert For Courbets L ‘ Origine du monde (1866)—for en varig ytelse som undergraver den smale forståelsen av modell og muse. Det er en handling av legemliggjort erindring som avslører en dypt følt tekstlig intimitet til forskning. «Det er en ømhet jeg føler,» sier hun om prosjektet. «Det er ikke nødvendigvis nostalgi, men bevaring for noe som tidligere var usynlig.»
Byron Peters Og Tyler Coburn, Resonator< / em (detalj), 2016-17. Zip-fil, takeaway og diagrammer, dimensjoner variabel.
Byron Peters
Byron Peters hevder å være en langsom forfatter. Ikke på grunn av sin bokstavelige skrivehastighet, men fordi hans skriving ofte kommer fra en langvarig samarbeidsundersøkelse, eller » tankeeksperiment.»»Mange av skriveprosjektene jeg har jobbet med, er samarbeid som noen ganger utfolder seg over år,» sier Peters, som jobber I Vancouver. Resonator (2016-17), et flerdelt prosjekt med Tyler Coburn, er basert på En anekdote om Nikola Tesla som nesten ødelegger en delvis konstruert bygning mens han tester sin jordskjelvsmaskin på Wall Street. Over en lang e-postkorrespondanse genererte Peters Og Coburn en zip-fil som inneholdt relaterte bilder, sanger, GIFs og to tekster: et dikt graftet over skjemaene for en høyhastighets handelsdatamaskin og en novelle. Historien, som ble utstilt som en stabel med gratis plakater i «The House Of Dust D ‘Alison Knowles» På Darling Foundry i Montreal i Fjor sommer, skildrer et arbeidsrom i en fabrikk som produserer resonansfrekvenser som får arbeidere til å svette og ha visjoner. Under utstillingen ble også kunstnerens zip-fil festet til galleriets nyhetsbrev, og spammet effektivt museets listserv med sine kunstverk. Resonator er et arbeid som kontrakter og utvider på mange vilkår: dekomprimere år med dialog i en zip-fil, pakke ut et e-postvedlegg, plukke opp en plakat på et galleri, lese en novelle. Den sirkulerer som en polymorf multiple-lett delt, og derfor vanskelig å sensurere.
Anahita Jamali Rad, dette er et kart, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad ønsker å ødelegge kapitalismen, så hvorfor har hun startet en kleskolleksjon? Frykt For Intimitet er en hybrid form for publisering, klær og offentlig kunst. Det resurfaces et sentralt spørsmål fra hennes 2016 poesibok, For Love and Autonomy: hva betyr det å skille ut suverenitet under sen kapitalisme? I Frykt For Intimitet, akronymer «STFU» og «FTP» ligge der en logo ville normalt være emblazoned på et par sportssokker. En t-skjorte leser, » du er ikke min venn— – et nektet å oppblåse valutaen til vennlighet som er trafikkert på sosiale medier. Hvis teksten biter og uttalelsene registrerer seg som bratty eller indignert, kan det være fordi du ikke har kjennskap til fremmedgjøringen som sår oss, motsetningene mellom politiske prinsipper og økonomisk overlevelse, og utvidelsen av solidaritet i enhver uttrykkshandling. «Det handler om å gjøre eksplisitt at dette er hva kapitalisme, imperialisme,kolonialisme, hvit overlegenhet, sexisme, etc., få oss til å føle oss, så la oss finne hverandre og forholde oss, føle oss litt bedre, slik at vi faktisk kan gjøre noe med det, » forklarer Jamali Rad, som ble født I Iran og bor nå I Montreal. Klærne gir brukeren en måte å skjule sin misnøye i vanlig syn, men gir oss også muligheten til å få øye på hverandre. «Med mindre du er helt utenfor rutenettet, er det ingen måte du ikke blir commodified. Og jeg er egentlig ikke den off-the-grid typen. Jeg liker å være rundt andre mennesker,» sier hun. Som hun skriver på Første side Av For Love and Autonomy, «‘ jeg ‘er alltid nødvendigvis et’ vi.»Jamali Rad er like veltalende som hun er taktisk i invitasjonen til å uttrykke seg sammen-det være seg gjennom poesi eller en søt t-skjorte.
Casey Wei, AK002 disig-X. O. Jomfruen Okse, 2016. Kassettbånd og chapbook(Med Rosa Støy Av Pulverkaffe).
Casey Wei
Casey Wei er En Renessansekvinne. Hun har spilt i band Late Spring og hazy, kuratert for kunst rock? konsertserie, regissert en musikkvideo For Destroyer Som Karen Zolo, opererte Karaoke Music Video Maker Free Store, og hun driver musikk og trykksaker label Agony Klub. Men som hun fortalte meg, » Alt jeg gjør kommer fra min skriving .»Agony Klub er oppkalt etter et underjordisk kasino fra En Raymond Chandler roman. «K» er en innebygd referanse Til filmskaperen Rainer Werner Fassbinder, OG i forkortet form påkaller AK Også Chris Marker dokumentar Om Akira Kurosawa. Dette sortimentet av personlig smak i film og litteratur avslører en konstruksjon av mening som mer ligner et kunstverk enn et mandat for en redaktør eller utgiver. Som kunstner skriver Wei ikke for å publisere, Men for å artikulere hvordan og hvorfor ord hoper seg opp fra organiske impulser. I desember 2017 publiserte Hun en bok med meditasjoner Om filmskaperen Yasujiro Ozu, Ozus Årstider, Med Blank Check Press, som hun leste fra sammen Med En screening Av Ozus Flytende Ugress På Spare Room I Vancouver. «Da jeg så Min Første Ozu-film, tok det meg til ideen om «syntaks» av hans filmer, den fiksering på språk, struktur, grammatikk av noe, » Sier Wei. «Jeg tenker ikke på hva jeg gjør når det gjelder tekster. Vi tildeler narrativ til alt, det ligger i vår natur å lete etter mønstre.»
dette innlegget er tilpasset fra kronikken «Tekstbasert», sjenerøst støttet Av RBC I Våren 2018 utgaven Av Canadian Art. RBC er lidenskapelig forpliktet til å støtte nye kunstnere Over Hele Canada og internasjonalt, og er stolt av å samarbeide Med Kanadisk Kunst på Denne Spotlight-serien.