generosamente apoiado por RBC
Fabiola Carranza
a prática de Fabiola Carranza se preocupa com a reformulação espacial da linguagem. Projetos recentes assumem a forma de sinalização vernacular em espanhol e Inglês, apresentando-se como obras de texto secas e in situ. Mas o que está seco não é necessariamente seco. Em uma comissão de arte pública de 2016, Seven Signs, Carranza espalhou sinais de trânsito simulados com base em trechos de fala de histórias em quadrinhos vintage na orla de Seattle. Essas declarações descontextualizadas— ” ar!, “”Motim!, “ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL”, entre outros—colocou pistas narrativas de outra forma não ponderadas ao longo do curso rotineiro de um caminho turístico. Carranza recontextualiza a linguagem a partir de fontes históricas que derivam de sua abordagem de pesquisa para leitura, escrita e tradução. “Eu diria que a escrita acontece primeiro, ou é o primeiro passo para conceber um projeto”, diz ela, ” mas a equação é fluida.”O poema pronto de Carranza, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetiza as 20 respostas possíveis oferecidas por uma bola mágica de 8. O título da obra é um aceno para a década de 1950 fortunetelling toy’s precursor, inventado por Albert C. Carter e baseado em um instrumento de escrita espiritual desenvolvido por sua mãe clarividente durante a Segunda Guerra Mundial. Esta história é destilada por Carranza em um índice de respostas opacas definidas em cianótipo de tons pretos. Leia em verso, o tom não comprometido das respostas das ações do 8-Ball expõe sua origem duvidosa na ansiedade em tempo de guerra. Ao mesmo tempo, o trabalho aponta a natureza maleável da linguagem para moldar a crença, sugerindo, talvez, que a verdade é, em última análise, uma questão de convicção e chance.
Tiziana La Melia, página de vapores (detalhe), 2012. Fotocópia com tinta única em capas de pergaminho e inserção de risógrafo por Ryan Smith, 42 páginas.
Tiziana La Melia
“eu estava oscilando entre focar na escrita ou no visual e, de alguma forma, cheguei ao ponto de não ter que escolher um sobre o outro”, diz a artista De Vancouver Tiziana La Melia
de sua abordagem digressiva. “Escrever nunca foi algo em que me senti especialmente forte ou bom, mas foi algo que me pareceu necessário para a minha sanidade.”É também uma extensão de seu trabalho visual, exibindo diferentes aspectos de sua pesquisa e processo de pensamento. A escrita de La Melia combina correspondência, intimidade e encantamentos na tentativa de entender melhor os desejos e as queixas. Bom Poema (2017) faz um indicador de estudo de lisonja, social instrumentalização e feminismo liberal; ela explica que “essas obras têm sido muito direto e emocional, e documento pequenas ocorrências de violência estrutural, segundas intenções, narcisismo e assim por diante. Ao lado de um show de 2012 em exercício em Vancouver, La Melia inaugurou página de vapores, uma publicação cujo título empresta um termo arcaico para melancolia feminina. “Eu coletei a escrita que é produzida ou toma forma de maneiras necessariamente digressivas. Dilatação dentro e fora de foco.”Seus colaboradores foram dadas duas perguntas: uma paráfrase de W. G. Sebald, “Quando você soltar um cão em um campo, ele nunca vai em linha reta”, e um non sequitur em um sonho que Freud misremembered: “estou farto bocados de bolo de morangos e colheradas de mingau. Também pintor, La Melia ganhou o concurso de pintura Canadense RBC 2014. Ela agora está encurralando contribuições para Page of Vapours 2 e preparando um livro de poesia com Talon Books.
Juli Maier, perna (detalhe), 2017. Quadro. Cortesia DDOOGG.Os quadrinhos de Juli Majer podem apresentar aos leitores outras formas de vida e outros mundos, mas ela não está fornecendo escapismo. “Não estou tão interessado em utopias”, diz Majer. Embora a viagem intergaláctica seja grandiosa, as narrativas matizadas de Majer estão interessadas nos detalhes pragmáticos desses outros mundos. “Quais são as vidas diárias dos personagens em outros mundos? O que é normalizado em outros planetas?”Suas questões práticas estão, em última análise, preocupadas com a forma como um sujeito social é formado. Essa curiosidade a obrigou a começar a desenvolver um sistema educacional para a sociedade retratada em Leg (2017), que foi publicado por DDOOGG, uma pequena imprensa que ela dirige em Vancouver com Tylor Macmillan e Cristian Hernandez. Embora existam correntes de Antropologia especulativa em seu trabalho, as narrativas de Majer também estão ocupadas com a forma como podemos meditar sobre as relações pessoais. Os humanos deixaram este planeta para olhá-lo do espaço na tentativa de medi-lo e entendê-lo; Majer diz que “as pessoas são como planetas, podemos estudá-los, tentar se comunicar com eles, mas nunca entenderemos realmente o que está acontecendo.”E, para ela, a incognoscibilidade das pessoas como planetas pode ser libertadora quando consideramos como isso amplia a possibilidade de expressão. “A publicação cria espaço pessoal e me permite entrar em contato com narrativas que são genuínas e honestas para mim”, diz ela. “Ele aprofunda um buraco e torna um espaço maior.”
Gabi Dao, enrolado em espiral, 2017. Poliestireno fresado CNC, resina, enchimento de madeira, micas, pigmentos e argilas naturais. Dimensões variáveis.
Cortesia Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
a artista De Vancouver Gabi Dao escreve para se envolver com o contexto social que informa sua prática artística. Ao escrever sobre música, ela avalia as condições contemporâneas de sua circulação, incluindo os indivíduos e identidades, envolvidos e articulados pela indústria da música e plataformas de mídia. “A maioria das composições musicais serve para regurgitar a experiência da música, mas nunca fala diretamente sobre as circunstâncias subjacentes em que a música foi produzida”, disse ela. Em Whitney Houston, et al., uma recente coleção de ensaios sobre música popular editada por Casey Wei, Dao escreve sobre M. I. A. através das lentes de Trinh T. Minh-ha e Hito Steyerl. Ela também escreveu sobre uma fantasia em Surrey, um álbum composto por Ellis Sam (mesmo mesmo) inteiramente na Biblioteca Pública De Surrey. “Para mim, escrever era a maneira mais direta de juntar essas coisas nebulosas para dar alguma visibilidade a Ellis e seu trabalho, no qual eu realmente acredito.”Como residente na frente ocidental de Vancouver, ela lançou uma série de podcast chamada Here Nor There. Ela considera um experimento de publicação oral que incentiva conversas sobre design de som e música entre artistas, escritores e produtores. “Era a minha maneira de dizer: ‘olha, nem toda a arte vive em uma galeria, nem toda a arte é feita em um estúdio'”, explica Dao. “Por que continuamos privilegiando esses espaços?”Ela divide regularmente o tempo que normalmente seria dedicado à sua prática escultórica para trabalhar em projetos discursivos, ressaltando uma mudança no que torna um artista receptivo, ágil e presente em seu trabalho e comunidade artística. “Não é suficiente apenas praticar no meu estúdio.”
Stacey Ho e Julia Aoki, como cavar um buraco, 2015. Desempenho, 15 minutos.
Stacey Ho
não muito tempo atrás, Vancouver artista e escritor Stacey Ho estava lendo sobre grama: “descreve a grama como os primeiros colonizadores, que meu cérebro estava se transformando em uma metáfora anticolonial-a grama como um ‘remediador inicial’ do impacto que os humanos tiveram na terra, um curador humilde.”Aquele jogo na grama exigindo retribuição pela interferência humana no mundo natural foi uma liderança auspiciosa para Ho, cujas obras recentes assumem a forma de performances baseadas em conversas projetadas para esticar a ressonância interpretativa da linguagem. Em Bird is Bird (2016), Ho organizou conversas em alemão que perguntavam aos participantes se falavam pássaro, roxo, verde ou pedra. Como cavar um buraco (2015), um texto colaborativo e palestra performativa com Julia Aoki, expandiu a geometria de um buraco para contar uma história através da escrita de formas. “Caia em uma história para chegar a outra, para encontrar outra tangente que forma uma forma invisível”, Escreve Ho. No inverno passado, a Capilano Review publicou o conto de Ho “Green House”, onde seu motivo de grama acabou encontrando seu lugar. A história retrata a oscilação entre a vida cotidiana mundana de Marlene cuidando de seu marido doente e seu relacionamento com um fugitivo sexualmente assertivo, mas atencioso, Al. A escrita de Ho evoca o cenário familiar de um restaurante à beira da estrada ou um espaço doméstico carregado de plantas com uma precisão cinematográfica aos detalhes, especialmente no enquadramento de corpos. No entanto,” Green House ” também é salpicado de realismo mágico. As imagens de Ho representam como os corpos humanos são uniformemente afetados pelas forças da natureza e da supernatura, e o peso da interface com o desconhecido.
Sharona Franklin, Missing WoMans, 2016. Lã, acrílico, madeira e Fio de algodão, 1,49 x 1,18 M. cortesia / foto: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
a artista De Vancouver Sharona Franklin emprega o vocabulário da burocracia e da biotecnologia para articular a experiência vivida de um corpo moldado por essas forças. “A questão da biotecnologia é que ela deve importar para todos”, explica ela. “A ideia de que estamos separados do mundo químico não faz sentido.”O Bod de aluguel de livros de Franklin 2016 é um acúmulo de fotos de celulares e esboços de Tablets, imagens coletadas, desenhos de tinta sumi-e e Sharpie, digitalizações digitais com notas de iPhone e digitalizações de texto pintado. “Trabalho para circular mitologias pessoais de Biomedicina, gênero, botânica e sistemas retóricos, teológicos e burocráticos”, diz ela. Para Franklin, As anatomias deste livro podem ser lidas como análogas a um corpo: muitas partes fazem um todo e as imagens podem ser uma concha externa, enquanto as palavras seguem abaixo das imagens para energizar os visuais. É uma estratégia que se esforça para promover a acessibilidade e a compreensão de maneiras holísticas que se dobram em sua vida como uma mulher com deficiência: “Eu gostaria de minhas próprias idéias e escrever a autônomo a partir do fato de que eu tenho uma deficiência física”, diz ela, “mas também a reconhecer a influência de minhas próprias experiências dentro destes sistemas, e como alienante deficiência pode ser para as mulheres. Franklin frequentemente grava seus trabalhos em prosa para deficientes visuais e espera tê-los traduzidos em Braille.Alexandra Bischoff, Rereading Room: The Vancouver Women’s Bookstore (1973-1996) (detalhe), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.No verão passado, Alexandra Bischoff descobriu o primeiro catálogo de inventário da Livraria feminina de Vancouver. Um ponto focal da rede feminista da cidade quando foi inaugurada em 1973, a Livraria sobreviveu a três invasões, um bombardeio e duas realocações, depois fechada em 1996. Para reler Room (2016-18), Bischoff remonta o estoque original da loja o mais próximo possível, criando uma história viva para artistas e ativistas ocuparem e reinterpretarem. Uma declaração na última página do Catálogo do projeto diz: “fazer este catálogo foi horrível , tho eu tenho / mais leitura feita do que nos últimos 2 anos: / lendo na cama no banheiro na mesa no ônibus. / trabalhou trechos insanos de tempo, / sobrevivendo em biscoitos & iogurte & sopa de ovo verde / ervilha com baratas nele. / não dormia, exceto ocasionalmente, no chão das pessoas, enrolado nas bolsas / sob meus olhos. / meu nome é jeannine mitchell & eu não / sonho em esquecer de scrounge o que / Crédito que eu posso fora desta maldita coisa. eu prometo / nunca mais fazer isso.”A passagem foi formativa para Bischoff em pensar na leitura como um exercício de resistência em vez de prazer, e como texto como um palco para a performance. Bischoff está atualmente pesquisando a vida de Joanna Hiffernan—amplamente conhecida por rejeitar Whistler depois de posar para L’origine du monde (1866) de Courbet—para uma performance duracional que subverte a estreita compreensão do modelo e do muse. É um ato de lembrança incorporada que revela uma intimidade textual profundamente sentida à pesquisa. “Há uma ternura que sinto”, diz ela sobre o projeto. “Não é necessariamente nostalgia, mas preservação de algo que antes era invisível.”
Byron Peters e Tyler Coburn, ressonador</em (detalhe), 2016-17. Arquivo Zip, takeaway e diagramas, dimensões variáveis.
Byron Peters
Byron Peters afirma ser um escritor lento. Não por causa de sua velocidade de escrita literal, mas porque sua escrita muitas vezes emerge de uma investigação colaborativa prolongada, ou “experimento de pensamento.”Muitos dos projetos de escrita em que trabalhei são colaborações que às vezes se desenrolam ao longo dos anos”, diz Peters, que trabalha em Vancouver. Ressonador (2016-17), um projeto de várias partes com Tyler Coburn, é baseado em uma anedota sobre Nikola Tesla quase destruindo um edifício parcialmente construído enquanto testava sua máquina de terremoto em Wall Street. Ao longo de uma longa correspondência de E-mail, Peters e Coburn geraram um arquivo zip contendo imagens relacionadas, músicas, GIFs e dois textos: um poema enxertado sobre os esquemas para um computador comercial de alta velocidade e um conto. A história, que foi exibida como uma pilha de pôsteres gratuitos em” The House of Dust D’Alison Knowles ” na Darling Foundry em Montreal no verão passado, retrata uma sala de trabalho em uma fábrica produzindo frequências ressonantes que fazem com que os trabalhadores desmaiem e tenham visões. Durante a exposição, O arquivo zip dos artistas também foi anexado ao boletim informativo da galeria, efetivamente enviando spam ao listserv do museu com suas obras de arte. Ressonador é um trabalho que se contrai e se expande em muitos termos: descomprimir anos de diálogo em um arquivo zip, descompactar um anexo de E-mail, pegar um pôster em uma galeria, ler um conto. Ele circula como um múltiplo polimórfico-facilmente compartilhado e, portanto, difícil de censurar.
Anahita Jamali Rad, este é um mapa, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad quer destruir o capitalismo, então por que ela começou uma linha de roupas? O medo da intimidade é uma forma híbrida de publicação, vestuário e arte pública. Ressurge uma questão central de seu livro de poesia de 2016, por amor e Autonomia: o que significa esculpir a soberania sob o capitalismo tardio? Com medo da intimidade, as siglas “STFU” e “FTP” residem onde um logotipo normalmente seria estampado em um par de meias esportivas. Uma camiseta diz: “Você não é meu amigo”—uma recusa em inflar a moeda de simpatia traficada nas redes sociais. Se o texto morde e as declarações se registram como malcriadas ou indignadas, pode ser porque você não está a par da alienação que nos atrai, das contradições entre princípios políticos e sobrevivência econômica e da extensão da solidariedade em cada ato de expressão. “Trata-se de tornar explícito que é isso que capitalismo, imperialismo, colonialismo, supremacia branca, sexismo, etc., nos faça sentir, então vamos nos encontrar e nos relacionar, nos sentir um pouco melhor para que possamos realmente fazer algo a respeito”, explica Jamali Rad, que nasceu no Irã e agora mora em Montreal. A roupa dá ao usuário uma maneira de esconder seu descontentamento à vista de todos, mas também nos dá a capacidade de nos identificar. “A menos que você esteja completamente fora da rede, não há como você não estar sendo mercantilizado. E eu não sou realmente o tipo fora da grade. Eu meio que gosto de estar perto de outras pessoas”, diz ela. Como ela escreve na primeira página de For Love and Autonomy, “‘ eu ‘é sempre necessariamente um’ nós.”Jamali Rad é tão eloquente quanto tática em seu convite para lamentar juntos—seja através da poesia ou de uma camiseta doce.
Casey Wei, AK002 hazy-X. O. Virgo Ox, 2016. Fita cassete e chapbook (com ruído rosa por café instantâneo).Casey Wei é uma mulher Renascentista. Ela tocou nas bandas no final da primavera e hazy, com curadoria de The art rock? série de concertos, dirigiu um videoclipe para Destroyer como Karen Zolo, operou o Karaoke Music Video Maker Free Store, e ela dirige o rótulo de música e material impresso Agony Klub. Mas como ela me disse, ” tudo o que faço vem da minha escrita.”Agony Klub tem o nome de um cassino subterrâneo de um romance de Raymond Chandler. O” K ” é uma referência incorporada ao cineasta Rainer Werner Fassbinder, e em sua forma abreviada, AK também invoca o documentário de Chris Marker sobre Akira Kurosawa. Essa variedade de gostos pessoais no cinema e na literatura expõe uma construção de significado que se assemelha mais a uma obra de arte do que a um mandato para um editor ou editor. Como artista, Wei não escreve para publicar, mas para articular como e por que as palavras se acumulam a partir de impulsos orgânicos. Em dezembro de 2017, ela publicou um livro de meditações sobre o cineasta Yasujiro Ozu, temporadas de Ozu, com Cheque Em Branco imprensa, que ela leu ao lado de uma exibição de ervas daninhas flutuantes de Ozu no Spare Room em Vancouver. “Quando vi meu primeiro filme de Ozu, me levou à ideia da ‘sintaxe’ de seus filmes, essa fixação na linguagem, estrutura, gramática de algo”, diz Wei. “Não penso no que faço em termos de ‘textos.”Atribuímos narrativa a tudo, é da nossa natureza procurar padrões.”
este post é adaptado do artigo de recurso “baseado em texto”, generosamente apoiado pela RBC na edição da Primavera de 2018 da Canadian Art. A RBC está apaixonadamente comprometida em apoiar artistas emergentes em todo o Canadá e internacionalmente, e tem orgulho de fazer parceria com a Canadian Art nesta série Spotlight.