hojnie wspierany przez RBC
Fabiola Carranza
praktyka Fabioli Carranzy dotyczy przestrzennego przekształcania języka. Ostatnie projekty przybierają formę słownego oznakowania w języku hiszpańskim i angielskim, prezentując się jako suche, tekstowe prace in situ. Ale to, co jest suche, niekoniecznie musi być wysuszone. W 2016 r. w komisji sztuki publicznej Seven Signs Carranza rozsypał na Nabrzeżu Seattle makiety znaków drogowych oparte na fragmentach przemówień z komiksów vintage. Te zdekontekstualizowane wypowiedzi – ” powietrze!, „Bunt!, „”ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL”, m.in.-ułożone w sposób niekonsekwentny narracyjne wskazówki wzdłuż rutynowego przebiegu szlaku turystycznego. Carranza rekontekstualizuje język ze źródeł historycznych, które wynikają z jej badawczego podejścia do czytania, pisania i tłumaczenia. „Powiedziałbym, że pisanie dzieje się pierwsze, lub jest pierwszym krokiem w wyobrażeniu projektu”, mówi, ” ale równanie jest płynne.”Gotowy wiersz Carranzy, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetyzuje 20 możliwych odpowiedzi oferowanych przez magiczną 8-kulę. Tytuł utworu jest ukłonem w stronę prekursora wróżbiarstwa z lat 50., wymyślonego przez Alberta C. Cartera i opartego na instrumencie do pisania duchów opracowanym przez jego jasnowidzącą matkę podczas ii Wojny Światowej. Historia ta jest destylowana przez Carranza do indeksu nieprzezroczystych odpowiedzi ustawionych w czarnym cyjanotypii. Czytany wierszem, niezobowiązujący ton odpowiedzi na akcje 8-Balla ujawnia jego wątpliwe pochodzenie w niepokoju wojennym. Jednocześnie praca wskazuje na plastyczność języka w kształtowaniu wiary, sugerując być może, że prawda jest ostatecznie kwestią zarówno przekonania, jak i przypadku.
Tiziana La Melia, strona pary (szczegóły), 2012. Kserokopia z unikalnym tuszem na okładkach pergaminowych i wkładką Ryana Smitha, 42 strony.
Tiziana La Melia
„oscylowałam między skupieniem się na pisaniu a wizualizacjach i w jakiś sposób doszłam do punktu, w którym nie musiałam wybierać jednego nad drugim”, mówi artystka z Vancouver Tiziana La Melia
o swoim dygresyjnym podejściu. „Pisanie nigdy nie było czymś, w czym czułem się szczególnie silny lub dobry, ale było czymś, co było konieczne dla mojego zdrowia psychicznego.”Jest to również rozszerzenie jej pracy wizualnej, ukazujące różne aspekty jej badań i procesu myślowego. La Melia łączy korespondencję, intymność i zaklęcia, próbując lepiej zrozumieć pragnienia i narzekania. Nice Poem (2017) to indeksowe studium pochlebstw, instrumentalizacji społecznej i liberalnego feminizmu; wyjaśnia, że „prace te są bardzo bezpośrednie i emocjonalne, dokumentują małe przypadki strukturalnej przemocy, ukrytych motywów, narcyzmu i tak dalej.”Obok pokazu w Vancouver w 2012 roku, La Melia zainaugurowała stronę pary, publikację, której tytuł zapożycza archaiczne określenie kobiecej melancholii. „Zebrałem pismo, które jest produkowane lub przybiera formę w sposób koniecznie dygresyjny. Rozszerzające się i nieostre.”Jej współpracownicy otrzymali dwa podpowiedzi: parafrazę W. G. Sebalda,” kiedy wypuszczasz psa na pole, Nigdy nie idzie on w linii prostej”, i nie sequitur we śnie, który Freud źle zapamiętał: „jestem karmiony kromkami ciasta, truskawkami i łyżkami owsianki.”Również malarka, La Melia wygrała konkurs Malarstwa kanadyjskiego RBC w 2014 roku. Obecnie współpracuje z Wydawnictwem Page of Vapours 2 i przygotowuje tomik poezji z Talon Books.
Juli Maier, Leg (detal), 2017. Komiks. Dzięki uprzejmości DDOOGG.
Juli Majer
komiksy Juli Majer mogą wprowadzać czytelników w inne formy życia i inne światy, ale ona nie dostarcza eskapizmu. – Nie interesują mnie utopie-mówi Majer. Podczas gdy Podróże międzygalaktyczne są wspaniałe, narracje Majera interesują się pragmatycznymi szczegółami innych światów. „Jakie jest codzienne życie bohaterów w innych światach? Co jest normalizowane na innych planetach?”Jej praktyczne pytania dotyczą ostatecznie tego, jak kształtuje się podmiot społeczny. Ta ciekawość zmusiła ją do opracowania Systemu Edukacji dla społeczeństwa przedstawionego w Leg (2017), który został opublikowany przez ddoogg, małą prasę, którą prowadzi w Vancouver z Tylorem Macmillanem i Cristianem Hernandezem. Choć w jej twórczości pojawiają się nurty antropologii spekulatywnej, narracje Majer zajmują się również tym, jak możemy medytować nad relacjami osobistymi. Ludzie opuścili tę planetę, aby spojrzeć na nią z kosmosu, próbując ją zmierzyć i zrozumieć; Majer mówi, że „ludzie są jak planety, możemy ich badać, próbować się z nimi komunikować, ale nigdy tak naprawdę nie zrozumiemy, co się dzieje.”I dla niej niepoznawalność ludzi jako planet może być wyzwalająca, gdy rozważymy, w jaki sposób rozszerza to możliwość ekspresji. „Publikowanie tworzy przestrzeń osobistą i pozwala mi nawiązać kontakt z narracjami, które są autentyczne i uczciwe dla mnie”, mówi. „Pogłębia dziurę i powiększa przestrzeń.”
Gabi Dao, zwinięta w spiralę, 2017. Polistyren frezowany CNC, Żywica, wypełniacz do drewna, Mikas, pigmenty i glinki naturalne. Wymiary zmienne.
Dzięki Uprzejmości Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
artystka z Vancouver Gabi Dao pisze, aby zaangażować się w kontekst społeczny, który informuje o jej praktyce artystycznej. Pisząc o muzyce, ocenia współczesne warunki jej obiegu, w tym jednostki i tożsamości, zaangażowane i artykułowane przez przemysł muzyczny i platformy medialne. „Większość pisania muzyki służy do zwrócenia doświadczenia muzyki,
ale nigdy nie mówi bezpośrednio o okolicznościach, w których muzyka została wyprodukowana”, powiedziała mi. W Whitney Houston, et al., najnowszy zbiór esejów o muzyce popularnej pod redakcją Casey Wei, Dao pisze o M. I. A. przez pryzmat Trinh T. Minh-ha i Hito Steyerla. Napisała także o fantazji w Surrey, albumie skomponowanym przez Ellisa sama (ten sam) w całości w Surrey Public Library. „Dla mnie pisanie było najbardziej bezpośrednim sposobem na połączenie tych mglistych rzeczy, aby dać trochę widoczności Ellisowi i jego pracom, w co naprawdę wierzę.”Jako rezydentka na Froncie Zachodnim w Vancouver, rozpoczęła serię podcastów „Here nor There”. Uważa to za eksperyment w wydawnictwie ustnym, który zachęca do rozmów o projektowaniu dźwięku i muzyce między artystami, pisarzami i producentami. „To był mój sposób na powiedzenie:” nie każda sztuka żyje w galerii, nie każda sztuka jest tworzona w studiu”, wyjaśnia Dao. „Dlaczego nadal uprzywilejowujemy te przestrzenie?”Regularnie dzieli czas, który zwykle byłby poświęcony jej praktyce rzeźbiarskiej, aby pracować nad dyskursywnymi projektami, podkreślając zmianę w tym, co sprawia, że artysta jest otwarty, zwinny i obecny w swojej pracy i środowisku artystycznym. „Nie wystarczy po prostu ćwiczyć w moim studio.”
Stacey Ho i Julia Aoki, jak wykopać dziurę, 2015. Występ, 15 minut.
Stacey Ho
nie tak dawno artystka i pisarka z Vancouver Stacey Ho czytała o trawie: „opisuje trawę jako wczesnych kolonizatorów, których mój mózg przerzucał w antykolonialną metaforę-trawę jako „wczesny remediator” wpływu, jaki ludzie wywarli na ziemię, skromny uzdrowiciel.”Ta gra na trawie wymagająca zemsty za ingerencję człowieka w świat przyrody była pomyślnym tropem dla Ho, którego ostatnie prace przybierają formę performansów opartych na konwersacji, mających na celu rozciągnięcie interpretacyjnego rezonansu języka. W Bird is Bird (2016) Ho prowadził rozmowy w języku niemieckim, które pytały uczestników, czy mówią ptakiem, fioletowym, zielonym lub kamieniem. How to Dig a Hole (2015), wspólny tekst i wykład performatywny z Julią Aoki, rozszerzył geometrię otworu, aby opowiedzieć historię poprzez pisanie kształtów. „Wpadnij przez jedną historię, aby dostać się do drugiej, aby znaleźć inną styczną, która tworzy niewidzialny kształt”, pisze Ho. Ostatniej zimy Capilano Review opublikowało opowiadanie Ho „zielony dom”, w którym jej motyw trawy ostatecznie znalazł swoje miejsce. Historia przedstawia oscylację między codziennym życiem Marlene, opiekującym się chorym mężem, a jej relacją z seksualnie asertywnym, ale troskliwym zbiegiem, Alem. Ho ’ s writing przywołuje znajomą scenerię przydrożnej jadłodajni lub wypełnionej roślinami domowej przestrzeni z kinową precyzją do detali, zwłaszcza w kadrowaniu ciał. Jednak „zielony dom” jest również usiany magicznym realizmem. Obrazy Ho przedstawiają, jak ludzkie ciała są równomiernie oddziaływane przez siły natury i supernatury oraz ciężar współdziałania z nieznanym.
Sharona Franklin, Missing WoMans, 2016. Wełna, akryl, drewno i nici bawełniane, 1,49 x 1,18 m. Dzięki Uprzejmości / Zdjęcie: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
artystka z Vancouver Sharona Franklin wykorzystuje słownictwo biurokracji i biotechnologii, aby wyrazić żywe doświadczenie ciała ukształtowanego przez te siły. „Biotechnologia ma znaczenie dla wszystkich”, wyjaśnia. „Myśl, że jesteśmy oddzieleni od świata chemicznego, nie ma sensu.”Franklin 2016 book Rental Bod to akumulacja zdjęć z telefonu komórkowego i szkiców tabletu, zebranych obrazów, rysunków sumi-e ink I Sharpie, cyfrowych skanów z notatkami iPhone’ a i skanów malowanego tekstu. „Pracuję nad rozpowszechnianiem osobistych mitologii biomedycyny, płci, botaniki oraz systemów retorycznych, teologicznych i biurokratycznych” – mówi. Dla Franklina anatomia tej książki może być odczytana jako analogiczna do ciała: wiele części tworzy całość, a obrazy mogą być zewnętrzną powłoką, podczas gdy słowa przebiegają pod obrazami, aby ożywić wizualizacje. Jest to strategia, która dąży do zwiększenia dostępności i zrozumienia w sposób holistyczny, który wpisuje się w jej życie jako kobiety z niepełnosprawnością: „Chciałbym, aby moje własne pomysły i pisanie odbiegały od faktu, że jestem niepełnosprawny”, mówi, ” ale także aby uznać wpływ moich własnych doświadczeń w tych systemach i jak wyobcująca niepełnosprawność może być dla kobiet.”Franklin często nagrywa swoje utwory prozatorskie dla osób niedowidzących i ma nadzieję, że przetłumaczą je na alfabet Braille’ a.
Alexandra Bischoff, Rereading Room: The Vancouver Women ’ s Bookstore( 1973-1996) (detal), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
ostatniego lata Alexandra Bischoff odkryła pierwszy katalog zapasów księgarni dla kobiet w Vancouver. Po otwarciu w 1973 roku Księgarnia przeżyła trzy włamania, wybuch pożaru i dwie przeprowadzki, a następnie zamknięto ją w 1996 roku. W ramach projektu rereading Room (2016-18) Bischoff jak najdokładniej składa oryginalne zapasy sklepu, tworząc żywą historię dla artystów i aktywistów do okupowania i reinterpretacji. Deklaracja na ostatniej stronie katalogu projektu brzmi: „robienie tego katalogu było okropne, chociaż mam / więcej czytania zrobione niż w ciągu ostatnich 2 lat: / czytanie w łóżku na toalecie przy stole w autobusie. / pracował szalenie długo, / przetrwał na ciastkach & jogurcie & zupie jajecznej z zielonego groszku z karaluchami w środku. / nie spałem, / chyba że od czasu do czasu, / na ludzkich podłogach, / zwinięty w worki pod oczami. / Nazywam się jeannine mitchell & / nie marzyłabym o zapomnieniu / wygrzebać wszystkiego, co się da. obiecuję, że nigdy więcej tego nie zrobię.”Fragment był formacyjny dla Bischoffa w myśleniu o czytaniu jako ćwiczeniu w wytrzymałości, a nie przyjemności, a jako tekście jako scenografii do spektaklu. Bischoff bada obecnie życie Joanny Hiffernan – znanej głównie z tego, że po pozowaniu do L ’ origine du monde Courbeta (1866) podżegała Whistlera do spektaklu durational, który podważa wąskie rozumienie modelu i Muzy. Jest to akt wcielonego wspomnienia, który ujawnia głęboko odczuwaną tekstową intymność do badań. „Czuję czułość” – mówi o projekcie. „To niekoniecznie nostalgia, ale zachowanie czegoś, co dawniej było niewidoczne.”
Byron Peters and Tyler Coburn, Resonator</em (detal), 2016-17. Plik Zip, wykresy i schematy, zmienna wymiarowa.
Byron Peters
Byron Peters twierdzi, że jest powolnym pisarzem. Nie ze względu na jego szybkość literalnego pisania, ale dlatego, że jego pisanie często wyłania się z długotrwałego wspólnego dochodzenia lub ” eksperymentu myślowego.””Wiele projektów pisarskich, nad którymi pracowałem, to współpraca, która czasami rozwija się przez lata”, mówi Peters, który pracuje w Vancouver. Resonator (2016-17), wieloczęściowy projekt z Tylerem Coburnem, opiera się na anegdocie o Nikoli Tesli prawie niszczącej częściowo zbudowany budynek podczas testowania jego maszyny trzęsienia ziemi na Wall Street. Podczas długiej korespondencji e-mailowej Peters i Coburn wygenerowali plik zip zawierający powiązane obrazy, piosenki, gify i dwa teksty: wiersz zaszczepiony na schematach dla szybkiego komputera handlowego i krótką historię. Historia, która została wystawiona jako stos darmowych plakatów w „the House of Dust D 'Alison Knowles” w Darling Foundry w Montrealu zeszłego lata, przedstawia pracownię w fabryce produkującej częstotliwości rezonansowe, które powodują, że pracownicy mdleją i mają wizje. Podczas wystawy do newslettera Galerii dołączony został również plik zip artystów, skutecznie spamując listę muzeów ich dziełami. Rezonator to praca, która kurczy się i rozszerza na wiele warunków: dekompresowanie lat dialogu do pliku zip, rozpakowanie załącznika do wiadomości e-mail, podniesienie plakatu w galerii, czytanie opowiadania. Krąży jako polimorficzna wielokrotność-łatwo dzielona, a przez to trudna do ocenzurowania.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad chce zniszczyć kapitalizm, więc dlaczego założyła linię ubrań? Lęk przed intymnością to hybrydowa forma publikacji, odzieży i sztuki publicznej. Pojawia się główne pytanie z jej tomiku poezji „o miłość i autonomię” z 2016 roku: co to znaczy wyrzeźbić suwerenność w późnym kapitalizmie? W obawie przed intymnością, akronimy „STFU” i ” FTP ” znajdują się tam, gdzie logo byłoby Zwykle emblazone na parze sportowych skarpet. Koszulka z napisem: „nie jesteś moim przyjacielem— – odmowa nadmuchania waluty życzliwości w mediach społecznościowych. Jeśli tekst gryzie, a stwierdzenia rejestrują się jako bratty lub oburzony, może to być dlatego, że nie jesteś wtajemniczony w alienację, która nas dręczy, sprzeczności między zasadami politycznymi a przetrwaniem ekonomicznym i rozszerzaniem Solidarności w każdym akcie wypowiedzi. „Chodzi o to, aby jasno powiedzieć, że to jest to, co kapitalizm, imperializm, kolonializm, Biała supremacja, seksizm itp., spraw, żebyśmy się czuli, więc znajdźmy się nawzajem i nawiązajmy relacje, poczujmy się trochę lepiej, abyśmy mogli coś z tym zrobić”, wyjaśnia Jamali Rad, który urodził się w Iranie, a obecnie mieszka w Montrealu. Ubranie daje użytkownikowi sposób, aby ukryć swoje niezadowolenie na widoku, ale także daje nam możliwość dostrzeżenia siebie nawzajem. „Jeśli nie jesteś całkowicie poza siecią, nie ma mowy, żebyś nie był komodyfikowany. I nie jestem typem off-the-grid. Lubię przebywać z innymi ludźmi ” – mówi. Jak pisze na pierwszej stronie For Love and Autonomy, „’ ja 'jest zawsze koniecznie” my.””Jamali Rad jest tak samo wymowna, jak i taktyczna w zaproszeniu do wspólnego współczucia-czy to poprzez poezję, czy słodką koszulkę.
Casey Wei, AK002 hazy-x. O. Virgo Ox, 2016. Kaseta magnetofonowa i chapbook (z różowym szumem przy kawie rozpuszczalnej).
Casey Wei
Casey Wei jest kobietą renesansu. Występowała w zespołach Late Spring i hazy, kuratorowana przez art rock? seria koncertów, wyreżyserowała teledysk do Destroyer jako Karen Zolo, prowadziła sklep Karaoke Music Video Maker Free Store oraz prowadzi wytwórnię muzyczną i drukowaną Agony Klub. Ale jak mi powiedziała, ” wszystko, co robię, pochodzi z mojego pisania.”Agony Klub został nazwany na cześć podziemnego kasyna z powieści Raymonda Chandlera. „K” jest osadzonym odniesieniem do filmowca Rainera Wernera Fassbindera, a w skróconej formie AK odwołuje się również do dokumentu Chrisa markera o Akirze Kurosawie. Ten zestaw osobistych upodobań w filmie i literaturze ujawnia konstrukcję znaczenia, która bardziej przypomina dzieło sztuki niż mandat redaktora lub wydawcy. Jako artysta, Wei nie pisze po to, aby publikować, ale po to, aby wyrazić, w jaki sposób i dlaczego słowa zbierają się z organicznych impulsów. W grudniu 2017 wydała książkę medytacji o Yasujiro Ozu, Ozu ’ S Seasons, z Blank Cheque Press, którą przeczytała wraz z pokazem pływających chwastów Ozu w Spare Room w Vancouver. „Kiedy zobaczyłem mój pierwszy film Ozu, przypomniała mi się” składnia „jego filmów, ta obsesja na punkcie języka, struktury, gramatyki czegoś”, mówi Wei. „Nie myślę o tym, co robię w kategoriach” tekstów. Przypisujemy narrację wszystkim, w naszej naturze leży szukanie wzorców.”
ten post jest adaptacją artykułu fabularnego „Text-Based”, hojnie wspieranego przez RBC w wiosennym wydaniu Canadian Art 2018. RBC z pasją angażuje się we wspieranie wschodzących artystów w Kanadzie i na całym świecie, i jest dumny z partnerstwa z kanadyjską sztuką w tej serii Spotlight.