Sie haben stundenlang über den Mix Ihrer neuesten Melodie geschwitzt, aber egal wie sehr Sie die Dinge optimieren, es ist immer noch kein Vergleich mit Ihren Lieblingsveröffentlichungen.
Sie haben alles ausprobiert, was Sie sich vorstellen können – den Bass verstärkt, das Ganze mit Ihren Lieblingseffekten abgedeckt, weitere Parts hinzugefügt (und wieder herausgenommen) und das Ganze sogar lauter gemacht – aber es klingt immer noch nicht richtig.
Was ist los und wie können Sie es beheben?
Irgendwo auf dem Weg gibt es eine gute Chance, dass Sie eine der wenigen gemeinsamen Produktionssünden begangen haben, denen alle angehenden Produzenten zum Opfer fallen.
Musizieren ist oft eine ziemlich einsame und persönliche Erfahrung – Sie komponieren in Ihrem Schlafzimmer, haben ruhig (oder laut) Spaß und machen mit Ihrem Traum weiter. Dies bedeutet aber auch, dass Sie dem Projekt zu nahe kommen.
Überwachung ist der Schlüssel
Ein Teil der Entwicklung eines großartigen fertigen Tracks besteht darin, einen Schritt zurückzutreten und mit objektiven Ohren zuzuhören – und es lohnt sich, sicherzustellen, dass Sie über anständige Studiomonitore verfügen. Sie können die volle Dynamik und Frequenzbereiche Ihrer Mixe und das Zusammenspiel aller musikalischen Teile nur beurteilen, wenn Sie sie richtig hören können.
Ein Teil der Entwicklung eines großartigen fertigen Tracks besteht darin, einen Schritt zurückzutreten und mit objektiven Ohren zuzuhören.
Ein guter Satz Monitore sollte einen möglichst flachen Frequenzgang haben, damit die Musik ungefärbt ist. Wenn Ihre Lautsprecher beispielsweise zu bassig sind, kompensieren Sie den Bass beim Mischen zu wenig, und Ihre Bemühungen klingen auf jedem anderen System blechern.
Im Allgemeinen sollten Sie beim Mischen keine Kopfhörer zum Überwachen verwenden, es sei denn, Sie wissen wirklich, was Sie tun, oder Ihr Raum klingt unglaublich schlecht. Sie sollten auch auf Ihre fast fertige Mischung auf so viele andere Setups wie möglich zu hören; Sie werden abholen mehr Diskrepanzen, je mehr Systeme, die Sie versuchen.
Versuchen Sie auch darüber nachzudenken, wie Sie klingen möchten. Sie können viel von A / B’ing Ihre Musik neben einem Künstler oder Genre lernen Sie im Sinn haben, beim Komponieren.
Berücksichtigen Sie Tempo, Gesamtproduktion und EQ. Haben Sie überkomprimiert? Ist dein Track zu lang? Nur wenn Sie neben einem kommerziellen Angebot bewerten, können Sie beurteilen, ob Sie wirklich mit den Besten da oben sind.
Zuhören und lernen
Natürlich ist es auch wichtig, Feedback von anderen zu erhalten, aber es kann schwierig sein, wertvolles Feedback zu erhalten. So wie das Musizieren sehr persönlich ist, so sind es auch die besonderen Vorlieben und Abneigungen der einzelnen Zuhörer.
Die Lösung besteht darin, einem Haufen Leute zuzuhören, die wissen, wovon sie reden! Basierend auf unserer langjährigen Erfahrung im Mischen und Produzieren von Musik und vor allem beim Anhören von Leserdemos, neu unterzeichneten Künstlern und kommerziellen Veröffentlichungen haben unsere Experten die 10 häufigsten Fehler aufstrebender Produzenten identifiziert.
Unsere Liste enthält alles vom Offensichtlichen bis zum nicht so Grellen, von zu viel in ein Arrangement zu werfen, um die Dinge zu laut zu machen, und sogar – ja, wir meinen das wirklich – es zu perfekt zu machen!
Denken Sie also daran, wenn Sie das nächste Mal an einem Mix arbeiten, und Ihre Produktionsalpträume könnten bald vorbei sein.
Es klingt zu eng
Eines der häufigsten Probleme mit Mixen tritt auf, wenn in einem Teil der musikalischen Ebene zu viel passiert (oder um es anders zu betrachten, nicht genug). Versuchen Sie, Musik in drei Dimensionen zu betrachten, und überprüfen Sie zuerst die Breite.
Tolle Mixe breiten sich wie eine warme Audiodecke über das gesamte Stereospektrum aus. Schlechte Mixe werfen alles über einen schmalen Audiostrahl direkt in Ihr Trommelfell.
In diesem Sinne sollten Sie Ihre ‚bescheidenen‘ Schwenkwerkzeuge gut nutzen. Schwenken Sie bestimmte Parts bis zum Äußersten: Ungewöhnliche Effekte, perkussive Geräusche und Pads gehen hart nach links und rechts; Backing-Vocals können weiter hereinkommen; Hauptgesang und Bass sitzen normalerweise am besten in der Mitte.
Aber obwohl es hier Regeln gibt, habe nicht das Gefühl, dass du sie nicht brechen kannst. Stellen Sie einfach sicher, dass der fertige Mix über die gesamte Breite des Spektrums und nicht in einem Teil liegt. Wenn Sie alles auf einen Bereich verschieben, denken Ihre Zuhörer einfach, dass einer ihrer Lautsprecher oder Kopfhörer abgespielt wird.
Frequenzprobleme
Also, das war Breite – jetzt denke Tiefe. Es gibt nichts Schlimmeres als einen Track, der so gemischt wurde, dass das Ganze den Kopf abhebt und alle Teile klingen, als würden sie durch eine Blechdose spielen.
Dies ist normalerweise ein Zeichen dafür, dass in der Mischphase schreckliche Monitore verwendet werden – mit großartigen Monitoren können Sie den gesamten Frequenzbereich Ihres Mixes hören. Eine einfache Faustregel ist, Instrumente der gleichen Frequenz auseinander zu halten, wie ungezogene Kinder, damit Sie nicht miteinander kollidieren und um Aufmerksamkeit kämpfen.
Ein guter Ort, um zuerst zu treffen, ist das untere Ende oder der Bass. Die meisten Musikgenres werden von irgendeiner Form von Bass angetrieben (mit Rock ist es Bassgitarre, zum Beispiel, und mit elektronischer Musik ist es Synth-Bass), also stellen Sie sicher, dass Ihr Mix eine Art Low-End-Element hat, an dem Sie hängen können. Verteilen Sie von dort aus alles nach oben und über den Frequenzbereich und lassen Sie nicht zu viel in einem Bereich des Spektrums passieren.
Too much clutter
Computer haben uns unzählige musikalische Möglichkeiten zur Verfügung gestellt, aber das bedeutet nicht, dass wir jedes Mal, wenn wir eine neue Melodie komponieren, 256 Titel füllen müssen. Tatsächlich verwenden viele großartige Musikstücke spärliche Arrangements mit einigen gut aufgenommenen Klängen und Instrumenten.
Nehmen wir die berühmte Phil Spector ‚Wall of Sound‘ -Produktionsmethode der 60er Jahre – der Name könnte bedeuten, dass alles und die Küchenspüle dort hineingeworfen wurde, aber eigentlich waren es nur gut aufgenommene, deutliche, große Klänge.
Wir haben bereits darauf hingewiesen, dass es wichtig ist, eine gute Streuung sowohl über den Frequenzbereich als auch über das Stereobild zu haben. Aber Decluttering kann auch an anderer Stelle in Ihrem Mix erfolgen, indem Sie einfach Teile aus dem Arrangement entfernen.
Einige der besten Popsongs verfügen über eine Stimme, eine Gitarre und sonst nichts, während einige klassische Dance-Tracks hauptsächlich über eine Drum-Machine, Bassline und Gesang verfügen. Seien Sie also rücksichtslos – Sie können Ihre Wirkung steigern, indem Sie Ihre Sounds verringern.
Die falschen Sounds
Manchmal klingen Tracks nicht richtig, weil die einzelnen Teile kein Ganzes ergeben. Dies kann durch die Verwendung von Sounds verursacht werden, die einfach nicht passen – Synth Messing anstelle eines realen Teils verwendet wird, oder eine Probe mit leicht falschem Timing oder Tonhöhe, zum Beispiel.
Es kann auch an langweilig klingenden Presets, zu vielen oder falsch angewendeten Effekten oder grob aufgenommenen Samples liegen. Verstehen Sie diesen letzten Punkt nicht falsch, denn raues Lo-Fi-Audio kann im richtigen Kontext fantastisch klingen. Es geht darum, die richtigen Sounds für den Track zu finden.
Der Mix ist auch hier extrem wichtig. Natürlich möchten Sie, dass einige Sounds auffallen – die Hooks, Lead-Vocals und so weiter – aber es kann erschütternd sein, wenn andere Sounds, aus denen das Arrangement besteht, so schlecht gemischt sind, dass sie am Ende übernehmen (wir haben blecherne Percussion-Loops gehört, die dir den Kopf abnehmen, und Subbässe, die deine Lautsprecherkegel blasen … wir könnten weiter und weiter gehen!).
Wo ist der Haken?
Auf die Gefahr hin, das Offensichtliche zu sagen, ist eines der Hauptprobleme bei Ihrer durchschnittlichen Demo, dass es genau das ist: durchschnittlich. Es fehlt das gewisse Etwas, das das Ohr des Hörers packt und den Track von der Masse abhebt.
Und da diese Menge immer mehr überfüllt ist und immer mehr Menschen die Freuden des Musizierens zu Hause entdecken, braucht heutzutage jede Melodie, die ihr Salz wert ist, eine Art Haken, um sie sofort wahrnehmbar und dauerhaft unvergesslich zu machen.
Ein großartiger Hook kann so ziemlich alles sein – er kann aus einem Bass-Sound oder Part, einer Melodie, einem Effekt oder einem Gesangstrick bestehen. In der Tat werden Sie feststellen, dass die besten Popsongs – zum Beispiel Kylie’s Can’t Get You Out Of My Head – all dies haben!
Ziemlich oft reicht jedoch nur einer – ein erstaunlicher Effekt oder Riff, der den Hörer dazu bringt, wieder zuzuhören, sobald der Track fertig ist, und ihn für den Rest des Tages summen lässt. Wenn Sie das richtig machen, haben Sie die halbe Miete gewonnen.
The wrong feel
Das richtige ‚Feel‘ für einen Track zu bekommen, ist wahrscheinlich die wichtigste Überlegung beim Komponieren und Mischen.
Den Groove falsch zu machen, zerstört das Herz und die Seele eines Dance-Tracks, und selbst ein Ambient-, Grooveless-Musikstück muss Gefühl haben. Ein Teil der Produktion großartiger Tracks besteht darin, das Gefühl einzufangen und den Groove zu verbessern.
Einiges davon ist wirklich offensichtlich: Wenn Sie einen Club-Track wollen, sind ein bescheidenes 120bpm-Tempo und ein 4/4-Kick ein guter Ausgangspunkt. Wenn Sie etwas Entspannteres wollen, verlangsamen Sie die Dinge und fügen Sie ein bisschen Schwung hinzu.
Darüber hinaus gibt es unzählige subtile Techniken, mit denen Sie Ihre Beats definieren und an das Gesamtgefühl Ihres Tracks anpassen können. Lerne sie und wende sie an.
Beats definieren deinen Groove, aber du solltest dir bewusst sein, dass sie ihn auch zerstören können. Rammen Sie zum Beispiel einen starren 4/4-Beat auf einen Soul- oder Hip-Hop-Track, und Sie könnten mit einem echten Durcheinander enden.
Faulheit
Während bewährte Sounds und Tricks ihren Platz haben und manchmal genau das sein können, was ein Track braucht, leihen sich viele Produzenten gedankenlos die offensichtlichen Teile eines Genres aus und werfen sie einfach wohl oder übel hinein. Clichés können einen Track sehr durchschnittlich klingen lassen, also denken Sie an Ihre Füße.
Dieser Hinweis bezieht sich auf die Verwendung Ihrer DAW. Hüten Sie sich davor, etwas in ein Arrangement zu werfen, nur weil es passt, oder lassen Sie Ihre Software einen Part automatisch auf das richtige Tempo ausdehnen, nur weil Sie es können.
Und dann haben wir natürlich Synth-Presets – ja, sie können großartig klingen, aber wenn Sie ein Preset verwenden, weil es nicht von dieser Welt klingt, können Sie darauf wetten, dass es für alle anderen, die diesen Synth besitzen, sofort erkennbar ist und dass sie missbilligend den Kopf schütteln werden. Diese Art von Preset-Snobismus ist in vielerlei Hinsicht falsch – Presets werden erstellt, um verwendet zu werden – aber je mehr ‚da draußen‘ ein Sound ist, desto offensichtlicher wird seine Quelle sein, also optimieren Sie ihn zumindest ein wenig, um ihn zu Ihrem eigenen zu machen.
Das wirklich offensichtliche Zeug
Es gibt wirklich keine Entschuldigung für zwielichtiges Tuning, aber Out-of-Key-Vocals, kollidierende Melodien und unbeabsichtigt offensichtliche Tonhöhenkorrekturen sind immer noch gängige Demo-Dämonen, die uns einfach wütend machen. An alle Schuldigen, wir sagen: es gibt zwei Klappen von gristle an den Seiten des Kopfes genannt ‚Ohren‘ – verwenden ‚em!
An zweiter Stelle auf unserer Liste der offensichtlichen Bugbears steht Zischen. Dies war ein allzu häufiges Problem in den frühen Tagen, als Analog auf Digital traf, aber wenn Sie nur in der Box arbeiten und nowt hereinkommt, sollten Sie es wirklich nicht erleben, ebenso wenig wie Ihre Zuhörer.
Wenn Sie Gesang, Gitarren oder andere Live-Instrumente aufnehmen, ergreifen Sie vorbeugende und korrigierende Maßnahmen, um Fremdgeräusche zu beseitigen.
Und schließlich der Stereo-Master-Mix, der uns immer wieder gleichermaßen verblüfft und wütend macht, wobei so mancher ansonsten erstaunliche Track ruiniert wird, weil der Produzent denkt, dass lauter gleich besser ist. Mehr dazu als nächstes…
Zu laut
Wir haben bereits Breite und Tiefe als zwei der drei musikalischen Dimensionen erwähnt, die Sie berücksichtigen müssen. Dies ist das Verhältnis zwischen den leisesten und lautesten Klängen im Mix.
Der allgemeine Trend in der Musikproduktion in den letzten Jahrzehnten war es, Master-Mixe immer lauter zu machen, indem Kompressoren und Limiter verwendet wurden, um den Dynamikbereich sowohl einzelner Teile als auch des gesamten Mixes zu ‚quetschen‘. Infolgedessen haben wir alle eine Überkomprimierung erlebt.
Sie wissen, wie es sich anfühlt: Sie werden glücklich sein, einen klassischen Track auf Ihrem Handy im Shuffle-Modus zu hören, und dann kommt plötzlich etwas von ein paar Jahrzehnten später, das Ihre Ohren wegbläst.
Während diese Techniken einst dazu beitrugen, Tracks hervorzuheben, sind sie jetzt so allgegenwärtig und extrem, dass sie den gegenteiligen Effekt haben. Heute gibt es eine ständig wachsende Bewegung, um diesen Trend umzukehren, und wir unterstützen ihn.
Es ist zu perfekt
Viele Produzenten sind der Meinung, dass Computer Musik zu perfekt gemacht haben, und wir denken, dass sie einen Punkt haben. Wir wollen hier nicht wie unsere Eltern klingen, aber der glatte Produktionsglanz, der durch die heutige Musiktechnologie vermittelt wird, kann Tracks oft gleich und uninspiriert klingen lassen.
Wenn unberührte Produktion dein Ding ist, ist das in Ordnung, aber deine Musik könnte davon profitieren, wenn du die Dinge ein bisschen organischer, ein bisschen erdiger und rauer machst. Wir wissen, dass Sie nicht amateurhaft klingen möchten, aber manchmal möchten Sie eine leichte Unvollkommenheit zulassen oder sogar zur Schau stellen.
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