Mit der industriellen Revolution wurden wichtige Erfindungen geboren, und mit ihnen wichtige Veränderungen, die die Geschichte der Menschheit zutiefst prägten, so war ihr Anfang, verstanden als eine Zeit großer und bedeutender technologischer, sozioökonomischer und sozialer Veränderungen gemeinsam. Mit den Fortschritten, die durch die Schaffung der Multi-Rinderspinnmaschine erzielt wurden, die die Textilproduktion stark optimierte, und dem großen Sprung im Handel mit der Erfindung der Dampfmaschine, die die Verbesserung der Transportwege förderte, begann die Technologie der Massenproduktion und des Vertriebs, die die Handarbeit fast vollständig ersetzte.
Der Kunst und der Architektur wurden viele Wege eröffnet, aber alle lassen sich in einem zusammenfassen: der Freiheit der Schöpfung. Der Einfluss der industriellen Revolution in der Kunst hatte seine Kontinuität im künstlerischen Ausdruck. Seitdem und auch heute noch geht die Kunst in die gleiche Richtung.
Wie verhalten sich nun Kunst und Architektur angesichts eines solch drastischen Wandels? Wie wirkt sich die Nachfrage nach Technologie und Massenproduktion auf die handwerkliche Herstellung von Unikaten aus? Wie ist die kollektive Wahrnehmung gegenüber dem individuell Produzierten im Vergleich zur Massenproduktion? Dies sind einige der vielen Fragen, die sich angesichts einer solchen radikalen Transformation stellen; die zuerst in der anfänglichen Zurückhaltung entwickelt wurden, die die Ankunft massiver technologischer Innovationen in den Künstlergruppen derselben Zeit provozierte.
Dann die Anpassung der Kunst an die neuen Materialien und der Wunsch, den Alltag in etwas mehr als einfache Funktionalität umzuwandeln; Schließlich wird die derzeitige Tendenz zur Rückkehr zu den traditionellen Methoden der Kunst und Produktion gezeigt, die das wachsende Interesse am Selbermachen unterstreicht und versucht, im Gegensatz zur Massenproduktion zu Originalität und Exklusivität zurückzukehren.
Im Gegensatz zu dem, was die Frankfurter Schule (Horkheimer, Adorno, Marcuse, …) damals argumentierte, war die Industrielle Revolution ein positives Ereignis für die Kunst im Allgemeinen, da sie sie aus ihrem aristokratischen und höfischen eisernen Griff riss und öffnete weitgehend seine Türen zum Ausdruck und seiner Freude an neuen Medien durch neue Klassen. Der Einfluss der industriellen Revolution in der Kunst ist immer noch sehr aktuell und sehr sichtbar.
Obwohl die industrielle Revolution eine beispiellose Ausdehnung der Lohnarbeit und der kapitalistischen Ausbeutung auf den gesamten Planeten mit den daraus resultierenden Konsequenzen und sozialen Konflikten zur Folge hatte, ermöglichte sie durch die Vervielfachung der Produktivität der menschlichen Arbeit auf lange Sicht die Entstehung einer Vielzahl von Berufen, die nicht direkt mit der manuellen und produktiven Tätigkeit verbunden waren … und dies hatte einen direkten Einfluss auf die menschliche künstlerische Tätigkeit, sowohl in der Vielfalt der Inhalte als auch in den künstlerischen Formen.
Die Hauptfolge des Einflusses der industriellen Revolution auf die Kunst ist, dass nie zuvor in der Geschichte ein so hoher Anteil an Fähigkeiten und Intellekt der kulturellen Produktion gewidmet werden konnte.
Die Debatte darüber, ob diese Kunst im Vergleich zu früheren Epochen von größerer oder geringerer Qualität ist, ist eine endlose und sterile – sorry – Debatte für Snobs. Die objektive Tatsache ist, dass dank der industriellen Revolution die Träger, die Themen und die Gesamtmenge der künstlerischen Strömungen heute viel zahlreicher und vielfältiger sind als in früheren Zeiten. Ihre Übertragung ist auch viel einfacher und direkter.
Vor der sogenannten industriellen Revolution war das, was unter „Kunst“ verstanden wird, oft etwas, das nur in bestimmten wirtschaftlich wohlhabenden Kreisen verfügbar war oder mit relativ mächtigen Beziehungen verbunden war. Nach den Auswirkungen der sogenannten industriellen Revolution und als direkter Einfluss davon ist „Kunst“ in der Bevölkerung viel weiter verbreitet, Künstler können ein viel breiteres Publikum erreichen, interessierte Menschen haben viele Räume zum Lernen, Studieren und Kontakt mit „Meistern“.
Andererseits erleben wir aufgrund der Entwicklung der industriellen Revolutionen ein schnelles Wachstum der Städte und folglich die Konsolidierung der Modelle des städtischen Lebens. Jetzt wird die Stadt zu einem vielfachen Raum, in dem die geordneten bürgerlichen Gebiete schlecht mit den Vororten koexistieren, in denen sich die Arbeiterklasse niederlässt.
So werden urbane Geografien die neue soziale Spaltung widerspiegeln, die aufstrebende kapitalistische Gesellschaften charakterisiert. Und auf diese Weise taucht die Stadtplanung mit Gewalt wieder auf, die Notwendigkeit, mit der Planung des Wachstums der Stadt fortzufahren, damit ihre verschiedenen Elemente die Funktionen erfüllen können, für die sie bestimmt sind. Neue Materialien erschienen: Eisen, Glas und Zement. Eisen war seit der Antike als Ergänzung zur Architektur für Heftklammern oder Gelenke im Allgemeinen verwendet worden, aber erst im 18.
Gusseisen, das Schmiedeeisen ersetzt, ermöglicht die Herstellung langer Balken, ermöglicht aber auch die Herstellung von Ornamenten zu reduzierten Kosten. Glas gewann auch dank technischer Entwicklungen, die es zu Beginn des 19.Jahrhunderts ermöglichten, Platten von bis zu 2,50 x 1,70 Metern herzustellen, eine große Bedeutung. Zement erschien erst Ende des Jahrhunderts, und obwohl er die architektonische Konzeption des 19.Jahrhunderts kaum beeinflusste, nahm er den konstruktiven und strukturellen Wert der Architektur des 20.Jahrhunderts vorweg.
Im Allgemeinen wird die Architektur für neue technologische Fortschritte empfänglich, und im Gegensatz zu eher in der Tradition verankerten Geschmäckern (Neoklassizismus, Historismus) wird in diesem Jahrhundert der Ursprung dessen entstehen, was wir als die ursprüngliche moderne Architektur betrachten könnten: die, die die ersten „Wolkenkratzer“ errichtet, die auf Betonplatten und Glas zurückgreift oder die massiv Eisen verwendet. Wir werden auch eine Architektur aus Eisen finden, die dieses Material zu seinem wichtigsten konstruktiven Element macht. Es ist ein Gusseisen, das es ermöglicht, große Stücke zu produzieren und komplexe Strukturen mit ihnen zu bauen, oft mit Glasverschlüssen, eine weitere der Neuheiten der Zeit.
Der merkwürdigste künstlerische Fall im Einfluss der industriellen Revolution in der Kunst ist der der impressionistischen Bewegung in der Malerei und ihrer Koexistenz mit der damals neuen Technik der Fotografie (von 1839 mit den ersten von Daguerre geschaffenen Bildern bis Anfang des 20. Die Impressionisten waren immer sehr eigenartig in der Art und Weise, wie sie ihre Gesetze diktierten, in dem Sinne, dass in den Ausnahmen mehr Menschen lebten als in den Regeln selbst, zumindest was die Farbkomposition betraf.
Zum Beispiel, Kuriositäten der Farbe Schwarz, betrachteten die impressionistischen Maler Schwarz nicht als Teil ihrer chromatischen Palette, da die dunklen Töne durch die Kombination von Farben und nicht mit einem einzigen Farbton dargestellt werden sollten; aber seltsamerweise war Schwarz die bevorzugte Farbe der Komposition berühmter Mitglieder dieser Strömung, wie Auguste Renoir (für den Schwarz „der König aller Farben“ war) und Vincent Van Gogh, der sagte, wer auch immer versucht, das Schwarze zu unterdrücken, „hat nichts zu tun“.
Einer der Gründe für die Ablehnung von Schwarz war genau, etwas anzubieten, was die Fotografie noch nicht erreichen konnte: den Eindruck von Farbe; ein künstlerisches Stück zu schaffen, bei dem die optischen Effekte der Farben alles waren. Um etwas anderes als den fotografischen Realismus zu bieten, begannen die Impressionisten erstmals, das Desinteresse einer „modellhaften“ Bilderzählung zu berücksichtigen, um das Feld der Farbwahrnehmung und ihrer Auswirkungen, die Übertragung von Empfindungen und Gefühlen usw. zu untersuchen.
Aber trotz dieses „maskierten Krieges“ gegen die Fototechnologie nutzten viele dieser Künstler diese neuen Techniken, um ein besseres Ergebnis in ihren Kreationen zu erzielen. Ein Beispiel für diese Tatsache ist der Künstler Edgar Degas, der die fotografische Technik nutzte und Platten überlagerte, um mit ihnen die Skizzen für seine Gemälde zu erstellen.