generöst stödd av RBC
Fabiola Carranza
Fabiola Carranzas övning handlar om rumsligt reframing språk. Nya projekt har formen av folklig skyltning på spanska och engelska och presenterar sig som torra textverk på plats. Men det som är torrt torkas inte nödvändigtvis upp. I en offentlig konstkommission 2016, sju tecken, Carranza spridda mock trafikskyltar baserat på talutdrag från vintage serietidningar på Seattle waterfront. Dessa dekontextualiserade uttalanden— ” luft!, ””Myteri!, ””ES UN IDIOMA MUY dif JACOBCIL,” bland andra—placerade annars obekräftade berättande ledtrådar längs den rutinmässiga kursen för en turistväg. Carranza recontextualizes språk från historiska källor som härrör från hennes forskningsinriktning till läsning, skrivning och översättning. ”Jag skulle säga att skrivandet händer först, eller är det första steget i att utforma ett projekt”, säger hon, ”men ekvationen är flytande.”Carranzas färdiga dikt, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetiserar de 20 möjliga svaren som erbjuds av en magisk 8-boll. Verkets titel är en nick till 1950-talets fortunetelling toy ’ s precursor, uppfunnad av Albert C. Carter och baserad på ett andeskrivinstrument utvecklat av sin clairvoyant mor under andra världskriget. Denna historia destilleras av Carranza till ett index av ogenomskinliga svar i svarttonad cyanotyp. Läs i vers, den icke-bindande tonen i 8-balls lagersvar avslöjar sitt tvivelaktiga ursprung i krigstid. Samtidigt pekar arbetet på språkets formbara natur för att forma tro, vilket kanske tyder på att sanningen i slutändan är en fråga om både övertygelse och chans.
Tiziana La Melia, sida av ångor( detalj), 2012. Fotokopia med unikt bläck på pergamentöverdrag och risografinsats av Ryan Smith, 42 sidor.
Tiziana La Melia
” jag hade oscillerat mellan att fokusera på att skriva eller visuella, och på något sätt kom fram till att jag inte behövde välja en över den andra”, säger Vancouver artist Tiziana La Melia
av hennes digressiva tillvägagångssätt. ”Att skriva var aldrig något jag kände mig särskilt stark eller bra på, men det var något som kände mig nödvändigt för min förnuft.”Det är också en förlängning av hennes visuella arbete, som visar olika aspekter av hennes forskning och tankeprocess. La Melias skrivande blandar korrespondens, intimitet och besvärjelser i ett försök att bättre förstå önskningar och grepp. Nice Poem (2017) gör en indexstudie av smicker, social instrumentalisering och liberal feminism; hon förklarar att ”dessa verk har varit mycket direkta och känslomässiga och dokumenterar små fall av strukturellt våld, baktankar, narcissism och så vidare.”Vid sidan av en 2012-show på Exercise i Vancouver invigde La Melia page of Vapours, en publikation vars titel lånar en arkaisk term för feminin melankoli. ”Jag samlade skrivande som produceras eller tar form på nödvändigtvis digressiva sätt. Vidgas in och ut ur fokus.”Hennes bidragsgivare fick två uppmaningar: en parafras av W. G. Sebald, ”när du släpper en hund i ett fält går den aldrig i en rak linje” och en icke-sequitur i en dröm som Freud misremembered: ”jag matas kakor, jordgubbar och skedar gröt.”Också en målare, la Melia vann 2014 RBC Kanadensisk Målningstävling. Hon är nu corralling bidrag för Page of Vapours 2 och förbereda en bok av poesi med Talon Books.
Juli Maier, Ben (detalj), 2017. Serietidning. Med tillstånd DDOOGG.
Juli Majer
Juli Majers serier kan introducera läsare till andra livsformer och andra världar, men hon levererar inte eskapism. ”Jag är inte så intresserad av utopier”, säger Majer. Medan intergalaktiska resor är storslagna, är Majers nyanserade berättelser intresserade av de pragmatiska detaljerna i dessa andra världar. ”Vad är det dagliga livet för karaktärerna i andra världar? Vad normaliseras på andra planeter?”Hennes praktiska frågor handlar i slutändan om hur ett socialt ämne bildas. Denna nyfikenhet tvingade henne att börja utveckla ett utbildningssystem för samhället som skildras i Ben (2017), som publicerades av DDOOGG, en liten press som hon driver i Vancouver med Tylor Macmillan och Cristian Hernandez. Medan det finns strömmar av spekulativ antropologi i hennes arbete, är Majers berättelser också upptagna med hur vi kan meditera om personliga relationer. Människor har lämnat denna planet för att titta på den från rymden i ett försök att mäta och förstå den; Majer säger att ”människor är precis som planeter, vi kan studera dem, försöka kommunicera med dem, men vi kommer aldrig riktigt förstå vad som händer.”Och för henne kan okännligheten hos människor som planeter vara befriande när vi överväger hur detta utökar möjligheten att uttrycka. ”Publicering skapar personligt utrymme och låter mig komma i kontakt med berättelser som är äkta och ärliga mot mig själv”, säger hon. ”Det fördjupar ett hål och gör ett utrymme större.”
Gabi Dao, krullade upp i en Spiral, 2017. CNC-fräst polystyren, harts, träfyllmedel, glimmer, pigment och naturliga leror. Mått variabel.
Artighet Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
Vancouver konstnär Gabi Dao skriver för att engagera sig i det sociala sammanhanget som informerar hennes konstpraxis. Genom att skriva om musik bedömer hon de samtida förhållandena för dess cirkulation, inklusive individerna och identiteterna, involverade i och artikulerade av musikbranschen och medieplattformarna. ”De flesta musikskrivande tjänar till att återuppliva upplevelsen av musiken,
men det talar aldrig direkt om de underliggande omständigheterna där musiken producerades,” berättade hon för mig. I Whitney Houston, et al., en ny samling uppsatser om populärmusik redigerad av Casey Wei, skriver Dao om M. I. A. genom linsen av Trinh T. Minh-ha och Hito Steyerl. Hon har också skrivit om en fantasi i Surrey, ett album komponerat av Ellis Sam (Same Same) helt i Surrey Public Library. ”För mig var skrivning det mest direkta sättet att stränga ihop dessa nebulösa saker för att ge Ellis och hans arbete en viss synlighet, vilket jag verkligen tror på.”Som bosatt på Vancouver Västra Front lanserade hon en podcastserie som heter Here Nor There. Hon anser att det är ett experiment i muntlig publicering som uppmuntrar samtal om ljuddesign och musik mellan artister, författare och producenter. ”Det var mitt sätt att säga,” Se, inte all konst bor i ett galleri, inte all konst är gjord i en studio”, förklarar Dao. ”Varför fortsätter vi att privilegiera dessa utrymmen?”Hon delar regelbundet upp tid som vanligtvis skulle ägnas åt hennes Skulpturala praktik för att arbeta med diskursiva projekt och understryker ett skifte i vad som gör en konstnär mottaglig, smidig och närvarande i sitt arbete och konstnärliga samhälle. ”Det räcker inte att bara träna i min studio.”
Stacey Ho och Julia Aoki, hur man gräver ett hål, 2015. Prestanda, 15 minuter.
Stacey Ho
inte så länge sedan, Vancouver artist och författare Stacey Ho läste om gräs: ”beskriver gräs som tidiga kolonisatorer, som min hjärna vred runt i ett antikolonialt metaforgräs som en ”tidig remediator” av den inverkan som människor har haft på landet, en ödmjuk healer.”Att spela på gräs krävande vedergällning för mänsklig inblandning i den naturliga världen var en gynnsam ledning för Ho, vars senaste verk tar formen av konversationsbaserade föreställningar utformade för att sträcka språkets tolkande resonans. I Bird is Bird (2016) var Ho värd för samtal på tyska som frågade deltagarna om de talade fågel, lila, grön eller sten. How To Dig a Hole (2015), en samarbetstext och performativ föreläsning med Julia Aoki, utvidgade geometrin i ett hål för att berätta en historia genom att skriva former. ”Falla igenom en berättelse för att komma till en annan, för att hitta en annan tangent som bildar en osynlig form”, skriver Ho. Förra vintern publicerade Capilano Review Ho ’s novell” Green House”, där hennes gräsmotiv så småningom hittade sin plats. Berättelsen skildrar oscillationen mellan Marlenes vardagliga dagliga liv som tar hand om sin sjuka man och hennes förhållande till en sexuellt assertiv men omtänksam flykting, Al. Ho: s skrivande framkallar det välbekanta landskapet i en vägkanten eller ett växtbelastat inhemskt utrymme med en filmisk precision till detaljer, särskilt i inramningen av kroppar. Men ”Green House” är också peppared med magisk realism. Ho: s bilder representerar hur mänskliga kroppar påverkas jämnt av naturens och supernaturens krafter och vikten av gränssnitt med det okända.
Sharona Franklin, Saknade Kvinnor, 2016. Ull -, akryl -, trä-och bomullstråd, 1,49 x 1,18 m. artighet/foto: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
Vancouver artist Sharona Franklin använder ordförrådet för byråkrati och bioteknik för att formulera den levda upplevelsen av en kropp formad av dessa krafter. ”Saken med Bioteknik är att det borde vara viktigt för alla”, förklarar hon. ”Tanken att vi är separerade från den kemiska världen är inte meningsfull.”Franklins 2016 book Rental Bod är en ansamling av mobiltelefonfoton och surfplattor, samlade bilder, sumi-e-bläck och Sharpie-ritningar, digitala skanningar med iPhone-anteckningar och skanningar av målad text. ”Jag arbetar för att cirkulera personliga mytologier om biomedicin, kön, botanik och retoriska, teologiska och byråkratiska system”, säger hon. För Franklin kan anatomierna i denna bok läsas som Analoga med en kropp: många delar gör en helhet och bilder kan vara ett yttre skal medan orden går under bilderna för att ge energi till det visuella. Det är en strategi som strävar efter att främja tillgänglighet och förståelse på holistiska sätt som viks in i hennes liv som kvinna med funktionshinder: ”Jag skulle vilja att mina egna tankar och skrivande skulle stå ensamma från det faktum att jag har funktionshinder”, säger hon, ”men också att erkänna påverkan av mina egna erfarenheter inom dessa system och hur alienerande funktionshinder kan vara för kvinnor.”Franklin registrerar ofta sina prosaverk för synskadade och hoppas få dem översatta till punktskrift.
Alexandra Bischoff, Omläsningsrum: Vancouver Women ’ s Bookstore (1973-1996) (detalj), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
förra sommaren avslöjade Alexandra Bischoff den första inventeringskatalogen i Vancouver Women ’ s Bookstore. En kontaktpunkt för stadens feministiska nätverk när den öppnade 1973 överlevde bokhandeln tre inbrott, en brandbombning och två omlokaliseringar och stängdes sedan 1996. För omläsning Room (2016-18), Bischoff återmonterar butikens ursprungliga lager så nära som möjligt och skapar en levande historia för konstnärer och aktivister att ockupera och tolka om. En förklaring på den sista sidan i projektets katalog läser: ”att göra denna katalog var hemskt, tho jag fick / mer läsning gjort än de senaste 2 åren: / läsning i sängen på toaletten vid bordet på bussen. / arbetade vansinniga sträckor av tid, / överlevande på kakor & yoghurt & grön / ärt äggswirl soppa med kackerlackor i den. / sov inte utom ibland, på / människors golv, krullade upp i påsarna / under mina ögon. / mitt namn är jeannine mitchell & jag skulle inte / drömma om att glömma att scrounge vad / kredit jag kan av den här jävla saken. jag lovar / aldrig göra det igen.”Passagen var formativ för Bischoff när man tänkte på läsning som en övning i uthållighet snarare än nöje, och som text som en scen för prestanda. Bischoff forskar för närvarande Joanna Hiffernans liv—till stor del känt för att spurning Whistler efter att ha poserat för Courbet ’S L’ origine du monde (1866)—för en varaktig prestanda som undergräver den smala förståelsen av modell och muse. Det är en handling av förkroppsligat minne som avslöjar en djupt känd textintimitet för forskning. ”Det finns en ömhet Jag känner”, säger hon om projektet. ”Det är inte nödvändigtvis nostalgi, men bevarande för något som tidigare var osynligt.”
Byron Peters och Tyler Coburn, Resonator< / em (detalj), 2016-17. Zip-fil, takeaway och diagram, dimensioner variabel.
Byron Peters
Byron Peters påstår sig vara en långsam författare. Inte på grund av hans bokstavliga skrivhastighet, men för att hans skrivande ofta framgår av en långvarig samarbetsutredning, eller ”tankeexperiment.””Många av de skrivprojekt som jag har arbetat med är samarbeten som ibland utvecklas under åren”, säger Peters, som arbetar i Vancouver. Resonator (2016-17), ett flerdelat projekt med Tyler Coburn, bygger på en anekdot om Nikola Tesla som nästan förstör en delvis byggd byggnad medan han testade sin jordbävningsmaskin på Wall Street. Under en lång e-postkorrespondens, Peters och Coburn genererade en zip-fil som innehåller relaterade bilder, låtar, GIF och två texter: en dikt ympad över schemat för en highspeed trading dator och en novell. Berättelsen, som ställdes ut som en stapel gratis affischer i ”The House of Dust d ’Alison Knowles” på Darling Foundry i Montreal förra sommaren, skildrar ett arbetsrum i en fabrik som producerar resonansfrekvenser som får arbetarna att svimma och ha visioner. Under utställningen bifogades konstnärernas zip-fil också galleriets nyhetsbrev, vilket effektivt spammade museets listserv med deras konstverk. Resonator är ett arbete som kontraherar och expanderar på många villkor: dekomprimera år av dialog i en zip-fil, packa upp en e-postbilaga, plocka upp en affisch på ett galleri, läsa en novell. Det cirkulerar som en polymorf multipel – lätt delad, och därför svår att censurera.
Anahita Jamali Rad, Detta är en karta, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad vill förstöra kapitalismen, så varför har hon startat en klädlinje? Rädsla för intimitet är en hybridform av publicering, kläder och offentlig konst. Det återuppstår en central fråga från hennes 2016-poesibok, för kärlek och autonomi: vad innebär det att skära ut suveränitet under sen kapitalism? I rädsla för intimitet finns akronymerna ”STFU” och ”FTP” där en logotyp normalt skulle vara emblazoned på ett par sportstrumpor. En T—shirt läser, ”du är inte min vän” – ett vägran att blåsa upp valutan av vänlighet som handlas på sociala medier. Om texten biter och uttalandena registrerar sig som bratty eller indignerad, kan det bero på att du inte är intresserad av den alienation som sårar oss, motsägelserna mellan politiska principer och ekonomisk överlevnad och utvidgningen av solidaritet i varje uttryckshandling. ”Det handlar om att uttrycka att detta är vad kapitalism, imperialism, kolonialism, vit överhöghet, sexism etc., få oss att känna, så låt oss hitta varandra och relatera, känna oss lite bättre så att vi faktiskt kan göra något åt det,” förklarar Jamali Rad, som föddes i Iran och nu bor i Montreal. Kläderna ger bäraren ett sätt att dölja sitt missnöje i vanlig syn, men ger oss också möjlighet att upptäcka varandra. ”Om du inte är helt utanför nätet, finns det inget sätt att du inte blir kommodifierad. Och jag är inte riktigt Off-the-grid typ. Jag gillar att vara runt andra människor, ” hon säger. Som hon skriver på första sidan av för kärlek och autonomi, ”” jag ”är alltid nödvändigtvis ett” vi.”Jamali Rad är lika vältalig som hon är taktisk i sin inbjudan att ömka tillsammans—vare sig det är genom poesi eller en söt t-shirt.
Casey Wei, AK002 dimmig-X. O. Virgo Ox, 2016. Kassettband och chapbook (med rosa ljud med snabbkaffe).
Casey Wei
Casey Wei är en Renässanskvinna. Hon har spelat i banden sen vår och hazy, curated för art rock? konsertserie, regisserade en musikvideo för Destroyer som Karen Zolo, drev Karaoke Music Video Maker Free Store, och hon driver etiketten musik och trycksaker Agony Klub. Men som hon sa till mig, ” allt jag gör kommer från mitt skrivande.”Agony Klub är uppkallad efter ett underjordiskt kasino från en Raymond Chandler-roman. ”K” är en inbäddad referens till filmskaparen Rainer Werner Fassbinder, och i dess förkortade form åberopar AK också Chris Marker ’ s dokumentär om Akira Kurosawa. Detta sortiment av personliga smaker i film och litteratur avslöjar en konstruktion av mening som mer liknar ett konstverk än ett mandat för en redaktör eller förläggare. Som konstnär skriver Wei inte för att publicera utan för att formulera hur och varför ord staplas upp från organiska impulser. I December 2017 publicerade hon en meditationsbok om filmskaparen Yasujiro Ozu, Ozus säsonger, med Blank check Press, som hon läste från tillsammans med en visning av Ozus flytande ogräs på Reservrum i Vancouver. ”När jag såg min första Ozu-film tog det mig till tanken på ”syntaxen” i hans filmer, den fixeringen på språk, struktur, grammatiken av något”, säger Wei. ”Jag tänker inte på vad jag gör när det gäller” texter. Vi tilldelar berättelse till allt, Det ligger i vår natur att leta efter mönster.”
detta inlägg är anpassat från funktionsartikeln ”textbaserad”, generöst stödd av RBC under våren 2018-numret av kanadensisk konst. RBC är passionerat engagerad i att stödja nya artister över hela Kanada och internationellt, och är stolt över att samarbeta med kanadensisk konst i denna Spotlight-serie.