Généreusement soutenus par RBC
Fabiola Carranza
La pratique de Fabiola Carranza s’intéresse au recadrage spatial du langage. Les projets récents prennent la forme d’une signalétique vernaculaire en espagnol et en anglais, se présentant comme des œuvres textuelles sèches et in situ. Mais ce qui est sec n’est pas nécessairement séché. Dans une commande d’art public de 2016, Seven Signs, Carranza a dispersé des panneaux de signalisation simulés basés sur des extraits de discours de bandes dessinées vintage sur le front de mer de Seattle. Ces énoncés décontextualisés — « AIR!, « » MUTINERIE!, » »ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL », entre autres — placé des indices narratifs autrement non pris en compte le long du parcours routinier d’un sentier touristique. Carranza recontextualise le langage à partir de sources historiques qui découlent de son approche de recherche sur la lecture, l’écriture et la traduction. « Je dirais que l’écriture arrive en premier, ou est la première étape de la conception d’un projet », dit-elle, « mais l’équation est fluide. » Le poème prêt à l’emploi de Carranza, Syco-Seer, 1948 (2014), classe par ordre alphabétique les 20 réponses possibles offertes par un 8-Ball magique. Le titre de l’œuvre est un clin d’œil au précurseur du jouet de bonne aventure des années 1950, inventé par Albert C. Carter et basé sur un instrument d’écriture spirituelle développé par sa mère voyante pendant la Seconde Guerre mondiale. Cette histoire est distillée par Carranza dans un indice de réponses opaques défini en cyanotype aux tons noirs. Lu en vers, le ton sans engagement des réponses de stock du 8-Ball expose son origine douteuse dans l’anxiété en temps de guerre. En même temps, le travail met en évidence la nature malléable du langage pour façonner la croyance, suggérant peut-être que la vérité est finalement une affaire de conviction et de hasard.
Tiziana La Melia, Page des Vapeurs (détail), 2012. Photocopie à l’encre unique sur couvertures en parchemin et encart risographique de Ryan Smith, 42 pages.
Tiziana La Melia
» J’avais oscillé entre me concentrer sur l’écriture ou les visuels, et en quelque sorte je suis arrivée au point que je n’avais pas à choisir l’un plutôt que l’autre », explique l’artiste vancouvéroise Tiziana La Melia
à propos de son approche digressive. » L’écriture n’a jamais été quelque chose dans lequel je me sentais particulièrement fort ou bon, mais c’était quelque chose qui me semblait nécessaire pour ma santé mentale. » C’est aussi une extension de son travail visuel, montrant différents aspects de sa recherche et de son processus de pensée. L’écriture de La Melia mêle correspondance, intimité et incantations pour tenter de mieux comprendre les désirs et les griefs. Nice Poem (2017) fait une étude indexique de la flatterie, de l’instrumentalisation sociale et du féminisme libéral; elle explique que « ces œuvres ont été très directes et émotionnelles, et documentent de minuscules cas de violence structurelle, d’arrière-pensées, de narcissisme, etc. » Parallèlement à une exposition en 2012 à Exercise à Vancouver, La Melia a inauguré Page of Vapours, une publication dont le titre emprunte un terme archaïque à la mélancolie féminine. » J’ai recueilli des écrits qui sont produits ou qui prennent forme de manière nécessairement digressive. Dilatation dans et hors foyer. »Ses contributeurs ont reçu deux invites: une paraphrase de W.G. Sebald, « Quand vous relâchez un chien dans un champ, il ne va jamais en ligne droite », et un non sequitur dans un rêve que Freud a mal évoqué: « Je suis nourri de morceaux de gâteau, de fraises et de cuillerées de porridge. » Également peintre, La Melia a remporté le Concours de peinture canadienne RBC 2014. Elle corrige maintenant des contributions pour la Page de Vapeurs 2 et prépare un livre de poésie avec Talon Books.
Juli Maier, Jambe (détail), 2017. Dessinée. Avec l’aimable autorisation de DDOOGG.
Juli Majer
Les bandes dessinées de Juli Majer peuvent initier les lecteurs à d’autres formes de vie et à d’autres mondes, mais elle ne fournit pas l’évasion. » Les utopies ne m’intéressent pas tant que ça « , dit Majer. Alors que les voyages intergalactiques sont grandioses, les récits nuancés de Majer s’intéressent aux détails pragmatiques de ces autres mondes. » Quel est le quotidien des personnages dans d’autres mondes ? Qu’est-ce qui se normalise sur d’autres planètes? »Ses questions pratiques concernent en fin de compte la façon dont un sujet social se forme. Cette curiosité l’a obligée à commencer à développer un système d’éducation pour la société décrite dans Leg (2017), qui a été publié par DDOOGG, une petite presse qu’elle dirige à Vancouver avec Tylor Macmillan et Cristian Hernandez. Bien qu’il y ait des courants d’anthropologie spéculative dans son travail, les récits de Majer sont également occupés par la façon dont nous pouvons méditer sur les relations personnelles. Les humains ont quitté cette planète pour la regarder depuis l’espace dans le but de la mesurer et de la comprendre; Majer dit que « les gens sont comme des planètes, nous pouvons les étudier, essayer de communiquer avec eux, mais nous ne comprendrons jamais vraiment ce qui se passe. »Et, pour elle, l’inconnaissabilité des personnes en tant que planètes peut être libératrice lorsque nous considérons comment cela étend la possibilité d’expression. » L’édition crée un espace personnel et me permet d’entrer en contact avec des récits authentiques et honnêtes envers moi-même », dit-elle. « Cela approfondit un trou et agrandit un espace. »
Gabi Dao, Recroquevillé Dans une Spirale, 2017. polystyrène fraisé CNC, résine, remplisseur de bois, micas, pigments et argiles naturelles. Dimensions variables.
Courtesy Artspeak. Photo : Dennis Ha.
Gabi Dao
L’artiste de Vancouver Gabi Dao écrit pour s’engager dans le contexte social qui nourrit sa pratique artistique. En écrivant sur la musique, elle évalue les conditions contemporaines de sa circulation, y compris les individus et les identités, impliqués et articulés par l’industrie de la musique et les plateformes médiatiques. « La plupart des écrits musicaux servent à régurgiter l’expérience de la musique,
mais ils ne parlent jamais directement des circonstances sous-jacentes dans lesquelles la musique a été produite », m’a-t-elle dit. Dans Whitney Houston, et coll., une collection récente d’essais sur la musique populaire éditée par Casey Wei, Dao écrit sur M.I.A. à travers l’objectif de Trinh T. Minh-ha et Hito Steyerl. Elle a également écrit about A Fantasy in Surrey, un album composé par Ellis Sam (Same Same) entièrement à la Bibliothèque publique de Surrey. » Pour moi, l’écriture était le moyen le plus direct d’enchaîner ces choses nébuleuses afin de donner une certaine visibilité à Ellis et à son travail, auquel je crois vraiment. » En tant que résidente du Front Ouest de Vancouver, elle a lancé une série de balados intitulée Here Nor There. Elle considère qu’il s’agit d’une expérience d’édition orale qui encourage les conversations sur la conception sonore et la musique entre artistes, écrivains et producteurs. « C’était ma façon de dire: « Regardez, tout l’art ne vit pas dans une galerie, tout l’art n’est pas fait dans un studio », explique Dao. » Pourquoi continuons-nous à privilégier ces espaces ? » Elle partage régulièrement du temps qui serait normalement consacré à sa pratique sculpturale afin de travailler sur des projets discursifs, soulignant un changement dans ce qui rend un artiste réceptif, agile et présent dans son travail et sa communauté artistique. « Il ne suffit pas de simplement pratiquer dans mon studio. »
Stacey Ho et Julia Aoki, Comment creuser un trou, 2015. Représentation, 15 minutes.
Stacey Ho
Il n’y a pas si longtemps, l’artiste et écrivaine de Vancouver Stacey Ho lisait sur l’herbe: « décrit l’herbe comme les premiers colonisateurs, que mon cerveau retournait dans une métaphore anticoloniale — l’herbe comme un « remédiateur précoce » de l’impact que les humains ont eu sur la terre, un humble guérisseur. »Ce jeu sur l’herbe exigeant une rétribution pour l’ingérence humaine dans le monde naturel était une piste de bon augure pour Ho, dont les œuvres récentes prennent la forme de performances basées sur la conversation conçues pour étirer la résonance interprétative du langage. Dans Bird is Bird (2016), Ho a animé des conversations en allemand qui demandaient aux participants s’ils parlaient oiseau, violet, vert ou pierre. How to Dig a Hole (2015), un texte collaboratif et une conférence performative avec Julia Aoki, a élargi la géométrie d’un trou pour raconter une histoire à travers l’écriture de formes. « Passez à travers une histoire pour en arriver à une autre, pour trouver une autre tangente qui forme une forme invisible », écrit Ho. L’hiver dernier, la Revue Capilano a publié la nouvelle de Ho « Maison verte », où son motif d’herbe a finalement trouvé sa place. L’histoire dépeint l’oscillation entre la vie quotidienne banale de Marlene qui s’occupe de son mari malade et sa relation avec un fugitif sexuellement affirmé mais attentionné, Al. L’écriture de Ho évoque le décor familier d’un restaurant en bordure de route ou d’un espace domestique chargé de plantes avec une précision cinématographique dans les détails, en particulier dans le cadrage des corps. Cependant, « Green House » est également parsemé de réalisme magique. L’imagerie de Ho représente comment les corps humains sont uniformément affectés par les forces de la nature et de la supernature, et le poids de l’interfaçage avec l’inconnu.
Sharona Franklin, Femmes disparues, 2016. Fil de laine, acrylique, bois et coton, 1,49 x 1,18 m. Courtoisie / Photo: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
L’artiste de Vancouver Sharona Franklin utilise le vocabulaire de la bureaucratie et de la biotechnologie pour articuler l’expérience vécue d’un corps façonné par ces forces. « La chose à propos de la biotechnologie, c’est que cela devrait être important pour tout le monde », explique-t-elle. « L’idée que nous sommes séparés du monde chimique n’a pas de sens. »Le Bod de location de livres de Franklin en 2016 est une accumulation de photos de téléphones portables et de croquis de tablettes, d’images collectées, de dessins à l’encre sumi-e et Sharpie, de scans numériques avec des notes d’iPhone et de scans de texte peint. « Je travaille à faire circuler les mythologies personnelles de la biomédecine, du genre, de la botanique et des systèmes rhétoriques, théologiques et bureaucratiques », dit-elle. Pour Franklin, les anatomies de ce livre peuvent être lues comme analogues à un corps: de nombreuses parties forment un tout et les images peuvent être une enveloppe extérieure tandis que les mots passent sous les images pour dynamiser les visuels. C’est une stratégie qui vise à faire progresser l’accessibilité et la compréhension de manière holistique qui s’intègre dans sa vie de femme handicapée: « J’aimerais que mes propres idées et mes propres écrits soient indépendants du fait que j’ai un handicap », dit-elle, « mais aussi reconnaître l’influence de mes propres expériences au sein de ces systèmes et à quel point le handicap peut être aliénant pour les femmes. » Franklin enregistre souvent ses œuvres en prose pour les malvoyants et espère les faire traduire en braille.
Alexandra Bischoff, Salle de relecture : The Vancouver Women’s Bookstore (1973-1996) (détail), 2016-18. Photo : Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
L’été dernier, Alexandra Bischoff a mis au jour le premier catalogue d’inventaire de la librairie pour femmes de Vancouver. Point central du réseau féministe de la ville lors de son ouverture en 1973, la librairie a survécu à trois cambriolages, à un incendie et à deux déménagements, puis a fermé en 1996. Pour Relire Room (2016-18), Bischoff réassemble au plus près le stock original du magasin, créant une histoire vivante que les artistes et les activistes peuvent occuper et réinterpréter. Une déclaration sur la dernière page du catalogue du projet se lit comme suit: « faire ce catalogue était horrible, même si j’ai fait / plus de lecture que dans les 2 dernières années: / lire au lit sur les toilettes à table dans le bus. / a travaillé des périodes de temps insensées, / survivant sur des biscuits & yogourt & soupe aux œufs verts / pois avec des cafards dedans. / je n’ai pas dormi sauf de temps en temps, sur / les étages des gens, recroquevillés dans les sacs / sous mes yeux. / je m’appelle jeannine mitchell & je ne rêverais pas / d’oublier de gratter tout ce / crédit que je peux sur cette putain de chose. je promets de ne plus jamais le faire. »Le passage a été formateur pour Bischoff en pensant la lecture comme un exercice d’endurance plutôt que de plaisir, et comme un texte comme un décor pour la performance. Bischoff étudie actuellement la vie de Joanna Hiffernan – largement connue pour avoir rejeté Whistler après avoir posé pour L’Origine du monde (1866) de Courbet — pour une performance de longue durée qui subvertit la compréhension étroite du modèle et de la muse. C’est un acte de recueillement incarné qui révèle une intimité textuelle profondément ressentie à la recherche. « Il y a une tendresse que je ressens », dit-elle à propos du projet. « Ce n’est pas nécessairement de la nostalgie, mais de la préservation de quelque chose qui était autrefois invisible. »
Byron Peters et Tyler Coburn, Résonateur </em (détail), 2016-17. Fichier zip, plats à emporter et diagrammes, variable de dimensions.
Byron Peters
Byron Peters prétend être un écrivain lent. Non pas à cause de sa vitesse d’écriture littérale, mais parce que son écriture émerge souvent d’une enquête collaborative prolongée, ou « expérience de pensée. » La plupart des projets d’écriture sur lesquels j’ai travaillé sont des collaborations qui se déroulent parfois au fil des ans », explique Peters, qui travaille à Vancouver. Resonator (2016-17), un projet en plusieurs parties avec Tyler Coburn, est basé sur une anecdote sur le fait que Nikola Tesla a failli détruire un bâtiment partiellement construit en testant sa machine à tremblement de terre à Wall Street. Au cours d’une longue correspondance par e-mail, Peters et Coburn ont généré un fichier zip contenant des images, des chansons, des GIF et deux textes connexes: un poème greffé sur les schémas d’un ordinateur de trading à grande vitesse et une histoire courte. L’histoire, qui a été exposée sous forme d’une pile d’affiches gratuites dans « The House of Dust d’Alison Knowles » à la Fonderie Darling à Montréal l’été dernier, dépeint une salle de travail dans une usine produisant des fréquences de résonance qui provoquent des évanouissements et des visions chez les travailleurs. Pendant l’exposition, le fichier zip des artistes a également été joint à la newsletter de la galerie, spamming efficacement le serveur de liste du musée avec leurs œuvres. Résonateur est une œuvre qui se contracte et se développe sur de nombreux termes: décompresser des années de dialogue dans un fichier zip, décompresser une pièce jointe à un e-mail, ramasser une affiche dans une galerie, lire une nouvelle. Il circule comme un multiple polymorphe – facilement partagé, et donc difficile à censurer.
Anahita Jamali Rad, ceci est une carte, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad veut détruire le capitalisme, alors pourquoi a-t-elle lancé une ligne de vêtements? La peur de l’intimité est une forme hybride d’édition, de vêtements et d’art public. Il ressurgit une question centrale de son livre de poésie de 2016, For Love and Autonomy: que signifie tailler la souveraineté sous le capitalisme tardif? Par peur de l’intimité, les acronymes « STFU » et « FTP » résident là où un logo serait normalement apposé sur une paire de chaussettes de sport. Un t-shirt dit: « tu n’es pas mon ami » — un refus de gonfler la monnaie de la convivialité trafiquée sur les réseaux sociaux. Si le texte mord et que les déclarations s’inscrivent comme braillardes ou indignées, c’est peut-être parce que vous n’êtes pas au courant de l’aliénation qui nous saisit, des contradictions entre principes politiques et survie économique, et de l’extension de la solidarité dans chaque acte d’expression. « Il s’agit de rendre explicite que c’est ce que le capitalisme, l’impérialisme, le colonialisme, la suprématie blanche, le sexisme, etc., nous faire sentir, alors retrouvons-nous et racontons-nous, nous sentons un peu mieux pour que nous puissions réellement faire quelque chose à ce sujet « , explique Jamali Rad, qui est né en Iran et vit maintenant à Montréal. Les vêtements donnent au porteur un moyen de cacher son mécontentement à la vue, mais nous donnent également la possibilité de nous repérer. « À moins que vous ne soyez complètement hors de la grille, il n’y a aucun moyen de ne pas être marchandisé. Et je ne suis pas vraiment du genre hors réseau. J’aime être avec d’autres personnes « , dit-elle. Comme elle l’écrit sur la première page de For Love and Autonomy, « »Je » est toujours nécessairement un « nous ». » »Jamali Rad est aussi éloquente que tactique dans son invitation à la commisération ensemble — que ce soit par la poésie ou un T-shirt doux.
Casey Wei, AK002 hazy-x.o. Virgo Ox, 2016. Cassette et chapbook (avec Bruit rose par Café Instantané).
Casey Wei
Casey Wei est une femme de la Renaissance. Elle a joué dans les groupes Late Spring et hazy, organisée pour l’art rock? série de concerts, a réalisé un clip pour Destroyer sous le nom de Karen Zolo, a exploité le magasin gratuit de vidéastes Karaoké, et elle dirige le label de musique et d’imprimés Agony Klub. Mais comme elle me l’a dit, « Tout ce que je fais vient de mon écriture. »Agony Klub est nommé d’après un casino souterrain d’un roman de Raymond Chandler. Le « K » est une référence intégrée au cinéaste Rainer Werner Fassbinder, et dans sa forme abrégée, AK invoque également le documentaire de Chris Marker sur Akira Kurosawa. Cet assortiment de goûts personnels dans le cinéma et la littérature expose une construction de sens qui ressemble plus à une œuvre d’art qu’à un mandat pour un éditeur ou un éditeur. En tant qu’artiste, Wei n’écrit pas pour publier mais pour articuler comment et pourquoi les mots s’accumulent à partir d’impulsions organiques. En décembre 2017, elle a publié un livre de méditations sur le cinéaste Yasujiro Ozu, Ozu’s Seasons, avec Blank Cheque Press, qu’elle a lu en même temps qu’une projection de Floating Weeds d’Ozu à Spare Room à Vancouver. « Quand j’ai vu mon premier film Ozu, cela m’a amené à l’idée de la « syntaxe » de ses films, cette fixation sur le langage, la structure, la grammaire de quelque chose », explique Wei. « Je ne pense pas à ce que je fais en termes de textes. »Nous attribuons un récit à tout, c’est dans notre nature de chercher des motifs. »
Cet article est adapté de l’article de fond » Textuel « , généreusement soutenu par RBC dans le numéro du printemps 2018 de Canadian Art. RBC s’engage avec passion à soutenir les artistes émergents partout au Canada et à l’étranger, et est fière de s’associer à l’Art canadien pour cette série Coup de projecteur.