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Fabiola Carranza
Fabiola Carranzas Praxis beschäftigt sich mit der räumlichen Umgestaltung von Sprache. Neuere Projekte haben die Form von vernacular Signage in Spanisch und Englisch und präsentieren sich als trockene, In-situ-Textarbeiten. Aber was trocken ist, ist nicht unbedingt ausgetrocknet. In einer öffentlichen Kunstkommission von 2016, Seven Signs, zerstreute Carranza Scheinverkehrszeichen, die auf Sprachauszügen aus Vintage-Comics an der Küste von Seattle basierten. Diese dekontextualisierten Äußerungen — „LUFT!,“ „MEUTEREI!,“ „ES UN IDIOMA MUY DIFÍCIL“, unter anderem — platziert ansonsten nicht berücksichtigte narrative Hinweise entlang des routinemäßigen Verlaufs eines Touristenpfades. Carranza rekontextualisiert Sprache aus historischen Quellen, die sich aus ihrem Forschungsansatz zum Lesen, Schreiben und Übersetzen ergeben. „Ich würde sagen, das Schreiben geschieht zuerst oder ist der erste Schritt bei der Konzeption eines Projekts“, sagt sie, „aber die Gleichung ist fließend.“ Carranzas fertiges Gedicht, Syco-Seer, 1948 (2014), alphabetisiert die 20 möglichen Antworten eines magischen 8-Balls. Der Titel der Arbeit ist eine Anspielung auf den Vorläufer des Wahrsagespielzeugs der 1950er Jahre, erfunden von Albert C. Carter und basierend auf einem Geisterschreibgerät, das seine hellseherische Mutter während des Zweiten Weltkriegs entwickelt hatte. Diese Geschichte wird von Carranza in einen Index undurchsichtiger Antworten in schwarz getönter Cyanotypie destilliert. In Versen gelesen, enthüllt der unverbindliche Ton der Aktienantworten des 8-Balls seinen zweifelhaften Ursprung in der Kriegsangst. Gleichzeitig weist die Arbeit auf die Formbarkeit der Sprache hin, um den Glauben zu formen, was vielleicht darauf hindeutet, dass Wahrheit letztendlich sowohl eine Frage der Überzeugung als auch des Zufalls ist.
Tiziana La Melia, Seite der Dämpfe (Detail), 2012. Fotokopie mit einzigartiger Tinte auf Pergamentumschlägen und Risographeneinlage von Ryan Smith, 42 Seiten.
Tiziana La Melia
„Ich hatte zwischen dem Fokus auf Schreiben und Visuellem oszilliert und war irgendwie an dem Punkt angelangt, an dem ich mich nicht für das eine über das andere entscheiden musste“, sagt die Künstlerin Tiziana La Melia
aus Vancouver über ihren exgressiven Ansatz. „Schreiben war nie etwas, in dem ich mich besonders stark oder gut fühlte, aber es war etwas, das sich für meine geistige Gesundheit notwendig anfühlte.“ Es ist auch eine Erweiterung ihrer visuellen Arbeit, die verschiedene Aspekte ihrer Forschung und ihres Denkprozesses zeigt. La Melias Schreiben verbindet Korrespondenz, Intimität und Beschwörungen, um Wünsche und Nöte besser zu verstehen. Nice Poem (2017) macht eine indexikalische Studie über Schmeichelei, soziale Instrumentalisierung und liberalen Feminismus; Sie erklärt: „Diese Arbeiten waren sehr direkt und emotional und dokumentieren winzige Fälle von struktureller Gewalt, Hintergedanken, Narzissmus und so weiter.“ Parallel zu einer Ausstellung 2012 bei Exercise in Vancouver eröffnete La Melia Page of Vapours, eine Publikation, deren Titel einen archaischen Begriff für weibliche Melancholie entlehnt. „Ich habe Schrift gesammelt, die auf notwendigerweise abschweifende Weise produziert wird oder Form annimmt. Dilatation in und aus dem Fokus.“ Ihre Mitwirkenden erhielten zwei Aufforderungen: eine Paraphrase von W.G. Sebald: „Wenn Sie einen Hund auf ein Feld entlassen, verläuft er niemals in einer geraden Linie“ und ein Non Sequitur in einem Traum, an den sich Freud falsch erinnerte: „Ich werde mit Kuchen, Erdbeeren und Löffeln Haferbrei gefüttert.“ Auch ein Maler, La Melia gewann den 2014 RBC Canadian Painting Competition. Sie sammelt jetzt Beiträge für Page of Vapours 2 und bereitet mit Talon Books ein Gedichtband vor.
Juli Maier, Bein (Ausschnitt), 2017. Comic. Mit freundlicher Genehmigung von DDOOGG.
Juli Majer
Juli Majers Comics mögen den Leser in andere Lebensformen und andere Welten einführen, aber sie liefert keinen Eskapismus. „Utopien interessieren mich nicht so sehr“, sagt Majer. Während intergalaktische Reisen grandios sind, interessieren sich Majers nuancierte Erzählungen für die pragmatischen Details dieser anderen Welten. „Wie sieht der Alltag der Charaktere in anderen Welten aus? Was normalisiert sich auf anderen Planeten?“ In ihren praktischen Fragen geht es letztlich darum, wie ein soziales Subjekt geformt wird. Diese Neugier zwang sie, ein Bildungssystem für die in Leg (2017) dargestellte Gesellschaft zu entwickeln, das von DDOOGG veröffentlicht wurde, einer kleinen Presse, die sie zusammen mit Tylor Macmillan und Cristian Hernandez in Vancouver betreibt. Während es in ihrer Arbeit Strömungen spekulativer Anthropologie gibt, beschäftigen sich Majers Erzählungen auch damit, wie wir über persönliche Beziehungen meditieren können. Menschen haben diesen Planeten verlassen, um ihn aus dem Weltraum zu betrachten, um ihn zu messen und zu verstehen; Majer sagt, dass „Menschen wie Planeten sind, wir können sie studieren, versuchen, mit ihnen zu kommunizieren, aber wir werden nie wirklich verstehen, was vor sich geht.“ Und für sie kann die Unerkennbarkeit von Menschen als Planeten befreiend sein, wenn wir bedenken, wie dies die Möglichkeit des Ausdrucks erweitert. „Das Publizieren schafft persönlichen Raum und ermöglicht es mir, mit Erzählungen in Kontakt zu treten, die echt und ehrlich zu mir selbst sind“, sagt sie. „Es vertieft ein Loch und macht einen Raum größer.“
Gabi Dao, Spiralförmig zusammengerollt, 2017. CNC-gefrästes Polystyrol, Harz, Holzfüller, Glimmer, Pigmente und natürliche Tone. Abmessungen variabel.
Mit freundlicher Genehmigung von Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi Dao
Die Künstlerin Gabi Dao aus Vancouver schreibt, um sich mit dem sozialen Kontext auseinanderzusetzen, der ihre Kunstpraxis bestimmt. Indem sie über Musik schreibt, untersucht sie die gegenwärtigen Bedingungen ihrer Zirkulation, einschließlich der Individuen und Identitäten, die in die Musikindustrie und Medienplattformen involviert sind und von diesen artikuliert werden. „Das meiste Musikschreiben dient dazu, die Erfahrung der Musik wiederzuerwecken,
aber es spricht nie direkt über die zugrunde liegenden Umstände, unter denen die Musik produziert wurde“, sagte sie mir. Whitney Houston und andere., eine aktuelle Sammlung von Essays über populäre Musik, herausgegeben von Casey Wei, Dao schreibt über M.I.A. durch die Linse von Trinh T. Minh-ha und Hito Steyerl. Sie hat auch über A Fantasy in Surrey geschrieben, ein Album, das von Ellis Sam (Same Same) komplett in der Surrey Public Library komponiert wurde. „Für mich war das Schreiben der direkteste Weg, diese nebulösen Dinge aneinanderzureihen, um Ellis und seiner Arbeit, an die ich wirklich glaube, eine gewisse Sichtbarkeit zu verleihen.“ Als Bewohnerin der Westfront von Vancouver startete sie eine Podcast-Serie namens Here Nor There. Sie betrachtet es als ein Experiment im mündlichen Publizieren, das Gespräche über Sounddesign und Musik zwischen Künstlern, Autoren und Produzenten fördert. „Es war meine Art zu sagen:’Schau, nicht alle Kunst lebt in einer Galerie, nicht alle Kunst wird in einem Studio gemacht'“, erklärt Dao. „Warum privilegieren wir diese Räume?“ Sie nimmt sich regelmäßig Zeit, die normalerweise ihrer skulpturalen Praxis gewidmet ist, um an diskursiven Projekten zu arbeiten, was eine Verschiebung dessen unterstreicht, was einen Künstler in seiner Arbeit und künstlerischen Gemeinschaft empfänglich, agil und präsent macht. „Es reicht nicht, nur in meinem Studio zu üben.“
Stacey Ho und Julia Aoki, Wie man ein Loch gräbt, 2015. Aufführung, 15 Minuten.
Stacey Ho
Vor nicht allzu langer Zeit las die Künstlerin und Schriftstellerin Stacey Ho aus Vancouver über Gras: “ beschreibt Gras als frühe Kolonisatoren, die mein Gehirn in eine antikoloniale Metapher verwandelte – Gras als“ früher Sanierer“der Auswirkungen, die Menschen auf das Land hatten, ein bescheidener Heiler.“ Dieses Spiel mit Gras, das Vergeltung für menschliche Eingriffe in die natürliche Welt fordert, war eine vielversprechende Führung für Ho, dessen jüngste Werke die Form von konversationsbasierten Performances annehmen, die die interpretative Resonanz der Sprache erweitern sollen. In Bird is Bird (2016) führte Ho Gespräche auf Deutsch, in denen die Teilnehmer gefragt wurden, ob sie bird, purple, Green oder Stone sprechen. How to Dig a Hole (2015), ein kollaborativer Text und performativer Vortrag mit Julia Aoki, erweiterte die Geometrie eines Lochs, um eine Geschichte durch das Schreiben von Formen zu erzählen. „Fallen Sie durch eine Geschichte, um zu einer anderen zu gelangen, um eine andere Tangente zu finden, die eine unsichtbare Form bildet“, schreibt Ho. Letzten Winter veröffentlichte die Capilano Review Hos Kurzgeschichte „Green House“, in der ihr Grasmotiv schließlich seinen Platz fand. Die Geschichte zeigt die Oszillation zwischen Marlenes alltäglichem Leben, das sich um ihren kranken Ehemann kümmert, und ihrer Beziehung zu einem sexuell durchsetzungsfähigen, aber fürsorglichen Flüchtling, Al. Hos Schrift erinnert mit filmischer Detailgenauigkeit an die vertraute Landschaft eines Straßenrestaurants oder eines mit Pflanzen beladenen Wohnraums, insbesondere bei der Einrahmung von Körpern. „Green House“ ist jedoch auch mit magischem Realismus gespickt. Hos Bilder zeigen, wie menschliche Körper gleichmäßig von den Kräften der Natur und der Übernatürlichkeit beeinflusst werden und wie schwer es ist, mit dem Unbekannten in Verbindung zu treten.
Sharona Franklin, Vermisste Frauen, 2016. Wolle, Acryl, Holz und Baumwollfaden, 1,49 x 1,18 m. Courtesy/Foto: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
Die Künstlerin Sharona Franklin aus Vancouver verwendet das Vokabular von Bürokratie und Biotechnologie, um die gelebte Erfahrung eines von diesen Kräften geprägten Körpers zu artikulieren. „Die Sache mit der Biotechnologie ist, dass es für alle wichtig sein sollte“, erklärt sie. „Die Idee, dass wir von der chemischen Welt getrennt sind, macht keinen Sinn.“ Franklins 2016 Book Rental Bod ist eine Ansammlung von Handyfotos und Tablet-Skizzen, gesammelten Bildern, Sumi-E-Tinte und Sharpie-Zeichnungen, digitalen Scans mit iPhone-Notizen und Scans von gemaltem Text. „Ich arbeite daran, persönliche Mythologien der Biomedizin, des Geschlechts, der Botanik und rhetorischer, theologischer und bürokratischer Systeme zu verbreiten“, sagt sie. Für Franklin, Die Anatomien dieses Buches können als analog zu einem Körper gelesen werden: Viele Teile bilden ein Ganzes und Bilder können eine äußere Hülle sein, während sich die Wörter unter den Bildern befinden, um die Bilder mit Energie zu versorgen. Es ist eine Strategie, die darauf abzielt, Zugänglichkeit und Verständnis auf ganzheitliche Weise zu fördern, die sich in ihr Leben als Frau mit Behinderung einfügt: „Ich möchte, dass meine eigenen Ideen und Schriften allein von der Tatsache stehen, dass ich eine Behinderung habe“, sagt sie, „aber auch den Einfluss meiner eigenen Erfahrungen innerhalb dieser Systeme anerkennen und wie entfremdend Behinderung für Frauen sein kann.“ Franklin zeichnet oft ihre Prosawerke für Sehbehinderte auf und hofft, sie in Blindenschrift übersetzen zu lassen.
Alexandra Bischoff, Leseraum: Der Vancouver Women’s Bookstore (1973-1996) (Detail), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Alexandra Bischoff
Im vergangenen Sommer entdeckte Alexandra Bischoff den ersten Inventarkatalog des Vancouver Women’s Bookstore. Ein Schwerpunkt des feministischen Netzwerks der Stadt, als es 1973 eröffnet wurde, überlebte die Buchhandlung drei Einbrüche, einen Brandanschlag und zwei Umzüge, die dann 1996 geschlossen wurden. Für Rereading Room (2016-18) setzt Bischoff den Originalbestand des Ladens so nah wie möglich zusammen und schafft eine lebendige Geschichte, die Künstler und Aktivisten besetzen und neu interpretieren können. Eine Erklärung auf der letzten Seite des Projektkatalogs lautet: „diesen Katalog zu machen war schrecklich, obwohl ich / mehr gelesen habe als in den letzten 2 Jahren: / Lesen im Bett auf der Toilette am Tisch im Bus. / arbeitete wahnsinnig lange, / überlebte auf Keksen & Joghurt & grüne / Erbsen-Eierwirbel-Suppe mit Kakerlaken darin. / schlief nicht, außer gelegentlich, auf / den Böden der Menschen, zusammengerollt in den Taschen / unter meinen Augen. / mein Name ist jeannine mitchell & Ich würde nicht / davon träumen, zu vergessen, was / Kredit ich von diesem verdammten Ding kann. ich verspreche / nie wieder zu tun.“ Die Passage war für Bischoff prägend, das Lesen eher als Ausdauerübung als als Vergnügen und als Text als Bühnenbild für die Aufführung zu betrachten. Bischoff erforscht derzeit das Leben von Joanna Hiffernan – die vor allem dafür bekannt ist, Whistler zu verschmähen, nachdem sie für Courbets L’Origine du monde (1866) posiert hatte — für eine Dauerperformance, die das enge Verständnis von Modell und Muse untergräbt. Es ist ein Akt der verkörperten Erinnerung, der der Forschung eine tief empfundene textliche Intimität offenbart. „Es gibt eine Zärtlichkeit, die ich fühle“, sagt sie über das Projekt. „Es ist nicht unbedingt Nostalgie, sondern Bewahrung für etwas, das früher unsichtbar war.“
Byron Peters und Tyler Coburn, Resonator</em (Detail), 2016-17. Zip-Datei, zum Mitnehmen und Diagramme, Abmessungen variabel.
Byron Peters
Byron Peters behauptet, ein langsamer Schriftsteller zu sein. Nicht wegen seiner wörtlichen Schreibgeschwindigkeit, sondern weil sein Schreiben oft aus einer längeren kollaborativen Untersuchung hervorgeht, oder „Gedankenexperiment.“ „Viele der Schreibprojekte, an denen ich gearbeitet habe, sind Kooperationen, die sich manchmal über Jahre entfalten“, sagt Peters, der in Vancouver arbeitet. Resonator (2016-17), ein mehrteiliges Projekt mit Tyler Coburn, basiert auf einer Anekdote über Nikola Tesla, der fast ein teilweise errichtetes Gebäude zerstört, während er seine Erdbebenmaschine an der Wall Street testet. Über eine lange E-Mail-Korrespondenz generierten Peters und Coburn eine Zip-Datei mit verwandten Bildern, Liedern, GIFs und zwei Texten: ein Gedicht, das über die Schaltpläne für einen Hochgeschwindigkeits-Handelscomputer gepfropft wurde, und eine Kurzgeschichte. Die Geschichte, die letzten Sommer als Stapel kostenloser Poster in „The House of Dust d’Alison Knowles“ in der Darling Foundry in Montreal ausgestellt wurde, porträtiert einen Arbeitsraum in einer Fabrik, der Resonanzfrequenzen erzeugt, die dazu führen, dass Arbeiter ohnmächtig werden und Visionen haben. Während der Ausstellung wurde die ZIP-Datei der Künstler auch an den Newsletter der Galerie angehängt, wodurch der Listserv des Museums effektiv mit ihren Kunstwerken gespammt wurde. Resonator ist eine Arbeit, die sich unter vielen Bedingungen zusammenzieht und erweitert: dekomprimieren jahrelanger Dialoge in eine Zip-Datei, Entpacken eines E-Mail-Anhangs, Aufnehmen eines Posters in einer Galerie, Lesen einer Kurzgeschichte. Es zirkuliert als polymorphes Multiple – leicht zu teilen und daher schwer zu zensieren.
Anahita Jamali Rad, dies ist eine Karte, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad will den Kapitalismus zerstören, also warum hat sie eine Modelinie gegründet? Angst vor Intimität ist eine hybride Form von Verlagswesen, Kleidung und öffentlicher Kunst. Es taucht eine zentrale Frage aus ihrem 2016 erschienenen Gedichtband For Love and Autonomy wieder auf: was bedeutet Souveränität im Spätkapitalismus? Aus Angst vor Intimität befinden sich die Akronyme „STFU“ und „FTP“ dort, wo normalerweise ein Logo auf einem Paar Sportsocken prangt. Auf einem T—Shirt steht: „Du bist nicht mein Freund“ – eine Weigerung, die Währung des Menschenhandels in den sozialen Medien aufzublähen. Wenn der Text beißt und die Aussagen als bratty oder empört registriert werden, könnte es daran liegen, dass Sie nicht in die Entfremdung eingeweiht sind, die uns sears, die Widersprüche zwischen politischen Prinzipien und wirtschaftlichem Überleben und die Ausweitung der Solidarität in jedem Akt des Ausdrucks. „Es geht darum, deutlich zu machen, dass dies Kapitalismus, Imperialismus, Kolonialismus, weiße Vorherrschaft, Sexismus usw. sind. fühlen wir uns ein bisschen besser, damit wir tatsächlich etwas dagegen tun können „, erklärt Jamali Rad, der im Iran geboren wurde und jetzt in Montreal lebt. Die Kleidung gibt dem Träger die Möglichkeit, seine Unzufriedenheit in Sichtweite zu verbergen, gibt uns aber auch die Möglichkeit, uns gegenseitig zu erkennen. „Wenn Sie nicht vollständig vom Netz sind, werden Sie auf keinen Fall zur Ware. Und ich bin nicht wirklich der Off-the-Grid-Typ. Ich mag es, mit anderen Menschen zusammen zu sein „, sagt sie. Wie sie auf der ersten Seite von For Love and Autonomy schreibt, „‚Ich‘ ist immer notwendigerweise ein ‚Wir.“ Jamali Rad ist so eloquent wie taktisch in ihrer Einladung, gemeinsam zu bemitleiden — sei es durch Poesie oder ein süßes T-Shirt.
Casey Wei, AK002 dunstig-x.o. Jungfrau Ochse, 2016. Kassette und Chapbook (mit Pink Noise von Instant Coffee).
Casey Wei
Casey Wei ist eine Renaissance-Frau. Sie hat in den Bands Late Spring und hazy gespielt, kuratiert für den Art Rock? konzertreihe, Regie bei einem Musikvideo für Destroyer als Karen Zolo, betrieb den Karaoke Music Video Maker Free Store, und sie betreibt das Musik- und Druckereilabel Agony Klub. Aber wie sie mir sagte: „Alles, was ich tue, kommt von meinem Schreiben.“ Agony Klub ist nach einem unterirdischen Casino aus einem Roman von Raymond Chandler benannt. Das „K“ ist ein eingebetteter Verweis auf den Filmemacher Rainer Werner Fassbinder, und in seiner abgekürzten Form beruft sich AK auch auf Chris Markers Dokumentarfilm über Akira Kurosawa. Diese Zusammenstellung persönlicher Geschmäcker in Film und Literatur enthüllt eine Bedeutungskonstruktion, die eher einem Kunstwerk als einem Auftrag für einen Herausgeber oder Verleger ähnelt. Als Künstler schreibt Wei nicht, um zu veröffentlichen, sondern um zu artikulieren, wie und warum sich Worte aus organischen Impulsen häufen. Im Dezember 2017 veröffentlichte sie ein Meditationsbuch über den Filmemacher Yasujiro Ozu, Ozu’s Seasons, mit Blank Check Press, aus dem sie neben einer Vorführung von Ozu’s Floating Weeds im Spare Room in Vancouver las. „Als ich meinen ersten Ozu-Film sah, brachte es mich auf die Idee der’Syntax’seiner Filme, diese Fixierung auf Sprache, Struktur, die Grammatik von etwas“, sagt Wei. „Ich denke nicht an das, was ich in Bezug auf“Texte“tue. Wir ordnen allem Narrative zu, es liegt in unserer Natur, nach Mustern zu suchen.“
Dieser Beitrag stammt aus dem Feature-Artikel „Textbasiert“, der großzügig von RBC in der Frühjahrsausgabe 2018 von Canadian Art unterstützt wurde. RBC engagiert sich leidenschaftlich für die Unterstützung aufstrebender Künstler in ganz Kanada und international und ist stolz darauf, bei dieser Spotlight-Serie mit Canadian Art zusammenzuarbeiten.