RBC
Fabiola Carranza
Fabiola Carranzan käytäntö koskee spatiaalisesti taittuvaa kieltä. Viimeaikaiset projektit ovat muodoltaan kansankielisiä viittomia espanjaksi ja englanniksi, esittäytyen kuivina, in situ-tekstiteoksina. Mutta se, mikä on kuivaa, ei välttämättä kuivu. Vuoden 2016 julkisen taiteen toimikunnassa, Seven Signs, Carranza ripotteli pilkkaliikennemerkkejä, jotka perustuivat puheotteisiin vuosikertasarjakuvista Seattlen rannalla. Nämä dekontekstuaaliset lausahdukset – ” AIR!, ””MUTINY!, ””ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL,” muun muassa-sijoitettu muuten käsittelemätön kerronta vihjeitä pitkin rutiininomainen tietenkin matkailureitti. Carranza rekonstruoi kielen historiallisista lähteistä, jotka juontuvat hänen tutkimuksellisesta lähestymistavastaan lukemiseen, kirjoittamiseen ja kääntämiseen. ”Sanoisin, että kirjoittaminen tapahtuu ensin, tai se on ensimmäinen askel projektin hahmottamisessa”, hän sanoo, ” mutta yhtälö on häilyvä.”Carranzan valmis runo Syco-Seer, 1948 (2014) aakkostaa maagisen 8-pallon tarjoamat 20 mahdollista vastausta. Teoksen nimi on nyökkäys Albert C. Carterin keksimälle 1950-luvun ennustuslelun esiasteelle, joka perustuu hänen selvänäkijääitinsä toisen maailmansodan aikana kehittämään henkikirjoitusvälineeseen. Carranza tislaa tämän historian läpinäkymättömien vasteiden indeksiksi, joka on asetettu mustasävyiseen syanotyyppiin. Lue säkeistö, 8-pallon varastovastausten sitoutumaton sävy paljastaa sen kyseenalaisen alkuperän sota-ajan ahdistuksessa. Samalla teos osoittaa kielen muokattavuuden muokkaamaan uskoa ja ehdottaa ehkä, että totuus on lopulta sekä vakaumuksen että sattuman asia.
Tiziana La Melia, Page of Vapours (yksityiskohta), 2012. Valokopio ainutlaatuisella musteella Pergamenttikansiin ja risograph insert, Ryan Smith, 42 sivua.
Tiziana La Melia
”olin heilutellut kirjoittamisen tai visuaalisuuden välillä ja tullut jotenkin siihen pisteeseen, ettei minun tarvinnut valita yhtä yli muiden”, sanoo Vancouver-taiteilija Tiziana La Melia
digressiivisestä lähestymistavastaan. ”Kirjoittaminen ei koskaan ollut asia, jossa tunsin olevani erityisen vahva tai hyvä, mutta se tuntui tarpeelliselta mielenterveydelleni.”Se on myös hänen visuaalisen työnsä jatke, joka tuo esille hänen tutkimus-ja ajatusprosessinsa eri puolia. La Melian kirjoitus sekoittaa kirjeenvaihtoa, läheisyyttä ja loitsuja yrittäessään ymmärtää paremmin haluja ja vaivoja. Nice Poem (2017) tekee indeksillisen tutkimuksen imartelusta, yhteiskunnallisesta instrumentalisaatiosta ja liberaalista feminismistä; hän selittää, että ”nämä teokset ovat olleet hyvin suoria ja tunteellisia, ja dokumentoivat pieniä tapauksia rakenteellisesta väkivallasta, taka-ajatuksista, narsismista ja niin edelleen.”Vancouverissa vuonna 2012 pidetyn harjoituksen rinnalla La Melia vihki käyttöön Page of Vapours-julkaisun, jonka nimi lainaa vanhanaikaista termiä feminiiniselle melankolialle. ”Keräsin kirjoitusta, joka syntyy tai muotoutuu pakostakin digressiivisesti. Laajeneva ja epätarkka.”Hänen avustajilleen annettiin kaksi kehotusta: mukaelma W. G. Sebaldista, ”kun päästät koiran pellolle, se ei koskaan mene putkeen”, ja non sequitur unesta, jonka Freud muisti väärin: ”minulle syötetään kakkupaloja, mansikoita ja lusikallisia puuroa.”Myös taidemaalari, La Melia voitti 2014 RBC Canadian Painting Competition. Nyt hän kerää lahjoituksia Page of Vapours 2: een ja valmistelee runokirjaa Talon Booksin kanssa.
Juli Maier, jalka (yksityiskohta), 2017. Sarjakuva. Kohteliaisuus DDOOGG.
Juli Majerin
Juli Majerin Sarjakuvat saattavat tutustuttaa lukijoita muihin elämänmuotoihin ja muihin maailmoihin, mutta hän ei tarjoa eskapismia. ”En ole kovin kiinnostunut utopioista”, Majer sanoo. Vaikka intergalaktinen matkustaminen on mahtipontista, Majerin vivahteikas kerronta on kiinnostunut näiden muiden maailmojen pragmaattisista yksityiskohdista. ”Millaisia ovat muiden maailmojen hahmojen arki? Mikä normalisoituu muilla planeetoilla?”Hänen käytännön kysymyksensä liittyvät viime kädessä siihen, miten yhteiskunnallinen subjekti muodostuu. Tämä uteliaisuus pakotti hänet aloittamaan kehittää koulutusjärjestelmän yhteiskunnan kuvataan jalka (2017), joka julkaistiin DDOOGG, pieni Lehdistö hän johtaa Vancouverissa Tylor Macmillan ja Cristian Hernandez. Vaikka hänen tuotannossaan on spekulatiivisen antropologian virtauksia, Majerin kertomuksissa on myös pohdittu sitä, miten voimme meditoida henkilökohtaisia suhteita. Ihmiset ovat lähteneet tältä planeetalta katsomaan sitä avaruudesta yrittäen mitata ja ymmärtää sitä; Majer sanoo, että ”ihmiset ovat aivan kuin planeettoja, voimme tutkia niitä, yrittää kommunikoida niiden kanssa, mutta emme koskaan todella ymmärrä mitä tapahtuu.”Ja hänelle ihmisten tuntemattomuus planeettoina voi olla vapauttavaa, kun mietimme, miten tämä laajentaa ilmaisumahdollisuuksia. ”Julkaiseminen luo persoonallista tilaa ja mahdollistaa sen, että saan yhteyden kerrontaan, joka on itselleni aitoa ja rehellistä”, hän sanoo. ”Se syventää kuoppaa ja tekee tilasta suuremman.”
Gabi Dao kierteessä vuonna 2017. CNC-jyrsitty polystyreeni, hartsi, puun täyteaine, kiille, pigmentit ja luonnon savet. Mitat vaihtelevat.
Courtesy Artspeak. Kuva: Dennis Ha.
Gabi Dao
vancouverilainen taiteilija Gabi dao kirjoittaa sitoutuvansa yhteiskunnalliseen kontekstiin, joka kertoo hänen taidekäytännöstään. Kirjoittaessaan musiikista hän arvioi sen levikin nykytilannetta, mukaan lukien henkilöt ja identiteetit, jotka ovat mukana musiikkiteollisuudessa ja media-alustoilla ja joita ne artikuloivat. ”Suurin osa nuottikirjoituksista on omiaan palauttamaan musiikin kokemuksen,
, mutta siinä ei koskaan puhuta suoraan taustaolosuhteista, joissa musiikki on tuotettu”, hän kertoi. Teoksessa Whitney Houston ym. Casey Wein toimittamassa esseekokoelmassa Dao kirjoittaa M. I. A.: sta Trinh T. Minh-ha: n ja Hito Steyerlin linssin läpi. Hän on myös kirjoittanut Ellis Samin säveltämän albumin A Fantasy in Surrey kokonaan Surreyn julkiseen kirjastoon. ”Minulle kirjoittaminen oli suorin tapa yhdistää nämä epämääräiset asiat, jotta saisin näkyvyyttä Ellisille ja hänen työlleen, johon todella uskon.”Asuessaan Vancouverin länsirintamalla hän käynnisti podcast-sarjan nimeltä Here Nor There. Hän pitää sitä suullisen julkaisemisen kokeiluna, joka kannustaa keskustelemaan äänisuunnittelusta ja musiikista taiteilijoiden, kirjailijoiden ja tuottajien välillä. ”Se oli minun tapani sanoa:’ Katso, kaikki taide ei asu galleriassa, kaikkea taidetta ei tehdä ateljeessa'”, Dao selittää. ”Miksi me jatkuvasti privilegioimme näitä tiloja?”Hän jakaa säännöllisesti aikaa, joka tavallisesti olisi omistettu hänen veistokselliselle toiminnalleen, jotta hän voisi työskennellä diskursiivisten projektien parissa korostaen muutosta siinä, mikä tekee taiteilijasta vastaanottavaisen, ketterän ja läsnä olevan heidän työ-ja taideyhteisössään. ”Se ei riitä vain harjoitella minun studio.”
Stacey Ho ja Julia Aoki, How to Dig a Hole, 2015. Esitys, 15 minuuttia.
Stacey Ho
jokin aika sitten vancouverilainen taiteilija ja kirjailija Stacey Ho luki ruohosta: ”kuvailee Grassia varhaisiksi uudisasukkaiksi, joita aivoni kääntelivät kolonialismin vastaiseksi metaforaksi-Grassia ’varhaiseksi korjaajaksi’ siitä vaikutuksesta, joka ihmisillä on ollut maahan, nöyräksi parantajaksi.”Tuo ruohon näytelmä, joka vaatii kostoa ihmisen sekaantumisesta luontoon, oli otollinen johdatus Holle, jonka viimeaikaiset teokset ovat keskusteluun perustuvia esityksiä, joiden tarkoituksena on venyttää kielen tulkinnallista resonanssia. Lintu on lintu (2016) – ohjelmassa Ho isännöi saksankielisiä keskusteluja, joissa osallistujilta kysyttiin puhuvatko he lintua, violettia, vihreää vai kiveä. Julia Aokin kanssa yhteistyössä tehty teksti-ja performatiivinen luento How to Dig a Hole (2015) laajensi reiän geometriaa kertomaan tarinaa muotojen kirjoittamisen kautta. ”Putoa yhden tarinan läpi päästäkseen toiseen, löytääkseen toisen tangentin, joka muodostaa näkymättömän muodon”, Ho kirjoittaa. Capilano Review julkaisi viime talvena Hon Novellin ”vihreä talo”, jossa hänen ruohoaiheensa lopulta löysi paikkansa. Tarina kuvaa värähtelyä sairaasta miehestään huolehtivan Marlenen arkisen elämän ja hänen suhteensa seksuaalisesti itsevarmaan mutta huolehtivaan karkulaiseen Aliin. Hon kirjoitus tuo mieleen tienvarsiravintolan tai kasvikuntoisen kotitilan tutut Maisemat elokuvallisella tarkkuudella yksityiskohtiin, erityisesti ruumiiden kehystämisessä. ”Vihreä talo” on kuitenkin myös maustettu maagisella realismilla. Ho: n kuvasto kuvaa sitä, miten luonnonvoimat ja supernatuuri vaikuttavat ihmisruumiiseen tasaisesti, ja kuinka suuri paino on yhteyksissä tuntemattomaan.
Sharona Franklin, Kadonneet Naiset, 2016. Villa, akryyli, puu ja puuvilla Lanka, 1,49 x 1,18 m. Courtesy / Photo: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
vancouverilainen taiteilija Sharona Franklin käyttää byrokratian ja biotekniikan sanastoa artikuloidakseen eletyn kokemuksen näiden voimien muovaamasta ruumiista. ”Bioteknologiassa on se juttu, että sillä pitäisi olla merkitystä kaikille”, hän selittää. ”Ajatus siitä, että olemme erossa kemiallisesta maailmasta, ei ole järkevä.”Franklinin vuoden 2016 Kirjavuokraamo Bod on kokoelma kännykkäkuvia ja tablet-luonnoksia, kerättyjä kuvia, sumi-e-muste-ja Sharpie-piirroksia, digitaalisia skannauksia iPhone-muistiinpanoilla ja maalatun tekstin skannauksia. ”Työskentelen levittämään henkilökohtaisia mytologioita biolääketieteestä, sukupuolesta, kasvitieteestä sekä retorisista, teologisista ja byrokraattisista järjestelmistä”, hän sanoo. Franklinille tämän kirjan anatomiaa voidaan lukea ruumiiseen rinnastettavana: monet osat muodostavat kokonaisuuden ja kuvat voivat olla ulkokuori, kun taas sanat kulkevat kuvien alla energisoidakseen visuaalisuutta. Se on strategia, joka pyrkii edistämään saavutettavuutta ja ymmärrystä kokonaisvaltaisesti, joka taittuu hänen elämäänsä vammaisena naisena: ”Haluaisin, että omat ajatukseni ja kirjoitukseni erottuisivat siitä tosiasiasta, että minulla on vamma”, hän sanoo, ” mutta myös tunnustaisivat omien kokemusteni vaikutuksen näissä järjestelmissä ja sen, miten vieraannuttavaa vammaisuus voi olla naisille.”Franklin levyttää usein proosateoksiaan näkövammaisille ja toivoo, että ne käännettäisiin Pistekirjoitukselle.
Alexandra Bischoff, Rereading Room: The Vancouver Women ’ s Bookstore (1973-1996) (detail), 2016-18. Kuva: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
viime kesänä Alexandra Bischoff kaivoi esiin Vancouverilaisen Naistenkirjakaupan ensimmäisen varastoluettelon. Kun Kirjakauppa avattiin vuonna 1973, se oli kaupungin feministiverkoston keskipiste, ja se selvisi kolmesta murrosta, palopommista ja kahdesta uudelleensijoituksesta ja suljettiin vuonna 1996. Uusintahuonetta (2016-18) varten Bischoff kokoaa myymälän alkuperäisen varaston mahdollisimman tarkasti, luoden elävän historian taiteilijoiden ja aktivistien vallattavaksi ja uudelleen tulkittavaksi. Hankkeen luettelon viimeisellä sivulla olevassa julistuksessa lukee:: ”doing tämä luettelo oli kauheaa, tho sain / enemmän käsittelyssä kuin viime 2 vuotta: / lukeminen sängyssä WC pöydässä linja. / työskenteli järjettömiä aikoja, / selviytyi kekseillä & jogurtilla & vihreä / herneenmunaseitikki, jossa oli torakoita. / ei nukkunut kuin satunnaisesti, / ihmisten lattioilla, käpertyneenä pusseihin / silmieni alla. / my name is jeannine mitchell & I wouldn ’ t / dream of forgotten to scrounge what / credit i can off this damn thing. lupaan / en tee sitä enää koskaan.”Kohta oli bischoffille kehittävä ajatellessaan lukemista kestävyysharjoituksena nautinnon sijaan ja tekstinä näyttämönä suoritukselle. Bischoff tutkii parhaillaan Joanna Hiffernanin elämää—joka tunnetaan erityisesti Whistlerin torjumisesta poseerattuaan Courbet ’n elokuvassa” L ’origine du monde” (1866)—kestävästä esityksestä, joka kumoaa mallin ja muusan kapean ymmärryksen. Se on ruumiillisen muistamisen teko, joka paljastaa syvältä tuntuneen tekstuaalisen läheisyyden tutkimukseen. ”Tunnen hellyyttä”, hän sanoo projektista. ”Se ei välttämättä ole nostalgiaa, vaan jonkin aiemmin näkymättömän säilyttämistä.”
Byron Peters ja Tyler Coburn, resonaattori</em (detail), 2016-17. Zip tiedosto, takeaway ja kaaviot, mitat muuttuja.
Byron Peters
Byron Peters väittää olevansa hidas kirjoittaja. Ei hänen kirjaimellisen kirjoitusnopeutensa takia, vaan siksi, että hänen kirjoituksensa syntyy usein pitkittyneestä yhteistutkimuksesta eli ”ajatuskokeesta”.””Monet kirjoitusprojektit, joita olen työstänyt, ovat yhteistyöprojekteja, jotka joskus avautuvat vuosien varrella”, Vancouverissa työskentelevä Peters sanoo. Resonator (2016-17), moniosainen projekti Tyler Coburnin kanssa, perustuu anekdoottiin, jossa Nikola Tesla lähes tuhoaa osittain rakennetun rakennuksen testatessaan maanjäristyskonettaan Wall Streetillä. Pitkän sähköpostikirjeenvaihdon aikana Peters ja Coburn loivat zip-tiedoston, joka sisälsi aiheeseen liittyviä kuvia, lauluja, GIF-kuvia ja kaksi tekstiä: suurinopeuksisen kaupankäyntitietokoneen kaavioiden päälle oksastetun runon ja Novellin. Tarina, joka oli esillä pino ilmaisia julisteita” House of Dust d ’Alison Knowles” at Darling Foundry Montrealissa viime kesänä, kuvaa työhuone tehtaan tuottaa resonanssitaajuuksia, jotka aiheuttavat työntekijöiden pyörtyä ja nähdä näkyjä. Näyttelyn aikana myös taiteilijoiden zip-tiedosto liitettiin gallerian uutiskirjeeseen, jolloin museon listserv tehokkaasti spammasi taideteoksillaan. Resonaattori on työ, joka supistuu ja laajenee monin ehdoin: vuosien dialogin purkaminen zip-tiedostoksi, sähköpostin liitetiedoston avaaminen, julisteen noutaminen galleriasta, Novellin lukeminen. Se kiertää polymorfisena moninkertaisena – helposti jaettavana ja siksi vaikeasti sensuroitavana.
Anahita Jamali Rad, this is a map, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad haluaa tuhota kapitalismin, joten miksi hän on perustanut vaatemalliston? Läheisyyden pelko on julkaisemisen, pukeutumisen ja julkisen taiteen hybridimuoto. Se herättää henkiin keskeisen kysymyksen hänen vuoden 2016 runokirjastaan rakkauden ja autonomian puolesta: mitä merkitsee itsemääräämisoikeuden louhiminen myöhäisen kapitalismin aikana? In Fear of Intimacy, lyhenteet ” STFU ”ja” FTP ” oleskella jossa logo olisi normaalisti emblazoned päälle pari sport sukat. T—paidassa lukee ”you’ re not my friend” – kieltäytyminen paisuttamasta sosiaalisessa mediassa kaupattua ystävällisyyden valuuttaa. Jos teksti puree ja lausunnot rekisteröidään bratty tai närkästynyt, se voi johtua siitä, että et ole tietoinen vieraantuminen, joka polttaa meidät, ristiriidat poliittisten periaatteiden ja taloudellisen selviytymisen, ja laajentaminen solidaarisuus jokaisessa teon ilmaisun. ”Kyse on siitä, että tehdään selväksi, että tällaista on kapitalismi, imperialismi, kolonialismi, valkoinen ylivalta, seksismi jne., saada meidät tuntemaan, joten etsitään toisemme ja samaistutaan, voidaan vähän paremmin, jotta voimme oikeasti tehdä asialle jotain”, selittää Jamali Rad, joka on syntynyt Iranissa ja asuu nykyään Montrealissa. Vaatteet antavat käyttäjälleen keinon piilottaa tyytymättömyytensä näkyville, mutta antavat myös mahdollisuuden bongata toisemme. ”Ellet ole täysin pois verkosta, ei ole mitään keinoa et olla tuotteistettu. Enkä oikeastaan ole ulkopuolinen tyyppi. Tavallaan tykkään olla muiden ihmisten seurassa, hän sanoo. Kuten hän kirjoittaa ensimmäisellä sivulla for Love and Autonomy, ”’minä’ on aina välttämättä ’ me.'”Jamali Rad on yhtä kaunopuheinen kuin taktinen kutsussaan sääliä yhdessä—oli se sitten runoutta tai suloista t-paitaa.
Casey Wei, AK002 hazy-x. o. Virgo Ox, 2016. Kasetti ja chapbook (Pink Noise pikakahvin).
Casey Wei
Casey Wei on Renessanssinainen. Hän on soittanut yhtyeissä Late Spring ja hazy, kuratoitu taiderock? concert series, ohjannut musiikkivideo Destroyer kuin Karen Zolo, operoi Karaoke musiikkivideo Maker Free Store, ja hän johtaa Musiikki-ja painotuotteiden etiketti Agony Klubi. Mutta kuten hän kertoi minulle, ” kaikki mitä teen tulee minun kirjallisesti.”Agony Klub on nimetty Raymond Chandlerin romaanin maanalaisen kasinon mukaan. ”K” on upotettu viittaus elokuvantekijä Rainer Werner Fassbinderiin, ja lyhennetyssä muodossaan AK vetoaa myös Chris Markerin dokumenttiin Akira Kurosawasta. Tämä elokuva-ja kirjallisuusmakujen valikoima paljastaa merkityksen, joka muistuttaa enemmän taideteosta kuin päätoimittajan tai kustantajan toimeksiantoa. Taiteilijana Wei ei kirjoita julkaistakseen vaan artikuloidakseen, miten ja miksi sanat kasaantuvat orgaanisista impulsseista. Joulukuussa 2017, hän julkaisi kirjan mietteitä elokuvantekijä Yasujiro Ozu, Ozu ’s Seasons, Blank Cheque Press, jonka hän luki rinnalla näytös Ozu’ s Floating Weeds at Spare Room Vancouverissa. ”Kun näin ensimmäisen Ozu-Elokuvani, se vei minut ajatukseen hänen elokuviensa ’syntaksista’, siitä fiksaatiosta kieleen, rakenteeseen, jonkin asian kielioppiin”, Wei sanoo. ”En ajattele, mitä teen tekstien suhteen.’Me määritämme kerronnan kaikkeen, luonteeseemme kuuluu etsiä kuvioita.”
tämä postaus on sovitettu RBC: n keväällä 2018 Canadian Art-lehdessä julkaisemasta erikoisartikkelista ”Text-Based”. RBC on intohimoisesti sitoutunut tukemaan nousevia taiteilijoita ympäri Kanadaa ja kansainvälisesti, ja on ylpeä voidessaan tehdä yhteistyötä kanadalaisen taiteen kanssa tässä Spotlight-sarjassa.