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Fabiola Carranza
La práctica de Fabiola Carranza se ocupa de reformular el lenguaje espacialmente. Los proyectos recientes toman la forma de señalización vernácula en español e inglés, presentándose como obras de texto secas in situ. Pero lo que está seco no necesariamente se seca. En una comisión de arte público de 2016, Seven Signs, Carranza esparció señales de tráfico simuladas basadas en extractos de discursos de cómics antiguos en el paseo marítimo de Seattle. Estas expresiones descontextualizadas— » ¡AIRE!,» «MOTÍN!», «ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL», entre otros, colocó señales narrativas que de otra manera no se considerarían a lo largo del curso rutinario de una ruta turística. Carranza recontextualiza el lenguaje a partir de fuentes históricas que surgen de su enfoque de investigación de la lectura, la escritura y la traducción. «Diría que la escritura ocurre primero, o es el primer paso para concebir un proyecto», dice, » pero la ecuación es fluida.»El poema ya hecho de Carranza, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetiza las 20 respuestas posibles ofrecidas por una bola mágica de 8. El título de la obra es un guiño al precursor del juguete adivino de la década de 1950, inventado por Albert C. Carter y basado en un instrumento de escritura espiritual desarrollado por su madre clarividente durante la Segunda Guerra Mundial. Esta historia es destilada por Carranza en un índice de respuestas opacas en cianotipo de tonos negros. Leído en verso, el tono no comprometido de las respuestas de stock de la bola 8 expone su dudoso origen en la ansiedad en tiempos de guerra. Al mismo tiempo, la obra señala la naturaleza maleable del lenguaje para dar forma a la creencia, sugiriendo, tal vez, que la verdad es, en última instancia, una cuestión de convicción y azar.
Tiziana La Melia, Página de Vapores (detalle), 2012. Fotocopia con tinta única sobre cubiertas de pergamino e inserto risográfico de Ryan Smith, 42 páginas.
Tiziana La Melia
«Había estado oscilando entre enfocarme en la escritura o en las imágenes, y de alguna manera llegué al punto de que no tenía que elegir una sobre la otra», dice la artista de Vancouver Tiziana La Melia
de su enfoque digresivo. «Escribir nunca fue algo en lo que me sentí especialmente fuerte o bueno, pero fue algo que sentí necesario para mi cordura.»También es una extensión de su trabajo visual, mostrando diferentes aspectos de su proceso de investigación y pensamiento. La escritura de La Melia combina correspondencia, intimidad y encantamientos en un intento de comprender mejor los deseos y las quejas. Nice Poem (2017) hace un estudio indexical de la adulación, la instrumentalización social y el feminismo liberal; explica que «estas obras han sido muy directas y emocionales, y documentan pequeños casos de violencia estructural, motivos ocultos, narcisismo, etc.»Junto a un espectáculo de 2012 en Exercise en Vancouver, La Melia inauguró Page of Vapours, una publicación cuyo título toma prestado un término arcaico para melancolía femenina. «Recopilé escritos que se producen o toman forma de manera necesariamente decreciente. Dilatando dentro y fuera de foco. A sus colaboradores se les dieron dos indicaciones: una paráfrasis de W. G. Sebald, «Cuando sueltas a un perro en un campo, nunca va en línea recta», y un non sequitur en un sueño que Freud recordó mal: «Me dan bocados de pastel, fresas y cucharadas de avena. También pintora, La Melia ganó el Concurso de Pintura Canadiense RBC 2014. Ahora está acorralando contribuciones para Page of Vapours 2 y preparando un libro de poesía con Talon Books.
Juli Maier, Pierna (detalle), 2017. Cómic. Cortesía DDOOGG.
Juli Majer
Los cómics de Juli Majer pueden introducir a los lectores a otras formas de vida y otros mundos, pero ella no está proporcionando escapismo. «No me interesan tanto las utopías», dice Majer. Mientras que los viajes intergalácticos son grandiosos, las narrativas matizadas de Majer están interesadas en los detalles pragmáticos de estos otros mundos. «¿Cuál es la vida cotidiana de los personajes en otros mundos? ¿Qué se normaliza en otros planetas?»Sus preguntas prácticas se refieren en última instancia a cómo se forma un sujeto social. Esta curiosidad la obligó a comenzar a desarrollar un sistema educativo para la sociedad retratada en Leg (2017), que fue publicada por DDOOGG, una pequeña prensa que dirige en Vancouver con Tylor Macmillan y Cristian Hernández. Si bien hay corrientes de antropología especulativa en su trabajo, las narrativas de Majer también se ocupan de cómo podemos meditar en las relaciones personales. Los humanos han dejado este planeta para mirarlo desde el espacio en un intento de medirlo y entenderlo; Majer dice que «las personas son como planetas, podemos estudiarlos, tratar de comunicarnos con ellos, pero nunca entenderemos realmente lo que está pasando.»Y, para ella, la incognoscibilidad de las personas como planetas puede ser liberadora cuando consideramos cómo esto extiende la posibilidad de expresión. «La publicación crea un espacio personal y me permite entrar en contacto con narrativas que son genuinas y honestas para mí misma», dice. «Profundiza un agujero y hace un espacio más grande.»
Gabi Dao, Enroscada en Espiral, 2017. Poliestireno fresado CNC, resina, relleno de madera, micas, pigmentos y arcillas naturales. Dimensiones variables.
Charla de arte de cortesía. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
La artista de Vancouver Gabi Dao escribe para interactuar con el contexto social que informa su práctica artística. Al escribir sobre música, evalúa las condiciones contemporáneas de su circulación, incluidos los individuos y las identidades, involucrados y articulados por la industria de la música y las plataformas de medios. «La mayoría de la composición musical sirve para regurgitar la experiencia de la música,
, pero nunca habla directamente de las circunstancias subyacentes en las que se produjo la música», me dijo. En Whitney Houston, et al., una colección reciente de ensayos sobre música popular editada por Casey Wei, Dao escribe sobre la M. I. A. a través de la lente de Trinh T. Minh-ha y Hito Steyerl. También ha escrito sobre A Fantasy in Surrey, un álbum compuesto por Ellis Sam (Same Same) en su totalidad en la Biblioteca Pública de Surrey. «Para mí, escribir era la forma más directa de unir estas cosas nebulosas para dar algo de visibilidad a Ellis y su trabajo, en el que realmente creo.»Como residente en el Frente Occidental de Vancouver, lanzó una serie de podcast llamada Here Nor There. Lo considera un experimento de publicación oral que fomenta las conversaciones sobre diseño de sonido y música entre artistas, escritores y productores. «Era mi manera de decir, ‘Mira, no todo el arte vive en una galería, no todo el arte se hace en un estudio'», explica Dao. «¿Por qué seguimos privilegiando estos espacios?»Regularmente divide el tiempo que normalmente se dedicaría a su práctica escultórica para trabajar en proyectos discursivos, subrayando un cambio en lo que hace que un artista sea receptivo, ágil y presente en su trabajo y comunidad artística. «No es suficiente con practicar en mi estudio.»
Stacey Ho y Julia Aoki, Cómo Cavar un agujero, 2015. Actuación, 15 minutos.
Stacey Ho
No hace mucho tiempo, la artista y escritora de Vancouver Stacey Ho estaba leyendo sobre hierba: «describe la hierba como los primeros colonizadores, que mi cerebro estaba convirtiendo en una metáfora anticolonial: la hierba como un ‘remediador temprano’ del impacto que los humanos han tenido en la tierra, un humilde sanador.»Ese juego en la hierba que exige una retribución por la interferencia humana en el mundo natural fue una pista auspiciosa para Ho, cuyas obras recientes toman la forma de actuaciones basadas en la conversación diseñadas para estirar la resonancia interpretativa del lenguaje. En Bird is Bird (2016), Ho organizó conversaciones en alemán que preguntaban a los participantes si hablaban pájaro, púrpura, verde o piedra. How to Dig a Hole (2015), un texto colaborativo y una conferencia performativa con Julia Aoki, amplió la geometría de un agujero para contar una historia a través de la escritura de formas. «Atraviesa una historia para llegar a otra, para encontrar otra tangente que forme una forma invisible», escribe Ho. El invierno pasado, la Revista Capilano publicó el cuento corto de Ho «Casa verde», donde su motivo de hierba finalmente encontró su lugar. La historia retrata la oscilación entre la vida cotidiana mundana de Marlene cuidando a su marido enfermo y su relación con un fugitivo sexualmente asertivo pero cariñoso, Al. La escritura de Ho evoca el escenario familiar de un restaurante al borde de la carretera o un espacio doméstico cargado de plantas con una precisión cinematográfica al detalle, especialmente en el encuadre de cuerpos. Sin embargo, «Casa Verde» también está salpicada de realismo mágico. Las imágenes de Ho representan cómo los cuerpos humanos se ven afectados de manera uniforme por las fuerzas de la naturaleza y la supernatura, y el peso de la interacción con lo desconocido.
Sharona Franklin, Mujeres desaparecidas, 2016. Lana, acrílico, madera e hilo de algodón, 1,49 x 1,18 m. Cortesía / Foto: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
La artista de Vancouver Sharona Franklin emplea el vocabulario de la burocracia y la biotecnología para articular la experiencia vivida de un cuerpo formado por estas fuerzas. «Lo que pasa con la biotecnología es que debería importarle a todos», explica. «La idea de que estamos separados del mundo químico no tiene sentido.»El libro de Franklin 2016 Rental Bod es una acumulación de fotos de teléfonos celulares y bocetos de tabletas, imágenes recopiladas, dibujos con tinta sumi-e y Sharpies, escaneos digitales con notas de iPhone y escaneos de texto pintado. «Trabajo para hacer circular mitologías personales de biomedicina, género, botánica y sistemas retóricos, teológicos y burocráticos», dice. Para Franklin, las anatomías de este libro se pueden leer como análogas a un cuerpo: muchas partes forman un todo y las imágenes pueden ser una envoltura externa, mientras que las palabras se dirigen debajo de las imágenes para energizar las imágenes. Es una estrategia que se esfuerza por mejorar la accesibilidad y la comprensión de manera holística que se integra en su vida como mujer con discapacidad: «Me gustaría que mis propias ideas y mis escritos se separaran del hecho de que tengo una discapacidad», dice, » pero también que reconocieran la influencia de mis propias experiencias dentro de estos sistemas y lo alienante que puede ser la discapacidad para las mujeres.»Franklin a menudo registra sus obras en prosa para personas con discapacidad visual y espera que se traduzcan al Braille.
Alexandra Bischoff, Sala de relectura: The Vancouver Women’s Bookstore (1973-1996) (detalle), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
El verano pasado, Alexandra Bischoff desenterró el primer catálogo de inventario de la Librería Femenina de Vancouver. Un punto focal de la red feminista de la ciudad cuando se inauguró en 1973, la librería sobrevivió a tres robos, una bomba incendiaria y dos reubicaciones, y luego cerró en 1996. Para Releer Room (2016-18), Bischoff vuelve a ensamblar el stock original de la tienda lo más cerca posible, creando una historia viva para que artistas y activistas la ocupen y reinterpreten. Una declaración en la última página del catálogo del proyecto dice:: «hacer este catálogo fue horrible, aunque hice / más lectura que en los últimos 2 años: / leer en la cama en el inodoro en la mesa en el autobús. / trabajó largos períodos de tiempo, / sobreviviendo con galletas & yogur & sopa de huevo verde / guisante con cucarachas. / no dormía excepto de vez en cuando, en / los pisos de la gente, acurrucado en las bolsas / bajo mis ojos. / mi nombre es jeannine mitchell & no soñaría con olvidarme de gorronear lo que sea / crédito que pueda de esta maldita cosa. prometo / nunca volver a hacerlo.»El pasaje fue formativo para Bischoff al pensar en la lectura como un ejercicio de resistencia en lugar de placer, y como texto como un escenario para la actuación. Bischoff está investigando actualmente la vida de Joanna Hiffernan, conocida en gran parte por rechazar a Whistler después de posar para L’Origine du monde de Courbet (1866), para una performance de duración que subvierte la estrecha comprensión de modelo y musa. Es un acto de recuerdo corporal que revela una intimidad textual profundamente sentida a la investigación. «Hay una ternura que siento», dice sobre el proyecto. «No es necesariamente nostalgia, sino preservación de algo que antes era invisible.»
Byron Peters y Tyler Coburn, Resonador< / em (detalle), 2016-17. Archivo zip, para llevar y diagramas, dimensiones variables.
Byron Peters
Byron Peters afirma ser un lento escritor. No por su velocidad de escritura literal, sino porque su escritura a menudo surge de una investigación colaborativa prolongada, o «experimento mental».»Muchos de los proyectos de escritura en los que he trabajado son colaboraciones que a veces se desarrollan a lo largo de los años», dice Peters, que trabaja en Vancouver. Resonator (2016-17), un proyecto de varias partes con Tyler Coburn, se basa en una anécdota sobre Nikola Tesla casi destruyendo un edificio parcialmente construido mientras probaba su máquina sísmica en Wall Street. A través de una larga correspondencia por correo electrónico, Peters y Coburn generaron un archivo zip que contenía imágenes relacionadas, canciones, GIF y dos textos: un poema injertado sobre los esquemas para una computadora de comercio de alta velocidad y una historia corta. La historia, que se exhibió como una pila de carteles gratuitos en «The House of Dust d’Alison Knowles» en Darling Foundry en Montreal el verano pasado, retrata un taller en una fábrica que produce frecuencias resonantes que hacen que los trabajadores se desmayen y tengan visiones. Durante la exposición, el archivo zip de los artistas también se adjuntó al boletín de la galería, enviando spam al servidor de listas del museo con sus obras de arte. Resonador es una obra que se contrae y se expande en muchos términos: descomprimir años de diálogo en un archivo zip, descomprimir un archivo adjunto de correo electrónico, recoger un póster en una galería, leer un cuento. Circula como un múltiple polimorfo, fácilmente compartido y, por lo tanto, difícil de censurar.
Anahita Jamali Rad, este es un mapa, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad quiere destruir el capitalismo, entonces, ¿por qué ha comenzado una línea de ropa? El miedo a la intimidad es una forma híbrida de publicación, ropa y arte público. Resurge una pregunta central de su libro de poesía de 2016, Por el Amor y la autonomía: ¿qué significa forjar soberanía bajo el capitalismo tardío? Por miedo a la intimidad, los acrónimos «STFU» y «FTP» residen donde un logotipo normalmente estaría estampado en un par de calcetines deportivos. Una camiseta dice: «no eres mi amigo», una negativa a inflar la moneda de la amistad traficada en las redes sociales. Si el texto muerde y las declaraciones se registran como malcriadas o indignadas, puede ser porque no estás al tanto de la alienación que nos quema, las contradicciones entre los principios políticos y la supervivencia económica, y la extensión de la solidaridad en cada acto de expresión. «Se trata de hacer explícito que esto es lo que el capitalismo, el imperialismo, el colonialismo, la supremacía blanca, el sexismo, etc., haznos sentir, así que encontrémonos y relacionémonos, sentirnos un poco mejor para que podamos hacer algo al respecto», explica Jamali Rad, que nació en Irán y ahora vive en Montreal. La ropa le da al usuario una manera de ocultar su descontento a plena vista, pero también nos da la capacidad de detectarnos unos a otros. «A menos que estés completamente fuera de la red, no hay manera de que no estés siendo mercantilizado. Y en realidad no soy del tipo fuera de la red. Me gusta estar cerca de otras personas», dice. Como escribe en la primera página de Por Amor y autonomía, » El ‘ yo ‘siempre es necesariamente un’ nosotros.»Jamali Rad es tan elocuente como táctica en su invitación a compadecerse juntos, ya sea a través de la poesía o una camiseta dulce.
Casey Wei, AK002 hazy-x.o. Virgo Ox, 2016. Cinta de casete y chapbook (con Ruido Rosa de Café Instantáneo).
Casey Wei
Casey Wei es una mujer renacentista. Ha tocado en las bandas Late Spring y hazy, comisariada para el art rock? serie de conciertos, dirigió un video musical para Destroyer como Karen Zolo, operó la tienda gratuita de Karaoke Music Video Maker, y dirige el sello de música y material impreso Agony Klub. Pero como me dijo, » Todo lo que hago viene de mi escritura.»Agony Klub lleva el nombre de un casino subterráneo de una novela de Raymond Chandler. La» K » es una referencia incrustada al cineasta Rainer Werner Fassbinder, y en su forma abreviada, AK también invoca el documental de Chris Marker sobre Akira Kurosawa. Esta variedad de gustos personales en el cine y la literatura expone una construcción de significado que se asemeja más a una obra de arte que a un mandato para un editor o editor. Como artista, Wei no escribe para publicar, sino para articular cómo y por qué las palabras se acumulan a partir de impulsos orgánicos. En diciembre de 2017, publicó un libro de meditaciones sobre el cineasta Yasujiro Ozu, Ozu’s Seasons, con Cheque en Blanco, que leyó junto con una proyección de Floating Weeds de Ozu en Spare Room en Vancouver. «Cuando vi mi primera película de Ozu, me llevó a la idea de la ‘sintaxis’ de sus películas, esa fijación en el lenguaje, la estructura, la gramática de algo», dice Wei. «No pienso en lo que hago en términos de ‘textos.»Asignamos narrativa a todo, está en nuestra naturaleza buscar patrones.»
Este post está adaptado del artículo de fondo «Basado en texto», generosamente apoyado por RBC en la edición de primavera de 2018 de Canadian Art. RBC está apasionadamente comprometido a apoyar a artistas emergentes en todo Canadá e internacionalmente, y se enorgullece de asociarse con Canadian Art en esta serie de Spotlight.