generøst støttet af RBC
Fabiola Carranse
Fabiola Carranses praksis beskæftiger sig med rumligt reframing sprog. Nylige projekter har form af folkelig skiltning på spansk og engelsk og præsenterer sig selv som tørre, in situ tekstværker. Men hvad der er tørt, tørres ikke nødvendigvis op. I en 2016 offentlig kunstkommission, syv skilte, spredte Carranas mock trafikskilte baseret på taleudtræk fra vintage tegneserier på Seattle havnefronten. Disse dekontekstualiserede udtryk— ” luft!, “”Mytteri!, “”ES UN IDIOMA MUY DIF PRISCIL,” blandt andre-placeret ellers uovervejede fortællende signaler langs den rutinemæssige forløb af en turiststi. Hun genkontekstualiserer sprog fra historiske kilder, der stammer fra hendes forskning tilgang til læsning, skrivning og oversættelse. “Jeg vil sige, at skrivningen sker først, eller er det første skridt i at opfatte et projekt,” siger hun, “men ligningen er flydende.”Carrans færdige digt, Syco-Seer, 1948 (2014), alfabetiserer de 20 mulige svar, der tilbydes af en magisk 8-bold. Værkets titel er et nik til 1950 ‘ernes fortunetelling toy’ s forløber, opfundet af Albert C. Carter og baseret på et åndeskrivningsinstrument udviklet af hans klarsynte mor under Anden Verdenskrig. Denne historie er destilleret i et indeks over uigennemsigtige reaktioner sat i sort-tonet cyanotype. Læs i vers, den uforpligtende tone i 8-Balls aktiesvar afslører sin tvivlsomme oprindelse i krigstidens angst. Samtidig peger værket på sprogets formbare natur for at forme troen og antyder måske, at sandheden i sidste ende er et spørgsmål om både overbevisning og chance.
Tisiana La Melia, side af dampe (detalje), 2012. Fotokopi med unikt blæk på pergamentomslag og risografindsats af Ryan Smith, 42 sider.
Tisiana La Melia
“jeg havde svinget mellem at fokusere på skrivning eller visuals og på en eller anden måde ankommet til det punkt, at jeg ikke behøvede at vælge den ene frem for den anden,” siger Vancouver-kunstner Tisiana La Melia
om sin digressive tilgang. “Skrivning var aldrig noget, jeg følte mig særlig stærk eller god til, men det var noget, der føltes nødvendigt for min fornuft.”Det er også en udvidelse af hendes visuelle arbejde, der viser forskellige aspekter af hendes forskning og tankeproces. La Melias skrivning blander korrespondance, intimitet og besværgelser i et forsøg på bedre at forstå ønsker og greb. Nice Poem (2017) foretager en indeksisk undersøgelse af smiger, social instrumentalisering og liberal feminisme; hun forklarer, at “disse værker har været meget direkte og følelsesladede og dokumenterer små tilfælde af strukturel vold, bagtanker, narcissisme og så videre.”Ved siden af en udstilling i 2012 på motion i Vancouver indviede La Melia Page of Vapours, en publikation, hvis titel låner et arkaisk udtryk for feminin melankoli. “Jeg indsamlede Skrivning, der produceres eller tager form på nødvendigvis digressive måder. Udvider sig ind og ud af fokus.”Hendes bidragydere fik to prompter: en parafrase af V. G. Sebald,” når du frigiver en hund i et felt, går det aldrig i en lige linje, “og en ikke-sekvitur i en drøm, som Freud misremembered:” jeg er fodret med kager, jordbær og skefulde grød.”Også en maler, la Melia vandt 2014 RBC Canadian Painting Competition. Hun er nu corralling Bidrag til side af dampe 2 og forberede en bog af poesi med Talon bøger.
Juli Maier, ben (detalje), 2017. Tegneserie. Høflighed DDOOGG.
Juli Majer
Juli Majers tegneserier kan introducere læsere til andre livsformer og andre verdener, men hun leverer ikke eskapisme. “Jeg er ikke så interesseret i utopier,” siger Majer. Mens intergalaktisk rejse er storslået, er Majers nuancerede fortællinger interesseret i de pragmatiske detaljer i disse andre verdener. “Hvad er karakterernes daglige liv i andre verdener? Hvad bliver normaliseret på andre planeter?”Hendes praktiske spørgsmål handler i sidste ende om, hvordan et socialt emne dannes. Denne nysgerrighed tvang hende til at begynde at udvikle et uddannelsessystem for samfundet portrætteret i Leg (2017), som blev udgivet af DDOOGG, en lille presse, hun kører i Vancouver med Tylor Macmillan og Cristian Hernandes. Mens der er strømme af spekulativ antropologi i hendes arbejde, er Majers fortællinger også optaget af, hvordan vi kan meditere over personlige forhold. Mennesker har forladt denne planet for at se på den fra rummet i et forsøg på at måle og forstå den; Majer siger, at “folk er ligesom planeter, vi kan studere dem, prøve at kommunikere med dem, men vi vil aldrig rigtig forstå, hvad der foregår.”Og for hende kan uvidende mennesker-som-planeter være befriende, når vi overvejer, hvordan dette udvider muligheden for udtryk. “Udgivelse skaber personlig plads og giver mig mulighed for at komme i kontakt med fortællinger, der er ægte og ærlige over for mig selv,” siger hun. “Det uddyber et hul og gør et rum større.”
Gabi dao, krøllet op i en Spiral, 2017. CNC-fræset polystyren, harpiks, træ fyldstof, micas, pigmenter og naturlige lerarter. Dimensioner variabel.
Høflighed Artspeak. Foto: Dennis Ha.
Gabi dao
Vancouver kunstner Gabi dao skriver for at engagere sig i den sociale kontekst, der informerer hendes kunstpraksis. Ved at skrive om musik vurderer hun de moderne forhold for dets cirkulation, herunder enkeltpersoner og identiteter, der er involveret i og artikuleret af musikbranchen og medieplatforme. “De fleste musikskrivning tjener til at genoplive oplevelsen af musikken,
men det taler aldrig direkte om de underliggende omstændigheder, hvor musikken blev produceret,” fortalte hun mig. I Houston, et al. Dao skriver om M. I. A. gennem linsen af Trinh T. Minh-ha og Hito Steyerl. Hun har også skrevet om en fantasi i Surrey, et album komponeret af Ellis Sam (samme samme) helt i Surrey Public Library. “For mig var skrivning den mest direkte måde at samle disse nebulous ting for at give en vis synlighed til Ellis og hans arbejde, som jeg virkelig tror på.”Som beboer på Vancouver’ s vestfront lancerede hun en podcast-serie kaldet Here nor There. Hun betragter det som et eksperiment i mundtlig udgivelse, der tilskynder til samtaler om lyddesign og musik mellem kunstnere, forfattere og producenter. “Det var min måde at sige, ‘Se, ikke al kunst bor i et galleri, ikke al kunst er lavet i et studie,'” forklarer Dao. “Hvorfor fortsætter vi med at privilegere disse rum?”Hun deler regelmæssigt tid, der normalt ville være dedikeret til hendes skulpturelle praksis for at arbejde på diskursive projekter, hvilket understreger et skift i, hvad der gør en kunstner modtagelig, smidig og til stede i deres arbejde og kunstneriske samfund. “Det er ikke nok bare at træne i mit studie.”
Stacey Ho og Julia Aoki, hvordan man graver et hul, 2015. Ydeevne, 15 minutter.
Stacey Ho
ikke længe siden, Vancouver kunstner og forfatter Stacey Ho læste om græs: “beskriver græs som tidlige kolonisatorer, som min hjerne flippede rundt i et antikolonialt metaforgræs som en ‘tidlig afhjælpning’ af den indflydelse, som mennesker har haft på landet, en ydmyg healer.”Det spil på græs, der krævede gengældelse for menneskelig indblanding i den naturlige verden, var en lykkebringende føring for Ho, hvis nylige værker har form af samtalebaserede forestillinger designet til at strække sprogets fortolkende resonans. I Bird is Bird (2016) var Ho vært for samtaler på Tysk, der spurgte deltagerne, om de talte fugl, lilla, grøn eller sten. Sådan graver du et hul (2015), en samarbejdstekst og performativ forelæsning med Julia Aoki, udvidede geometrien i et hul til at fortælle en historie gennem skrivning af former. “Fald gennem en historie for at komme til en anden, for at finde en anden tangent, der danner en usynlig form,” skriver Ho. Sidste vinter offentliggjorde Capilano-gennemgangen Ho ‘s novelle” Green House”, hvor hendes græsmotiv til sidst fandt sin plads. Historien skildrer Svingningen mellem Marlene hverdagsliv omsorg for sin syge mand og hendes forhold til en seksuelt selvhævdende, men omsorgsfuld flygtning, al. Ho ‘ s skrivning fremkalder det velkendte landskab i en spisestue ved vejen eller et plantebelastet hjemligt rum med en filmisk præcision til detaljer, især i indramning af kroppe. Men “Green House” er også pebret med magisk realisme. Ho ‘ s billedsprog repræsenterer, hvordan menneskelige kroppe påvirkes jævnt af naturens og supernaturens kræfter og vægten af grænseflade med det ukendte.
Sharona Franklin, Forsvundne Kvinder, 2016. Uld, akryl, træ og bomuldstråd, 1,49 gange 1,18 m. høflighed / foto: Hyoin Bae.
Sharona Franklin
Vancouver-kunstner Sharona Franklin anvender ordforrådet for bureaukrati og bioteknologi til at formulere den levede oplevelse af en krop formet af disse kræfter. “Det ved bioteknologi er, at det skal have betydning for alle,” forklarer hun. “Ideen om, at vi er adskilt fra den kemiske verden, giver ikke mening.”Franklins 2016 Bogudlejning Bod er en ophobning af mobiltelefon fotos og tablet skitser, indsamlede billeder, sumi-e blæk og Sharpie tegninger, digitale scanninger med iPhone noter og scanninger af malet tekst. “Jeg arbejder for at cirkulere personlige mytologier om Biomedicin, køn, botanik og retoriske, teologiske og bureaukratiske systemer,” siger hun. For Franklin, anatomierne i denne bog kan læses som analoge med en krop: mange dele udgør en helhed, og billeder kan være en ydre skal, mens ordene kører under billederne for at give energi til det visuelle. Det er en strategi, der stræber efter at fremme tilgængelighed og forståelse på holistiske måder, der kan foldes ind i hendes liv som kvinde med et handicap: “Jeg vil gerne have, at mine egne ideer og skrivning står alene fra det faktum, at jeg har et handicap, “siger hun,” men også at anerkende indflydelsen af mine egne oplevelser inden for disse systemer, og hvordan fremmedgørende handicap kan være for kvinder.”Franklin optager ofte sine prosaværker for synshandicappede og håber at få dem oversat til blindeskrift.
Aleksandra Bischoff, Genlæsningslokale: Vancouver Kvinders boghandel (1973-1996) (detalje), 2016-18. Foto: Sungpil Yoon.
Aleksandra Bischoff
sidste sommer, Aleksandra Bischoff udgravet den første opgørelse katalog af Vancouver Kvinders boghandel. Et omdrejningspunkt for byens feministiske netværk, da det åbnede i 1973, overlevede boghandlen tre indbrud, en brandbombe og to flytninger, derefter lukket i 1996. Til Genlæsningsrum (2016-18) samler Bischoff butikens originale lager så tæt som muligt og skaber en levende historie for kunstnere og aktivister at besætte og fortolke. En erklæring på den sidste side af projektets katalog lyder: “at gøre dette katalog var forfærdeligt, tho jeg fik / mere læsning gjort end i sidste 2 år: / læsning i sengen på toilet ved bordet på bus. / arbejdede vanvittige strækninger af tid, / overlevende på cookies & yoghurt & grøn / ærte ægvirvel suppe med kakerlakker i det. / sov ikke undtagen lejlighedsvis, på / folks gulve, krøllet op i poserne / under Mine øjne. / mit navn er jeannine mitchell & jeg ville ikke / drømme om at glemme at scrounge hvad / kredit Jeg kan fra denne forbandede ting. jeg lover / aldrig at gøre det igen.”Passagen var formativ for Bischoff i at tænke på læsning som en øvelse i udholdenhed snarere end fornøjelse og som tekst som et scenesæt til præstation. Bischoff undersøger i øjeblikket livet for Joanna Hiffernan-stort set kendt for at anspore fløjter efter at have poseret for Courbets L ‘ origine du monde (1866)—for en varig forestilling, der undergraver den snævre forståelse af model og muse. Det er en handling af legemliggjort erindring, der afslører en dybt følt tekstlig intimitet til forskning. “Der er en ømhed, jeg føler,” siger hun om projektet. “Det er ikke nødvendigvis nostalgi, men bevarelse for noget, der tidligere var usynligt.”
Byron Peters og Tyler Coburn, Resonator< / em (detalje), 2016-17. Fil, Tag væk og diagrammer, dimensioner variabel.
Byron Peters
Byron Peters hævder at være en langsom forfatter. Ikke på grund af hans bogstavelige skrivehastighed, men fordi hans skrivning ofte fremgår af en langvarig samarbejdsundersøgelse, eller “tankeeksperiment.””Mange af de skriveprojekter, jeg har arbejdet på, er samarbejder, der undertiden udfolder sig i årevis,” siger Peters, der arbejder i Vancouver. Resonator (2016-17), et flerdelt projekt med Tyler Coburn, er baseret på en anekdote om, at Nikola Tesla næsten ødelagde en delvist konstrueret bygning, mens han testede sin jordskælvsmaskine på gaden. Over en lang e-mail-korrespondance, Peters og Coburn genererede en lynlåsfil, der indeholder relaterede billeder, sange, GIF ‘ er og to tekster: et digt podet over skemaerne til en highspeed-handelscomputer og en novelle. Historien, der blev udstillet som en stak gratis plakater i “House of Dust d ‘Alison-viden” på Darling Foundry i Montreal sidste sommer, skildrer et arbejdsstue på en fabrik, der producerer resonansfrekvenser, der får arbejdere til at besvime og have visioner. Under udstillingen blev kunstnerens lynlåsfil også knyttet til galleriets nyhedsbrev, hvilket effektivt spammede museets listserv med deres kunstværker. Resonator er et værk, der kontraherer og udvider på mange vilkår: dekomprimering af mange års dialog til en lynlåsfil, udpakning af en vedhæftet fil til e-mail, henter en plakat i et galleri, læser en novelle. Det cirkulerer som et polymorft multipel—let delt og derfor vanskeligt at censurere.
Anahita Jamali Rad, dette er et kort, 2017.
Anahita Jamali Rad
Anahita Jamali Rad ønsker at ødelægge kapitalismen, så hvorfor har hun startet en tøjlinje? Frygt for intimitet er en hybrid form for udgivelse, tøj og offentlig kunst. Det dukker op igen et centralt spørgsmål fra hendes poesibog fra 2016, for kærlighed og autonomi: hvad betyder det at skabe suverænitet under sen kapitalisme? I frygt for intimitet ligger akronymerne “STFU” og “FTP”, hvor et logo normalt ville være præget på et par sportssokker. En T—shirt lyder, “du er ikke min ven” – et afslag på at puste valuta venlighed handles på sociale medier. Hvis teksten bider, og udsagnene registrerer sig som bratty eller indigneret, kan det være fordi du ikke er interesseret i den fremmedgørelse, der sårer os, modsætningerne mellem politiske principper og økonomisk overlevelse og udvidelsen af solidaritet i enhver udtrykshandling. “Det handler om at gøre eksplicit, at dette er hvad kapitalisme, imperialisme, kolonialisme, hvid overherredømme, seksisme osv., få os til at føle, så lad os finde hinanden og forholde os, føle os lidt bedre, så vi faktisk kan gøre noget ved det,” forklarer Jamali Rad, der blev født i Iran og nu bor i Montreal. Tøjet giver bæreren en måde at skjule deres utilfredshed i almindeligt syn, men giver os også mulighed for at få øje på hinanden. “Medmindre du er helt væk fra nettet, er der ingen måde, du ikke bliver commodified. Og jeg er ikke rigtig den off-the-grid type. Jeg kan godt lide at være sammen med andre mennesker,” hun siger. Som hun skriver på den første side af For Love and Autonomy, “‘jeg’ er altid nødvendigvis et ‘vi.”Jamali Rad er lige så veltalende, som hun er taktisk i sin invitation til at kondolere sammen—det være sig gennem poesi eller en sød T-shirt.
Casey VII, AK002 diset-O.O. Jomfru Okse, 2016. Kassettebånd og chapbook (med lyserød støj fra Instant Coffee).
Casey VII
Casey VII er en renæssance kvinde. Hun har spillet i bands sent forår og diset, kurateret for art rock? koncertserie, instrueret en musikvideo til Destroyer som Karen solo, drev Karaoke Music Video Maker Gratis butik, og hun driver musik-og tryksagsmærket Agony Klub. Men som hun fortalte mig, “alt hvad jeg gør kommer fra min skrivning.”Agony Klub er opkaldt efter en underjordisk kasino fra en Raymond Chandler roman. “K” er en integreret henvisning til filmskaber Rainer Fassbinder, og i sin forkortede form påberåber AK sig også Chris Markørs dokumentar om Akira Kurosa. Dette sortiment af personlige smag i film og litteratur afslører en konstruktion af mening, der mere ligner et kunstværk end et mandat for en redaktør eller udgiver. Som kunstner skriver vi ikke for at udgive, men for at formulere, hvordan og hvorfor ord hober sig op fra organiske impulser. I December 2017 udgav hun en meditationsbog om filmskaber Yasujiro Osu, OSU ‘ s sæsoner, med blankocheck presse, som hun læste fra sammen med en screening af Osus flydende ukrudt på ekstra værelse i Vancouver. “Da jeg så min første film, tog det mig til ideen om ‘syntaksen’ af hans film, den fiksering på sprog, struktur, grammatik af noget, ” siger han. “Jeg tænker ikke på, hvad jeg gør med hensyn til” tekster.’Vi tildeler fortælling til alt, det ligger i vores natur at kigge efter mønstre.”
dette indlæg er tilpasset fra funktionsartiklen” tekstbaseret”, generøst understøttet af RBC i foråret 2018-udgaven af canadisk kunst. RBC er lidenskabeligt engageret i at støtte nye kunstnere i hele Canada og internationalt, og er stolt af at samarbejde med canadisk kunst på denne Spotlight-serie.