susținut generos de RBC
Fabiola Carranza
practica Fabiola Carranza este preocupată de reformularea spațială a limbajului. Proiectele recente iau forma semnalizării vernaculare în spaniolă și engleză, prezentându-se ca lucrări de text uscat, in situ. Dar ceea ce este uscat nu este neapărat uscat. Într-o comisie de artă publică din 2016, șapte semne, Carranza a împrăștiat semne de circulație simulate bazate pe fragmente de vorbire din cărți de benzi desenate de epocă de pe malul apei din Seattle. Aceste declarații decontextualizate— ” aer!, „”Revoltă!, „”ES un IDIOMA MUY dif CENTICCIL”, printre altele-plasate indicii narative altfel neconsiderate de-a lungul cursului de rutină al unui traseu turistic. Carranza recontextualizează limbajul din surse istorice care decurg din abordarea ei de cercetare a cititului, scrisului și traducerii. „Aș spune că scrisul se întâmplă mai întâi sau este primul pas în conceperea unui proiect”, spune ea, „dar ecuația este fluidă.”Poemul gata făcut de Carranza, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetizează cele 20 de răspunsuri posibile oferite de o minge magică cu 8 bile. Titlul lucrării este un semn al precursorului jucăriei de fortunetelling din anii 1950, inventat de Albert C. Carter și bazat pe un instrument de scriere a spiritului dezvoltat de mama sa clarvăzătoare în timpul celui de-al doilea război mondial. Această istorie este distilată de Carranza într-un indice de răspunsuri opace stabilite în cianotip cu tonuri negre. Citit în versuri, tonul non-committal al răspunsurilor stocului 8-Ball expune originea sa dubioasă în anxietatea din timpul războiului. În același timp, lucrarea evidențiază natura maleabilă a limbajului pentru a modela credința, sugerând, probabil, că adevărul este în cele din urmă o chestiune atât de convingere, cât și de șansă.
Tiziana la Melia, pagina vaporilor (detaliu), 2012. Fotocopie cu cerneală unică pe coperți de pergament și inserare risograf de Ryan Smith, 42 de pagini.
Tiziana la Melia
„oscilam între a mă concentra pe scris sau pe imagini și am ajuns cumva la punctul în care nu trebuia să aleg una peste alta”, spune artista din Vancouver Tiziana la Melia
despre abordarea ei digresivă. „Scrisul nu a fost niciodată ceva la care m-am simțit deosebit de puternic sau bun, dar a fost ceva care s-a simțit necesar pentru sănătatea mea.”Este, de asemenea, o extensie a muncii sale vizuale, prezentând diferite aspecte ale cercetării și procesului de gândire. Scrisul lui la Melia îmbină corespondența, intimitatea și incantațiile într-o încercare de a înțelege mai bine dorințele și nemulțumirile. Nice Poem (2017) face un studiu indexic al lingușirii, instrumentalizării sociale și feminismului liberal; ea explică faptul că „aceste lucrări au fost foarte directe și emoționale și documentează mici cazuri de violență structurală, motive ascunse, narcisism și așa mai departe.”Alături de un spectacol din 2012 la Exercise din Vancouver, la Melia a inaugurat pagina vaporilor, o publicație al cărei titlu împrumută un termen arhaic pentru melancolia Feminină. „Am colectat scris, care este produs sau ia forma în mod necesar moduri digresive. Dilatarea în și în afara focalizării.”Colaboratorilor ei li s-au dat două solicitări: o parafrază a lui W. G. Sebald, „când eliberezi un câine într-un câmp, acesta nu merge niciodată în linie dreaptă” și un non sequitur într-un vis pe care Freud și-l amintea greșit: „sunt hrănit bucăți de tort, căpșuni și linguri de terci.”De asemenea pictor, la Melia a câștigat competiția Canadiană de pictură RBC din 2014. Ea este acum corralling contribuții pentru pagina vaporilor 2 și pregătește o carte de poezie cu talon Books.
Juli Maier, picior (detaliu), 2017. Carte de benzi desenate. Curtoazie DDOOGG.
Juli Majer
benzile desenate ale lui Juli Majer pot introduce cititorii în alte forme de viață și în alte lumi, dar ea nu furnizează escapism. „Nu mă interesează atât de mult utopiile”, spune Majer. În timp ce călătoriile intergalactice sunt grandioase, narațiunile nuanțate ale lui Majer sunt interesate de detaliile pragmatice ale acestor alte lumi. „Care sunt viețile de zi cu zi ale personajelor din alte lumi? Ce se normalizează pe alte planete?”Întrebările ei practice se referă în cele din urmă la modul în care se formează un subiect social. Această curiozitate a obligat-o să înceapă să dezvolte un sistem de educație pentru societatea descrisă în Leg (2017), care a fost publicat de DDOOGG, o mică presă pe care o conduce în Vancouver cu Tylor Macmillan și Cristian Hernandez. Deși există curente de antropologie speculativă în opera ei, narațiunile lui Majer sunt, de asemenea, ocupate de modul în care putem medita asupra relațiilor personale. Oamenii au părăsit această planetă pentru a o privi din spațiu în încercarea de a o măsura și înțelege; Majer spune că „oamenii sunt la fel ca planetele, le putem studia, încercăm să comunicăm cu ele, dar nu vom înțelege niciodată cu adevărat ce se întâmplă.”Și, pentru ea, necunoașterea oamenilor ca planete poate fi eliberatoare atunci când luăm în considerare modul în care acest lucru extinde posibilitatea de exprimare. „Publicarea creează spațiu personal și îmi permite să iau legătura cu narațiuni autentice și oneste cu mine”, spune ea. „Se adâncește o gaură, și face un spațiu mai mare.”
Gabi Dao, ghemuit într-o spirală, 2017. Polistiren frezat CNC, rășină, umplutură de lemn, micas, pigmenți și argile naturale. Dimensiuni variabile.
Curtoazie Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
artistul Vancouver Gabi Dao scrie pentru a se angaja în contextul social care îi informează practica artistică. Scriind despre muzică, ea evaluează condițiile contemporane ale circulației sale, inclusiv indivizii și identitățile, implicate și articulate de industria muzicală și platformele media. „Majoritatea scrierilor muzicale servesc la regurgitarea experienței muzicii,
, dar nu vorbește niciodată direct despre circumstanțele subiacente în care a fost produsă muzica”, mi-a spus ea. În Whitney Houston, și colab., o colecție recentă de Eseuri despre muzica populară editată de Casey Wei, Dao scrie despre M. I. A. prin lentila lui Trinh T. Minh-ha și Hito Steyerl. De asemenea, a scris despre o fantezie în Surrey, un album compus de Ellis Sam (la fel) în întregime în Biblioteca Publică din Surrey. „Pentru mine, scrisul a fost cel mai direct Mod de a strânge împreună aceste lucruri nebuloase pentru a da o oarecare vizibilitate lui Ellis și operei sale, în care cred cu adevărat.”În calitate de rezidentă la Frontul de Vest din Vancouver, a lansat o serie de podcast-uri numită Here Nor There. Ea consideră că este un experiment în publicarea orală care încurajează conversațiile despre designul de sunet și muzică între artiști, scriitori și producători. „A fost felul meu de a spune:” Uite, nu toată arta trăiește într-o galerie, nu toată arta este făcută într-un studio”, explică Dao. „De ce privilegiem aceste spații?”Ea împarte în mod regulat timpul care ar fi în mod obișnuit dedicat practicii sale sculpturale pentru a lucra la proiecte discursive, subliniind o schimbare în ceea ce face un artist receptiv, agil și prezent în munca și comunitatea sa artistică. „Nu este suficient să exersez doar în studioul meu.”
Stacey Ho și Julia Aoki, cum să sapi o gaură, 2015. Performanță, 15 minute.
Stacey Ho
nu cu mult timp în urmă, artistul și scriitorul Vancouver Stacey Ho citea despre iarbă: „descrie iarba ca fiind primii colonizatori, pe care creierul meu o transforma într-o metaforă anti—colonială-iarba ca un „remediu timpuriu” al impactului pe care oamenii l-au avut asupra pământului, un umil vindecător.”Acea piesă pe iarbă care cere răzbunare pentru interferența umană în lumea naturală a fost un avantaj de bun augur pentru Ho, ale cărui lucrări recente iau forma unor spectacole bazate pe conversație concepute pentru a întinde rezonanța interpretativă a limbajului. În Bird is Bird (2016), Ho a găzduit conversații în limba germană care i-au întrebat pe participanți dacă vorbesc bird, purple, green sau stone. How to sape a Hole (2015), un text colaborativ și o prelegere performativă cu Julia Aoki, a extins geometria unei găuri pentru a spune o poveste prin scrierea formelor. „Treceți printr-o poveste pentru a ajunge la alta, pentru a găsi o altă tangentă care formează o formă invizibilă”, scrie Ho. Iarna trecută, Recenzia Capilano a publicat nuvela lui Ho „Casa Verde”, unde motivul ei de iarbă și-a găsit în cele din urmă locul. Povestea descrie oscilația dintre viața cotidiană banală a lui Marlene care are grijă de soțul ei bolnav și relația ei cu un fugar asertiv sexual, dar grijuliu, Al. Scrisul lui Ho evocă peisajul familiar al unui restaurant de pe marginea drumului sau al unui spațiu domestic încărcat de plante, cu o precizie cinematografică la detalii, în special în încadrarea corpurilor. Cu toate acestea,” Casa Verde ” este, de asemenea, presărată cu realism magic. Imaginea lui Ho reprezintă modul în care corpurile umane sunt afectate în mod egal de forțele naturii și de supranatură și de greutatea interfațării cu necunoscutul.
Sharona Franklin, Femeie Dispărută, 2016. Fir de lână, acrilic, lemn și bumbac, 1,49 x 1,18 m. curtoazie/fotografie: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
artistul din Vancouver Sharona Franklin folosește vocabularul birocrației și biotehnologiei pentru a articula experiența trăită a unui corp modelat de aceste forțe. „Lucrul despre biotehnologie este că ar trebui să conteze pentru toată lumea”, explică ea. „Ideea că suntem separați de lumea chimică nu are sens.”Bod-ul de închiriere de cărți al lui Franklin din 2016 este o acumulare de fotografii de telefon mobil și schițe de tablete, imagini colectate, cerneală sumi-e și desene Sharpie, scanări digitale cu note iPhone și scanări de text pictat. „Lucrez pentru a circula mitologii personale ale biomedicinei, genului, botanicii și sistemelor retorice, teologice și birocratice”, spune ea. Pentru Franklin, anatomiile acestei cărți pot fi citite ca analoge unui corp: multe părți fac un întreg și imaginile pot fi o coajă exterioară, în timp ce cuvintele curg sub imagini pentru a energiza imaginile. Este o strategie care se străduiește să avanseze accesibilitatea și înțelegerea în moduri holistice care se pliază în viața ei ca femeie cu dizabilități: „Mi-ar plăcea ca propriile mele idei și scrieri să stea singure de faptul că am o dizabilitate”, spune ea, ” dar și să recunoască influența propriilor mele experiențe în cadrul acestor sisteme și cât de alienantă poate fi dizabilitatea pentru femei.”Franklin își înregistrează adesea lucrările de proză pentru persoanele cu deficiențe de vedere și speră să le traducă în Braille.
Alexandra Bischoff, Sala de recitire: Librăria pentru femei Din Vancouver (1973-1996) (detaliu), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
vara trecută, Alexandra Bischoff a dezgropat primul catalog de inventar al librăriei pentru femei Din Vancouver. Un punct focal al rețelei feministe a orașului când a fost deschisă în 1973, librăria a supraviețuit trei spargeri, o bombă de foc și două relocări, apoi închisă în 1996. Pentru recitirea camerei (2016-18), Bischoff reasamblează stocul original al magazinului cât mai aproape posibil, creând o istorie vie pentru ca artiștii și activiștii să ocupe și să reinterpreteze. O declarație pe ultima pagină a catalogului proiectului citește: „a face acest catalog a fost groaznic, tho am / citit mai mult decât în ultimii 2 ani: / citit în pat pe toaletă la masă pe autobuz. / a lucrat perioade de timp nebunești, / supraviețuind pe cookie-uri & iaurt & supă de ouă verde / mazăre cu gândaci în ea. / nu am dormit decât ocazional, pe / podelele oamenilor, ghemuite în pungi / sub ochii mei. numele meu este jeannine mitchell & n-aș visa să uit să șterpelesc tot ce pot de pe chestia asta blestemată. promit să nu o mai fac niciodată.”Pasajul a fost formativ pentru Bischoff în gândirea citirii ca un exercițiu de rezistență mai degrabă decât de plăcere și ca text ca o scenă pregătită pentru performanță. Bischoff cercetează în prezent viața Joannei Hiffernan-cunoscută în mare parte pentru respingerea lui Whistler după ce a pozat pentru Courbet ‘S L’ Origine du monde (1866)—pentru o performanță durațională care subminează înțelegerea îngustă a modelului și a Muzei. Este un act de amintire întruchipată care dezvăluie o intimitate textuală profund simțită cercetării. „Există o tandrețe pe care o simt”, spune ea despre proiect. „Nu este neapărat nostalgie, ci conservare pentru ceva care anterior era invizibil.”
Byron Peters și Tyler Coburn, rezonator< / em (detaliu), 2016-17. Fișier Zip, takeaway și diagrame, dimensiuni variabile.
Byron Peters
Byron Peters pretinde a fi un scriitor lent. Nu din cauza vitezei sale de scriere literală, ci pentru că scrisul său apare adesea dintr-o investigație colaborativă prelungită sau „experiment de gândire”.””Multe dintre proiectele de scriere la care am lucrat sunt colaborări care se desfășoară uneori de-a lungul anilor”, spune Peters, care lucrează în Vancouver. Resonator (2016-17), un proiect în mai multe părți cu Tyler Coburn, se bazează pe o anecdotă despre Nikola Tesla aproape distrugând o clădire parțial construită în timp ce își testa mașina de cutremur pe Wall Street. Pe parcursul unei lungi corespondențe prin e-mail, Peters și Coburn au generat un fișier zip care conține imagini, cântece, GIF-uri și două texte conexe: o poezie altoită peste schemele pentru un computer de tranzacționare de mare viteză și o scurtă poveste. Povestea, care a fost expusă ca un teanc de postere gratuite în „casa prafului D ‘Alison Knowles” la Darling Foundry din Montreal vara trecută, descrie o sală de lucru într-o fabrică care produce frecvențe rezonante care îi determină pe muncitori să leșine și să aibă viziuni. În timpul expoziției, fișierul zip al artiștilor a fost, de asemenea, atașat la buletinul informativ al galeriei, spam-ul efectiv al Muzeului listserv cu lucrările lor de artă. Rezonatorul este o lucrare care se contractă și se extinde în mai mulți termeni: decomprimând ani de dialog într-un fișier zip, dezarhivând un atașament de e-mail, ridicând un poster la o galerie, citind o scurtă poveste. Circulă ca un multiplu polimorf—ușor de împărțit și, prin urmare, dificil de cenzurat.
Anahita Jamali Rad, aceasta este o hartă, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali rad vrea să distrugă capitalismul, așa că de ce a început o linie de îmbrăcăminte? Frica de intimitate este o formă hibridă de publicare, îmbrăcăminte și artă publică. Reapare o întrebare centrală din cartea ei de poezie din 2016, pentru dragoste și autonomie: ce înseamnă să sculptezi suveranitatea sub capitalismul târziu? De teama intimității, acronimele „STFU” și ” FTP ” se află acolo unde un logo ar fi în mod normal inscripționat pe o pereche de șosete sport. Un tricou scrie: „nu ești prietenul meu” – un refuz de a umfla moneda prieteniei traficate pe social media. Dacă textul mușcă și declarațiile se înregistrează ca rasfatat sau indignat, s-ar putea să fie pentru că nu sunteți la curent cu înstrăinarea care ne provoacă, contradicțiile dintre principiile politice și supraviețuirea economică și extinderea solidarității în fiecare act de exprimare. „Este vorba despre a face explicit că asta este capitalismul, imperialismul, colonialismul, supremația albă, sexismul etc., fă-ne să ne simțim, așa că hai să ne regăsim și să relaționăm, să ne simțim puțin mai bine, astfel încât să putem face ceva în acest sens”, explică Jamali Rad, care s-a născut în Iran și locuiește acum în Montreal. Îmbrăcămintea oferă purtătorului o modalitate de a-și ascunde nemulțumirea la vedere, dar ne oferă și capacitatea de a ne observa reciproc. „Dacă nu sunteți complet în afara rețelei, nu există nici un fel în care să nu fiți comercializați. Și nu sunt genul care să se descurce. Îmi place să fiu în preajma altor oameni”, spune ea. După cum scrie pe prima pagină a Pentru dragoste și autonomie, „” eu „este întotdeauna neapărat un „noi”.”Jamali Rad este la fel de elocventă pe cât de tactică în invitația ei de a compătimi împreună—fie prin Poezie, fie printr-un tricou dulce.
Casey Wei, AK002 tulbure-X.O. Fecioara Bou, 2016. Casetă și chapbook (cu zgomot roz de cafea Instant).
Casey Wei
Casey Wei este o femeie renascentistă. Ea a jucat în benzile de primăvară târziu și tulbure, curatoriat pentru art rock? seria de concerte, a regizat un videoclip muzical pentru Destroyer ca Karen Zolo, a operat Karaoke Music Video Maker Free Store și conduce eticheta de muzică și materiale tipărite Agony Klub. Dar, după cum mi-a spus, „tot ceea ce fac vine din scrisul meu.”Agony Klub este numit după un cazinou subteran dintr-un roman Raymond Chandler. „K” este o referință încorporată la regizor Rainer Werner Fassbinder, iar în forma sa prescurtată, AK invocă și documentarul lui Chris Marker despre Akira Kurosawa. Acest sortiment de gusturi personale în film și literatură expune o construcție de sens care seamănă mai mult cu o operă de artă decât cu un mandat pentru un editor sau editor. Ca artist, Wei nu scrie pentru a publica, ci pentru a articula cum și de ce cuvintele se acumulează din impulsuri organice. În decembrie 2017, a publicat o carte de meditații despre cineastul Yasujiro Ozu, Anotimpurile lui Ozu, cu Blank check Press, pe care a citit-o alături de o proiecție a buruienilor plutitoare ale lui Ozu la camera de rezervă din Vancouver. „Când am văzut primul meu Film Ozu, m-a dus la ideea” sintaxei „filmelor sale, acea fixare pe limbaj, structură, gramatica a ceva”, spune Wei. „Nu mă gândesc la ceea ce fac în termeni de „texte”. Atribuim narațiune tuturor lucrurilor, este în natura noastră să căutăm modele.”
această postare este adaptată din articolul de lung metraj „bazat pe Text”, susținut cu generozitate de RBC în numărul de primăvară 2018 al Canadian Art. RBC se angajează cu pasiune să sprijine artiștii emergenți din Canada și la nivel internațional și este mândru să colaboreze cu arta Canadiană în această serie Spotlight.